IL PERIODICO D'ARTE IL Periodico d'Arte
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IL Periodico d’Arte Numero 5
Aprile - Giugno
TRIMESTRALE ANNO
IL PERIODICO D’ARTE 2021
Questa Testata giornalistica è regolarmente registrata presso il
Tribunale di Torino. Numero di Registro Stampa: n°63/2019
Direttore Responsabile e Giornalista: Dott. Andrea Domenico Taricco
Associazione ALA
Redazione: Via Genova 23 – 10126 Torino Ex Allievi Liceo Artistico
Tel. 349 4412278
Email: arghail.woolf@libero.it
Facebook: Il Periodico d’Arte
Sito: https://ilperiodicod-arte.webnode.it
Riflessi pandemico-globali sul mondo dell’arte e della cultura
Dalla politica all’economia: l’effetto domino Intervista a Francesco
Rodolfo Russo
Continua a pagina 3
Libri:
EIDOS
Il Secondo Libro della
Natura
(2021)
“La Venere imbavagliata” (2020) di Andrea Domenico Taricco
Copertina del Libro
presso Rinascenza Contemporanea II Pagina 6
Continua a pagina 2
1 IL Periodico d’Arte
CINA (Shanghai) Alta seicentotrentadue metri la Shanghai Tower si trova
tra la Jin Mao Tower e la World Financial Center nella
Lujiazui Finance and Trade Zone del Distretto Pudong.
Shanghai Tower Dopo il Bury Kalhifa di Dubai alta ottocentoventotto
metri è la seconda struttura più alta al mondo: ricordate
Complesso avveniristico in Asia la Tour Eiffel? E’ alta solo trecento metri; e L’Empire
State Building (Manhattan)? Solo trecentottantuno metri.
Ancora lo One World Trade Center (New York)
cinquecentoquarantuno metri.
E’ un edificio progettato dallo studio di architettura
Gensler ad alta efficienza energetica è caratterizzato da
una forma spiralitica della torre che sale verticalmente
sulla trasparenza e morbidezza: è interessante proprio la
relazione della struttura con il vento attraverso l’ausilio
di materiali che interagiscono con esso considerando
l’accurata scelta dei materiali in relazione al fatto che la
zona sia fortemente sismica. La facciata giocata sulla
trasparenza dei vetri e l’illuminazione naturale
sviluppano la coibentazione per ottenere il massimo del
raffreddamento e riscaldamento mediante il risparmio
energetico: l’impianto geotermico, le turbine eoliche in
cima all’edificio ed il sistema di riciclo delle acque
Chi è più alto? piovane ne fanno un esempio di modernità.
Yayoi Kusama a Berlino Palazzina di Caccia di Stupinigi
FRIDA KHALO
Through the lens of Nickolas Muray
Yayoi Kusama, Portrait ©YaYOI KUSAMA, Courtesy:
Ota Fine Arts, Victoria Miro & david Zwimer
Dal 19 marzo al 1 agosto 2021 il Gropius Bau di
Berlino ospiterà una mostra dell’artista giapponese Prevista per il 2021 è stata rinviata a febbraio 2022 la
Yayoi Kusama ripercorrendo almeno otto tappe mostra su Frida: per la prima volta in Europa giungere
tenute dal 1952 al 1983 spaziando dal Giappone questa collezione delle foto di Nickolas Murray su Frida
sino agli Stati Uniti. Dagli anni Sessanta l’aspetto spaziando in un percorso che parte da caratteri
polifunzionale di questa artista visionaria ha multimediali attraverso suoni e rumori che hanno
stabilito la propria posizione femminista in cui il l’obiettivo di spingere i visitatori nell’intimità dell’artista
senso della figura umana nello spazio spesso sino quasi a farla rivivere. Più di una sessantina di foto che
decostruito attraverso istallazioni garantiscono desiderano entrare in profondità sino alle lettere d’amore
questo spaesamento nei confronti del pubblico. tra Nickolas e Frida. La mostra era iniziata più di un anno
Pensiamo a Infinity Mirror Room ovvero fa: Frida Kahlo – Il caos dentro sempre nel mese di
all’istallazione del ’65 in cui le sculture gonfiabili febbraio 2020 a Milano interrotta poi dalla Pandemia e
a pois in una sala piena di specchi in cui la spostata presso la Palazzina di Caccia di Stupinigi
dimensione psichedelica delinea l’incubo di una tentando la via di un percorso mnemonico, rumoristico,
società malata e chiusa in sé stessa: la concettualità digitale tornando alle atmosfere sensoriali di un tempo
viene così spinta a conseguenze estreme. oramai trascorso in cui la sua opera resterà sempre attuale.
Rinascenza Contemporanea II
2 IL Periodico d’Arte
EIDOS. Il Secondo Libro della Natura
Dopo l’uscita di ASHERAH. Il Libro della In una simile realtà non c’è spazio per i sogni o le
Natura nel 2020 in cui veniva presentata la passatiste forme di medio-romanticismo.
dottrina Sincretosofica e la Teoria Sinaptica La Rinascenza ampiamente sviluppata nel primo
Essenziale sino all’elaborazione della Grande libro della natura attraverso l’Individualesimo che
Opera siamo giunti nel 2021 a Eidos. Il approdava attraverso la Post-Avanguardia
Secondo Libro della Natura. Italiana, l’Extraconcettuale ed il Neo-
Questo secondo testo costituisce la Creativismo a quei connotati che mettevano al
continuazione dell’altro approfondendo non centro l’emotività del documento dell’anima ora
soltanto la concezione teorica in cui stabilisce invece siamo nello stadio successivo: da una parte
il Dogma ed il Paradigma di funzione da cui la fase media espressa dallo Smaterialismo in cui
viene conclusa l’esperienza pittorica dei diverse correnti come gli Oniristi, le
maestri Discesi che chiudono il terzo evo Trasmutatrici e la Vibrazionista ci introducono
concomitante con la fine del Grande Eone. alla fase Classica della Rinascenza in cui il
La filosofia sarà una delle discipline essenziali Mutazionismo definisce l’Ibridismo nella sua
per entrare in questo meccanismo pseudo- forma triadica, l’Ologram.generation attraverso la
esoterico in cui l’arte diventa lo strumento nullificazione ed infine la Cyber Art mediante la
essenziale di analisi portando la mente a proposizione Chip. Non ci sarà più bisogno dei
scardinare i criteri precedenti ed aprendosi al sogni ma della memoria e questa giunge al suo
nuovo. Non è un caso che venga messa in compimento robotizzandosi, traslandosi in
campo la concezione digitalizzante come nanotecnologie, in circuiti biomorfici mutano in
fenomenologia stimolante per la fine di un intelligenza artificiale.
modo di concepire il mondo. Da questo L’era post-umana in cui il panteismo della Natura
momento in avanti la Conversione consiste esclude l’uomo pone al centro la Pandemia come
proprio nel concepire l’arte come il fanalino di funzione purificatrice: l’arte giunge oltre il
coda di un evo che ha trovato nel COVID proprio linguaggio sino ad annullarsi
l’azzeramento del vecchio mondo ed il tempo definitivamente.
T1 per il nuovo. Attraverso queste sequenze Il processo di analisi definisce il senso di una
ideali il lettore verrà indotto a riflettere Natura Madre a cui si incorpora l’immagine-
scardinando le vecchie convinzioni con le essenza del Padre (Idolo): i figli di questo
nuove. L’Eidos appunto proietta l’idolo verso binomio maschile/femminile siamo noi.
una nuova concezione in cui la forma, I depositari della Natura e dell’idolatrismo di essa
l’apparenza diviene sostanza di un mondo di ha di conseguenza necessità di una fisicità quale
immagini digitalizzate. espressione di un Tempio.
Rinascenza Contemporanea II
3 IL Periodico d’Arte
Il grande tessitore. Alla ricerca del Tempo
Discutendo con Francesco Rodolfo Russo
Il grande tessitore. Alla ricerca del Tempo è un grande testo antologico
uscito nelle librerie nel 2020 facente parte della Colonna Stigma curata da
Francesco Rodolfo Russo. In questa opera elaborata nella fase del Covid-19
sono intervenuti diversi autori di diversi ambiti di ricerca che dal proprio
punta di vista analizzano il concetto di Tempo sino ad approfondirlo in
maniera specifica.
A questo punto viene naturale chiedere al curatore Russo cosa intenda per
Tempo. E lui ha risposto:
” Mi sono interrogato su che cosa facesse Dio prima di creare la terra e
sono arrivato alla conclusione che anche il tempo e sia il “prima” sia il
“dopo”, sono derivati dall’attività divina; rimane da spiegare che cosa
facesse Dio prima della creazione. Probabilmente soltanto Dio è fuori dal
tempo, ma con la creazione crea anche il tempo. Penso che soltanto il
presente “è” l’unica certezza, sebbene si tramuti in fretta in passato.”
Intervista al curatore del testo: al Tempo del COVID
“La virgola che rappresenta la vita”
Dall’universale al particolare sono giunto alla seconda domanda:
ovvero come è nata l’idea di questo libro?
“ Anni fa mi fu proposto di scrivere un pezzo sul tempo legato alla
letteratura per un libro interdisciplinare. Scrissi alcune pagine e le
inviai, ma il libro non vide mai la luce. Ho continuato a pensare
che si potesse realizzare il progetto. A gennaio 2020 mi sono
messo in cerca di compagni di avventura. Sono arrivati i primi sì,
qualche ci provo, poi è arrivata la chiusura totale a causa del
coronavirus: alcuni, costretti in cattività, hanno accettato di
partecipare. Dal male non nasce il bene ma a volte, da situazioni
negative, possono sortire occasioni di aggregazioni qualitative
importanti.”
L’ultima invece di natura filosofica chiude: Credi che sia l’uomo a
dominare il tempo o che sia questo a dominare l’uomo?
“ Fisiologicamente è il tempo che domina l’uomo. Il titolo di una
mia poesia è Si nasce, si muore. La virgola rappresenta la Vita.
Francesco Rodolfo Russo Per dirla con Vittorio Messori «Da questa avventura della vita
nessuno di noi uscirà vivo”
Per quanto riguarda il mio contributo al testo mi è stato richiesto di
descrivere il rapporto del tempo con l’arte.
A prescindere dall’analisi che ne è sorta è stato fondamentale
stabilirne Il Paradigma secondo cui il modello di riferimento non è
il rapporto che ogni epoca ha stabilito con il tempo inducendo le
scelte estetiche degli artisti a compararsi o meno con questo
schema bensì consiste nel capovolgimento di ottica secondo cui se
l’approccio universale dell’uomo al tempo consisteva nel venerarlo
(imprimendo negli oggetti creati questa dimensione sacra) sino poi
a stravolgerla (svuotando il tempo della sua sacralità ideale si è
giunti alla perdita di aura all’oggetto stesso).
In altre parole se l’arte tradizionale idealizzava il tempo attraverso
l’esaltazione dell’oggetto creato il passaggio successivo è stato
quello di dissacrare il tempo e l’oggetto che lo rappresentava.
Rinascenza Contemporanea II
4 IL Periodico d’Arte
La VETRINA
Easypop: serie Heroes (Acrilico su tela)
La VETRINA di questo numero tocca un artista di fama internazionale denominato Easypop (dalla
fusione di easy=facile e pop=popolare). Il suo vero nome Roberto Mazzeo è il promotore di questo
progetto artistico a metà strada tra cartoon e fumetto, tra mito e commercio: grazie all’artista pulio-
romano il tentativo di raccontare in maniera semplice i miti di una generazione grazie alla quale la
Pop Art trova uno slancio verso nuove forme di linguaggio. L’artista da me contattato
telefonicamente al tempo della prima ondata da Covid ha dimostrato una certa apertura alle idee
innovative e sperimentali: oltre ad averlo inserito in EIDOS. Il secondo Libro della Natura tra i
maestri della Cyber Art è stato inserito nello spazio virtuale di Rinascenza Contemporanea III
(ovvero RC3). La mia esigenza di creare uno spazio virtuale è stata determinata dalla Rivoluzione
Culturale in atto che sta sacrificando la cultura e le arti tradizionali per giungere allo stadio
successivo della digitalizzazione. Da qui la ricerca di artisti innovatori che aprano al nuovo.
Secondo questo racconto fantascientifico durante il prossimo passaggio dell’asteroide 99942
Apophis verrebbe costruito lo spazio RC3 meglio progettato dal sottoscritto come Seraféo: siamo
lieti di esporre su RC3 i suoi lavori: http://rc3.jimdosite.com
Rinascenza Contemporanea II
5 IL Periodico d’Arte
Il CANTAFAVOLE
Gianluca Lalli è una sorta di menestrello contemporaneo che ha scelto di tramandare la cultura mediante un
processo di oralità che lo ha reinserito a pieno titolo nel panorama artistico italiano. Cantautore, docente e
regista in concomitanza del Centenario di Gianni Rodari ha realizzato un disco intitolato Favole a telefono
tratto (come lui stesso afferma in un messaggio telefonico) dall’omonima opera dello scrittore di Omegna. Ciò
che poi colpisce è il disco Cantafavole ovvero un laboratorio di scrittura che presenta nelle scuole statali in cui
insegna ai bambini proprio a scrivere canzoni partendo dalle favole e giungendo alla letteratura in generale.
Sappiamo di lui che nel 2005 vinse il premio Rino Gaetano e che nel 2013 vinse il premio Hard Rock Café al
festival del cinema di Venezia per un suo lavoro intitolato Il lupo. Poi dal primo album Il tempo degli assassini
del 2011 è uscito il secondo La fabbrica degli uomini ed ancora Metropolis e Le favole a telefono per
approdare all’universo dei racconti sino al romanzo storico Dal Vangelo secondo me (2016).
Da qui nasce il desiderio dell’artista di omaggiare l’antropologo Michael Foucault nel saggio Storia della
follia nell’età classica che a sua volta riprendeva l’opera satirica del 1494 La nave dei Folli di Sebastian Brant
in cui si narrava di navi cariche di esseri insensati alle quali non era concesso di attraccare nei porti in cui
giungevano.” Forse su quelle navi potremmo esserci noi stessi eppure siamo qui a parlarne…”mi disse mentre
dialogavamo telefonicamente e tra un frammento e l’altro di canzoni che eccezionalmente mi cantava
accompagnandosi con la chitarra mi ha fatto vivere l’incanto di un sogno antico.
In questa dimensione soffusa è presente il suo senso estetico in cui i retaggi di una cultura classica strabordano
dal modo in cui l’artista marchigiano si pone: nella sua umiltà v’è la consapevolezza del suo mestiere e tale
resta al punto di portarlo al di là dell’epoca in cui vive.
Intervistandolo telefonicamente durante la seconda quarantena restiamo ore ad ascoltarci curiosi di percepire le
idee dell’altro: lui del ’76 io del ’75 capiamo di avere in comune miti e leggende di un’epoca al tramonto.
Il suo stile discendente da De Gregori, Branduardi, De André convive con queste leggende ma le porta avanti
come una sorta di menestrello, cantastorie, cantafavole appunto modernizzato.
Mi racconta di sé e nel frattempo mi dedica pezzi ed io lo ascolto incantato perché in quelle parole c’è una
storia ed in quella storia delle vite, dei sogni, delle emozioni.
Questi sono gli insegnamenti di Lalli. I suoi giovani allievi imparano a conoscere mediante l’oralità
quell’antica tradizione canora che anticamente girovagava per le contrade insegnando storie, evocando mondi,
leggende, miti.
Una specie di commedia dell’arte in cui questi artisti girovaghi portavano con loro antiche tradizioni e culture
altrimenti obliate: tutto questo prima di essere trasmessi mediante la scrittura alle generazioni successive.
Ed ora proprio nel momento in cui la carta sembra smarrirsi nuovamente a favore della rivoluzione tecnologica
giunge Lalli che ripristina il valore dell’oralità trasmettendo nelle scuole questa conoscenza e questa forma
d’espressione artistica mai del tutto dimenticata.
“ L’arte tende a trattenere mai a dimenticare…” mi dice infine”…ed io preferisco starmene fuori dal Sistema
e vivere a casa, nei miei silenzi, nella creazione pura come un antico oratore…” e comprendo il senso delle
sue parole trascrivendole come meglio posso.
Ho percepito la sua voglia di trasmettere emozioni attraverso la profondità delle sue parole mediante il calore
della sua voce e la delizia delle canzoni che evocavano sapori antichi a metà strada tra il medioevo ed un’epoca
travagliata come la nostra da cui noi (quelli nati a metà degli anni ’70) ne usciremo invecchiati.
Dopo l’intervista ho continuato a seguirlo riconoscendo in lui un vero cantafavole. Un puro.
Intervista a Gianluca Lalli
Rinascenza Contemporanea II
6 IL Periodico d’Arte
Riflessi pandemico-globali sul mondo dell’arte e della cultura
Dalla politica all’economia: l’effetto domino
IL Silenzio dell’Arte
Dopo la prima quarantena dal 9 marzo al 18 maggio siamo caduti in una seconda a partire dal 6 novembre al
31 gennaio in cui l’Italia passando da zona Rossa ad Arancione a quella Gialla ha definitivamente bandito
l’arte dai propri schemi di insegnamento e di condivisione col pubblico.
Uno dei pochi che si è nobilmente battuto per riaprire gli spazi espositivi chiusi è stato Vittorio Sgarbi il
quale ribadendo al ministro dei Beni Culturali Dario Franceschini l’importanza dell’arte e della cultura ha
ricordato il Decreto Colosseo voluto dallo stesso ministro e convertito in legge il 5 novembre 2015 in cui i
musei italiani sono stati equiparati a servizi pubblici essenziali come la scuola, la sanità ed i trasporti.
Ottimo nella forma e nullo nella concretezza: scuole, musei e luoghi deputati alla cultura sono stati banditi
per questioni preventive di distanziamento sociale.
Molti si stanno chiedendo la motivazione di questa scelta: andare a fare la spesa non espone ulteriormente a
rischio le persone coinvolte? Sicuramente. Lo stesso vale per andare a passeggio o per svolgere funzioni
essenziali come andare alle poste, in banca od in qualsiasi luogo pubblico.
Ergo: se è concesso svolgere a singhiozzo delle funzioni mentre altre no cosa le distingue? E le fasce orarie?
Il virus considera orari prestabiliti per diffondersi? Preferisce età specifiche o si diffonde casualmente
ovunque senza badare a tempi e fasce sociali?
Eppure basterebbe sanificare questi ambienti tra l’altro meno frequentati dei supermercati, magari
utilizzando la tecnologia per prenotare le visite a musei e tenere sotto controllo il numero delle persone che
sarebbe monitorato (controllo della temperatura, mascherina, distanza) consentendo così a questo settore che
costituisce un pilastro dell’economia italiana di andare avanti e di non crollare.
Oppure dovremmo agire come i Paesi Europei più ricchi come la Germania che finanzia tutte le attività
chiuse non abbandonando nessuno o creando l’annata bianca sino al nuovo ordinamento.
Invece non funziona così: dalla scuola ai musei, dalle gallerie ai piccoli spazi espositivi senza poi ricordare i
teatri, i cinema e tutti i luoghi culturali sono stati esclusi.
Tutti si limitano ad attendere aiuti, finanziamenti, sacrificando così un settore già in crisi per un Paese che da
anni tergiversava nel distanziamento culturale privilegiando i luoghi dediti alla vendita di tecnologie, a
supermercati informatici o filiali automobilistiche a luoghi culturali.
Queste considerazioni non nascono dal malcontento, dal disagio o da lamentele infondate magari generate in
un insano ambiente antipolitico o contro-ideologico al sistema: no, assolutamente no!
Colui che scrive è la fonte diretta di considerazioni che provengono dalla gestione di spazi espositivi su
suolo italiano e contaminati da anni dall’ignoranza.
Scrivo con l’obiettivo di far riflettere: nessuna campagna elettorale, nessun orientamento o specificità
finalistica. Ciò che è scritto è verificato sul campo, sul terreno dei mercati finanziari che hanno investito
nelle tecnologie e nella pubblicità di sistemi che hanno stimolato negli anni la popolazione a disinteressarsi
sempre più all’arte ed alla cultura allontanando persino l’interesse accademico degli studenti a certe materie
umanistiche che costituivano l’humus della cultura italiana e che sono cadute nell’oblio.
Nei massimi sistemi le economie si occupano delle grosse fondazioni o di quei musei che in un modo o
nell’altro ce la faranno perché considerati patrimonio nazionale o privato: i piccoli imprenditori, gli art
Manager invece soccomberanno perché saranno costretti a chiudere non avendo le spalle coperte o bruciando
quei pochi risparmi che avevano costituito gli sforzi degli ultimi anni.
In altre parole tutto ciò che aveva a che fare con la cultura e l’arte già abbondantemente sacrificati
nell’ultimo decennio ora hanno trovato la loro morte definitiva.
E come dicevamo sopra a parte alcuni schiamazzi insignificanti il mondo dell’arte è rimasto in silenzio a
vedere: interi reparti di questa filiera entro pochi anni non esisteranno più a meno che un ricco privato o una
fondazione con interessi pubblici ci metta le mani. Il resto cadrà nel nulla.
La trasformazione finanziaria globale avvenuta a partire dal 2008 ha inciso sulle diverse economie nazionali
e l’Italia quale piccola appendice di un’Europa germanocentrica ha elargito finanziamenti con lo scopo di
azzittire ed appiattire le politiche locali predisposte oramai al loro servizio: non c’è posto per la povertà ed i
pesci piccoli dovranno soccombere definitivamente.
L’effetto domino è stato determinato dal Covid: la Pandemia ha rappresentato il colpo di grazia di un sistema
già in bilico. L’arte è ferma, nel silenzio, nella distanza. Tutti distanti da tutti: in questo modo la Venere del
Thorvaldsen (1816) divenuta degli Stracci (1967) da Pistoletto l’ho riprodotta imbavagliata per indicare il
silenzio dell’arte appunto in un’epoca travagliata come quella in corso.
Rinascenza Contemporanea II
7 IL Periodico d’Arte
Andrea Gruccia
L’artista ribelle
Viso ritrovato su una Grotta interiore (2010)
China, ossidi, colla e matita su carta
Parlare di un artista del calibro di Andrea Gruccia non è cosa facile. Autonomo, indipendente
a volte strafottente è il classico intellettuale fuori dalla righe non tanto per eccentricità o sotto
forma di ego smisurato: tutt’altro. Andrea Gruccia è un artista genuino capace di trasmettere
attraverso la sua pittura quel senso di oppressione di una civiltà giunta al suo limite ed in crisi.
Narra infatti la crisi di un’epoca, di un modo di vivere oramai tramontato e spinge più in là
questa ricerca mediante la potenza della forma ottenuta attraverso il colore in cui questo
smette di essere tale dialogando diegeticamente con la filosofia dell’opera stessa divenendo
quindi espressione del sangue, dell’anima materiale; insomma di quell’humus o linfa vitale
che scorre nelle cose e nel farlo le lascia morire, le lascia deteriorarsi sino al vuoto cosmico
dell’esistenza. Il nucleo di questa sofferenza ha origine da qui. Il vuoto come riempimento
della nullificazione portante: Andrea attraverso la sua pittura è un nullificatore?
Rinascenza Contemporanea II
8 IL Periodico d’Arte
Andrea Simone Appendino (questo il suo nome completo) ha un talento naturale: come ha
dichiarato altrove”…pittura, fotografia, poesia, le mie passioni. Nella fotografia intervengo
sui miei scatti digitali stampandoli in bianco e nero su diversi tipi di materiali modificandoli
con varie tecniche…” a volte strappa le foto, le ricompone tendendo alla distorsione
dell’immagine decontestualizzando il soggetto: “…ricerco nei soggetti e in me stesso
ulteriori indagini psicologiche e introspettive. Passando dal digitale in un realtà fisica
interagisco con la pittura così le immagini acquisiscono unicità, una pelle, cicatrici. Figure
a volte sospese nel vuoto, avvolte da un senso di precarietà e inquietudine che dilaga nella
realtà odierna”.
La sua storia è complessa e ci aiuta a comprendere il senso della sua pittura: lascia presto gli
studi a causa di un’irrequietezza che lo porta a ricercare, a ricercarsi mediante la pittura, la
musica e le arti in generale. Ha convissuto con la depressione e conosce un altro artista
Maurizio Ferrari con il quale condivide il senso della creazione e della dannazione dell’arte.
Lo psichiatra Paolo Berruti crede per primo nella loro arte: eppure tra ricadute e slanci
creativi riesce Andrea a diplomarsi partecipando contemporaneamente a diverse mostre sino
alla pubblicazione di racconti Capelvenere (2016) e a due romanzi Il Tatto delle cose
sporche e nel 2019 La nuda anarchia dell’anima.
Leggendo tra la documentazione leggo alcune sue visioni:”…secondo me l’arte pittorica
dopo Francis Bacon non è più nulla e nel nulla si deve evolvere. Penso che la distorsione
che ha effettuato Francis Bacon abbia aperto le porte ai corpi, alle loro anime sofferenti ha
fatto entrare luce nelle caverne affiancando le scoperte dell’inconscio. La pittura è perpetua
crocifissione ed è stata crocefissa dalla madre arte quando le sue vesti sono state spartite tra
critici e collezionisti e sbranata dal mercato. Non c’è più nulla da rappresentare nella realtà
tridimensionale, le false sperimentazioni di M. Cattelan o Damien Hirst sono state patetiche.
L’uno ha crocefisso animali veri mettendo i tori in formalina, l’altro ha appeso un cavallo
imbalsamato allungandogli le zampe e loro, si sono nascosti nella trincea dell’arte
concettuale…”
Ed altrove ancora: “…cerco nell’arte una religione che torni a parlare con la voce di
un’altra natura, non morta ma viva, l’arte dei fotoni, degli antifotoni. Dell’antimateria.”
Ed infine gli ho chiesto di bombardare quanto più sui suoi punti fermi che costituiscono la
sua visione personale. Lui così ha commentato:”…c’è un Amazon anche per l’arte
contemporanea, l’ individualismo: non vedo nessuna collaborazione tra artisti, cosa che è
sempre stata fondamentale: non ci si taglia più un orecchio per un litigio…” e
conclude:”…l’arte è un ectoplasma che gli artisti cercano di accaparrarsi per avere più
visibilità. Siamo nella stasi di un passaggio, una quarta dimensione che è virtuale ma
meccanizzata, non interiore…” e dialogando per messaggi infine aggiunge: “:..forse è
l’insegnamento dell’arte sbagliato alla base: van Gogh andrebbe studiato partendo dalle
lettere al fratello, dalla perizia con la quale cercava gli accostamenti di colori. Amo gli
autodidatti. In tutti questi anni l’arte non è stata in grado di concepire il concetto stesso di
bellezza: la bellezza è un male che distoglie la creatività. Siamo ancora ai tempi in cui Carol
Rama disegnava donne che cagavano mentre il popolo e gli addetti ai lavori ridevano. E’
ancora rischioso essere liberi nell’arte. Certi argomenti sono ancora tabù ed i grandi hanno
pagato l’ignoranza dei pochi…”. Nella sua creazione vivono queste parole, trasudano
espressioni ribelli di una mente fertile, esplosiva, unica: Andrea Gruccia è l’artista filosofo
che soffre l’isolamento creativo da un’epoca ancora troppo giovane per comprenderlo.
Rinascenza Contemporanea II
9 IL Periodico d’Arte
MOSTRA di PRIMAVERA
MARIA CARMEN SALIS
I percorsi dell’anima (2016) tempera grassa e olio su tavola
Parlando di Maria Carmen Salis entriamo nella seconda mostra del ciclo Le Stagioni dell’anima in cui l’artista sarda
rievoca la mostra di Primavera (12 marzo 2021 – 12 maggio 2021).
L’artista nata ad Angera (VA) nel 1967 lavora e vive in Sardegna ed esattamente a Chia: parlando con la pittrice fu la
madre a trasmetterle questa passione donandole una tavolozza all’età di tredici anni e da allora non ha mai
abbandonato l’arte. Dopo aver frequesntato il Liceo Artistico ha fatto un corso triennale di restauro è entrata a
contatto con altri maestri e tecniche antiche come la tempera all’uovo che utilizzerà sempre: laureatasi in Pittura
presso l’Accademia delle Belle Arti di Carrara approfondirà il suo percorso con maestri del calibro di Umberto
Buscioni e Omar Galliani per divenire conseguentemente lei stessa Docente delle Discipline Pittoriche. Questo l’iter
che ha spinto la sua creatività ad esporre in collettive e personali.
Ora la ospitiamo presso Rinascenza Contemporanea II di Torino con una mostra stagionale che avrà come modello la
Primavera vivaldiana. Dopo l’inverno evocato da Anna Actis Caporale ora è tempo di risorgere con la pittura che
verte al calore di una metafisica onirica oramai protesa ad obliare l’Onirismo precedente del Gruppo degli Otto
spingendo il senso emotivo sempre di più in quello mnemonico in cui il ricordo, la sensazione e l’atmosfera di quel
dato evento oramai scardinano la mente dalla realtà per restituirla ad una sfera idealizzante.
Anche lei Trasmutatrice oramai proietta l’onirismo precedente nell’istintivismo puro grazie al quale nonostante il
tormento di un’epoca come la nostra strutturata sulla malattia e sul dolore si spinge oltre consentendo all’osservatore
di rivivere momenti lontani che fanno parte dell’esperienza personale. Siamo nel pieno dello Smaterialismo e nella
fase media della Rinascenza in cui il Covid trasforma le nostre abitudini.
Rinascenza Contemporanea II10 IL Periodico d’Arte
Tra le opere costitutive Cinema Italiano
Slovankà epopej ricordiamo i titoli più importanti
Il capolavoro di Mucha che oramai faranno parte
dell’entourage: Il Figlio più piccolo
Gli slavi nella loro patria; La
celebrazione di Svantovit;
di Pupi Avati
Dopo un secolo dalla morte di
Alfons Mucha è stato a Praga L’introduzione della liturgia
realizzato uno spazio per slava; Lo zar Simeone di
contenere la Slovanska epopej Bulgaria; Il re boemo Premysl
ovvero un ciclo di oltre venti Otakar II; L’incoronazione dello
pezzi che narrava il mito del zar dei serbi Stefano Dusan
popolo slavo. come imperatore romano
Questa epopea slava contiene d’Oriente; Jan Milic di
venti tele appunto di grosso Kromeritz; Jan Hus che predica
formato realizzate tra il 1910 ed alla cappella di Betlemme;
il 1928 e fu donata dall’artista L’incontro di Krizky; Dopo la
alla città di Praga con lo scopo battaglia di Gruwald; Dopo la
che la città edificasse qualcosa battaglia di Vitkov; Petr
per accogliere questa mega-opera Chelcicky a Vodnany; Il re Jiri
testamento. di Podebrady; La difesa di
Ciò che forse incise per Srinsky; La stampa della Bibbia
catapultare il capolavoro nel di Kralice a Ivancice; Gli ultimi
silenzio fu sicuramente il giorni di Jan Amos Komensky a
secondo conflitto mondiale in Narden; Il monte Athos; Il
seguito al quale le opere furono giuramaneto di Omlandina;
nascoste per evitare che i nazisti L’abolizione della servitù in
Capolavoro di Pupi Avati del 2010
se ne impadronissero o che le Russia; L’apoteosi degli slavi.
in cui un cast eccezionale di attori del
distruggessero. L’artista sin da giovane dimostrò
calibro di Christian De Sica, Laura
Nel dopoguerra però fu la volta una certa dedizione per l’arte se
Morante, Luca Zingaretti si
dei sovietici: anche in questo pensiamo a tutta una serie di
intersecano in uno spaccato
caso l’artista non era accetto ed i disegni che trasmettono il senso
decadente della società italiana di
suoi lavori furono trasferiti della forma nella contemplazione
quegli anni in cui la corruzione, la
presso Moravsky Krumlov delle cose: la formazione
trasformazione dei costumi, delle
ovvero città della Moravia religiosa fu il trampolino per un
famiglie così come degli intrighi per
meridionale dove rimasero fino al senso ulteriore di venerazione,
raggiungere la ricchezza si
2012. osservazione silenziosa ed umile
avvicendano in una storia avvincente
Da qui la città di Praga ha lottato verso la Creazione.
che ci descrive l’Italia di oggi.
per riappropriarsi dei lavori Lavorò come scenografo a
Da una parte l’imprenditore romano
dell’artista. Le sue tele Vienna sino poi ad entrare
Luciano Baietti (Christian De Sica)
nonostante sporadiche successivamente nell’Accademia
che non guarda in faccia nessuno per
esposizioni non hanno trovato di Monaco di Baviera.
raggiungere i propri scopi e su
grandi risonanze eppure dopo Ma fu Parigi il luogo magico in
suggerimento del suo amico
quasi un secolo l’azienda anglo- cui entrò in contatto con il
confidente avvocato Sergio Bollino
ceca denominata del gruppo mondo dell’arte contemporanea
(Luca Zingaretti) decidono di invitare
Crestyl ha annunciato che il ciclo sino poi all’incontro con Sarah
il figlio della sua ex compagna
di Mucha sarà accolto presso il Bernhardt. Aderì alla massoneria
(Laura Morante) per accaparrargli
complesso Savarin, un sito di divenendo esponente dell’Art
tutte le proprietà, i debiti e le
oltre quindicimila metri Nouveau sino a sbarcare negli
problematiche legali che
espositivi proprio nel cuore di Stati Uniti. Fu dal 1911 che si
incriminerebbero l’imprenditore.
Praga. dedicò alla epopea slava
Il figlio ingenuamente firma tutto
Qui sarà costruito uno spazio divorando testi sull’argomento e
perché convinto di riconciliarsi col
apposito dall’architetto inglese consultandosi con grandi
padre che alla fine sarà arrestato:
Thomas Heatherwick e studiosi: già nel 1928 le tele
proprio nel momento in cui tutto
seguiteranno oggetti della erano pronte in concomitanza al
sembra perduto la vecchia famiglia
famiglia dell’artista stesso: decimo anno della repubblica
accoglierà l’uomo corrotto in attesa
fotografie, documenti, bozzetti e cecoslovacca e fu definito artista
di tornare a delinquere.
disegni. Avrà lo spazio più di una nazionalista. Durante
Commedia brillante che ha premiato
decina di metri d’altezza per dare l’occupazione nazista fu
De Sica e Zingaretti con il Nastro
idea di grandezza e interrogato e morì nel ’39 per
d’Argento 2010.
magniloquenza. problemi polmonari.
Rinascenza Contemporanea II11 IL Periodico d’Arte
ROBERTO BOLLE: Laura Sechi: dal
il divino della Danza
Classica Vitanova a Cuochi d’Italia
E’ stato nel mese di gennaio 2020 quando il
grandioso Roberto Bolle in un programma
televisivo Danza con me di Rai 1 ha danzato con
Svetlana Zakharova prima ballerina assoluta del
teatro Bol’soj di Mosca. Laureata in Lettere Antiche ha lavorato fino a due anni
Impressionante viaggio nella bellezza in cui fa nella Pubblica Amministrazione: da sempre ha
ordine, equilibrio e leggerezza si sono fusi in un manifestato una fascinazione per il mondo della cucina
solo corpo. e della creazione di cibi sofisticati.
D’altro canto Roberto Bolle è stato magistrale. Notata in televisione nel celebre programma Cuochi
Nato a Casale Monferrato il 26 marzo 1975 è un d’Italia giunto alla sua tredicesima edizione in onda su
genio della danza classica senza precedenti se TV8 condotto da Alessandro Borghese in cui i due
pensiamo che al momento stesso Etoile del teatro giudici Gennaro Esposito e Cristiano Tomei che
alla Scala di Milano e Principal Dancer scelgono tra i maestri della cucina italiana i piatti
dell’American Ballet Theatre di New York. vincenti. Ebbene proprio una sera la Laura Sechi in gara
Sappiamo che già all’età di dodici anni Bolle è per la regione Sardegna mi ha colpito per l’eleganza del
entrato all’Accademia del Teatro alla Scala e fu piatto e la sicurezza con la quale lo realizzava.
notato da Rudolf Nureyev per interpretare Tadzio Mentre preparava la sua pietanza contro l’esponente
per La morte a Venezia. della regione Lazio il conduttore Borghese le ha chiesto
Da allora ne è passata di acqua sotto i ponti: da come è iniziata la sua passione e da qui è tornata
Cenerentola, al Lago dei Cigni al Romeo e indietro nel tempo ricordando le sue passeggiate in
Giulietta. barca con suo padre quando andavano a caccia di
Dal Royal Ballet di Londra al Balletto di ostriche presso Tharros, città romana in provincia di
Stoccarda sino al Tokio Ballet si è esibito in tutto Oristano. La sua poetica e l’amore delle radici mi hanno
il mondo dimostrando eleganza, disciplina e incuriosito e telematicamente siamo entrati in contatto
dedizione di un artista senza precedenti. sino alla mia intervista telefonica in cui mi ha spiegato
Riconosciuto dai palcoscenici di tutto il mondo la passione per le ricette che rievocavano la sua
ha presentato anche programmi televisivi. Ha un famiglia, l’origine ispanica, la sperimentazione tra il
curriculum assolutamente invidiabile pensando salato ed il dolce. Mi ha così descritto la fondazione del
ad esempio alla collaborazione con il direttore suo locale Vitanova cucina e dolci di Cagliari dal nome
d’orchestra David Garforth vincendo premi dell’opera dantesca in cui lei e la sua amica Rita Caletti
prestigiosi come il Premio Gino Tani nel 1999 ed hanno creduto: colpisce il suo amore per l’arte
il premio Galileo 2000 persino Cavaliere ricordando la zia ovvero la sorella di suo padre pittrice
dell’Ordine al merito della Repubblica Italiana negli Stati Uniti e dall’altro il senso che lei dà alla
nel 2012. cucina: “ Abbiamo dato un taglio femminile al locale
Mancava solo che divenisse conduttore televisivo perché è un tipo di cucina raffinata, studiata con ricette
per chiudere il cerchio. Maestranza di un talento che non danno poco sfogo all’improvvisazione” mi ha
naturale che attraverso la consapevolezza e la detto mentre annotavo sul taccuino. Rispecchia ciò che
bravura ha raggiunto una padronanza del corpo e è visibile dai suoi piatti: freschezza, sintesi, pulizia.
dello spazio che domina incontrastato.
Rinascenza Contemporanea II12 IL Periodico d’Arte
Metissage della
Moda 2021
Lucia Marcucci fu un’artista esponente del
Gruppo 70 tra cui spiccavano Luciano Ori e
Ketty La Rocca: il loro scopo di rivalutare la
parola nella fase evolutiva dei mass media.
La Marcucci evocava gli slogan pubblicitari,
collage ed emancipazione femminile. La
maison Dior omaggia l’artista italiana un
secolo dopo dalla Belle époque
Lucia Marcucci in passerella da DIOR
L’annata Covid non tira indietro il mondo della Arte del Fumetto
moda: concetti come reclusione, isolamento e
ritorno alla vita domestica spingono i grandi della
moda ad incarnare questo stato di rilassamento
Astérix e Obélix
(domestico) da una parte e tensione (sociale)
dall’altra. Pensiamo alle grandi firme come nelle
collezioni Gucci, Dior o Moschino in cui i pattern
irregolari predominano sino alle geometrie
esaltanti in forme e tagli piuttosto abbondanti.
La tendenza quasi vuole sfoggiare la tranquillità, il
desiderio di allontanarsi dai centri abitati
confondendosi con la natura, con decorazioni a
pois sino al giocoso ed all’armonia.
Abbiamo tinte dominanti pastellate pensando al
rosa, al giallo, al rosso al lilla sino alle sfumature
più neutre di Max Mara e Burberry magari spinte
al beige od al floreale di Sarah Burton od
all’animalier per Versace comprendiamo che il
femminile si mascolizza ed il maschile si
femminilizza in una sorta di metissage. Circa un anno fa ed esattamente il 24 marzo del 2020
La moda rievoca un senso di ritorno al domestico è mancato i fumettista Albert Uderzo, il creatore di
ed alla vita comoda data dal lavoro da casa e dal Asterix. Figlio di genitori italiani ha lavorato per più
distanziamento sociale. di cinquant’anni in Francia e con la collaborazione di
Queste tendenze si sviluppano circa un secolo dopo René Goscinny scomparso prematuramente nel 1977
da quegli anni ’20 che uscivano dal primo conflitto ha creato una serie di personaggi fantastici sino a
mondiale: uomini e donne necessitavano di un quando proprio nel 1959 Radio Luxembourg decise di
ritorno alla normalità mediante un eccesso di fondare un giornale per giovani utilizzando la radio e
costumi che spingessero verso una sorta di la pubblicità: con Francois Clauteaux nasce così
vitalismo, di vita sociale e positiva. Pilote un giornale per bambini in cui esordì Asterix.
Gli abiti erano pratici, per tutti e ci si apprestava ad Scrisse il direttore Clauteaux: “Asterix incarna
uno stile di vita più dinamico: si accorciano le maliziosamente tutte le virtù dei nostri antenati Galli.
gonne al polpaccio poi a partire dal’25 in L’umorismo di René Guscinny e Uderzo vi farà amare
concomitanza con il charleston, con i jazz ed il fox- questo piccolo guerriero baffuto, personaggio nuovo
trot si arriva al ginocchio. dei fumetti” L’idea di dare al pubblico francese una
Un secolo dopo il dinamismo diventa stasi e la sensazione di folklore. Il numero 1 intitolato Asterix
moda raggiunge la quiete dei tempi impantofolati. le Galois esce su Pilote nel 1959 e successivamente fu
La corsa futurista, la guerra ed il dinamismo del proprio Uderzo ad immaginare una spalla per Asterix:
secolo scorso sono passati di moda: ora la saggezza fu in questo modo che nacque Obelix, grasso, gioviale
per le piccole cose domina incontrastato. e guerriero. Dapprima con un’ascia era da contorno
Quelli erano gli anni di Chanel, Patou, Lavin in cui poi diventa essenziale per Asterix e gli mettono un
si diffondevano le Flapper girl ovvero le ragazze menhir sulle spalle. Asterix il modello ed Obelix
all’avanguardia dal trucco eccessivo, gonne e quello carico di difetti simpatici e tutti i personaggi
capelli corti: ora si sono accasate! collocati nel villaggio di Armorica.
Rinascenza Contemporanea II13 IL Periodico d’Arte
Aste da capogiro: La Crypo arte
Sotheby’s a New York Dalla Realtà alla Virtualità
Sandro Botticelli battuto all’asta negli Stati Uniti
al valore di 92.184.000 dollari
Nata come conseguenza al Bitcoin ovvero criptovalute
Ci risiamo. Made in Italy ed aste da capogiro che ci (valute digitali) che dal 2009 si sono diffuse in rete a
fanno ricordare il valore di ciò che esce dal nostro prescindere da banche centrali di riferimento sino al
Bel Paese: verso la fine di gennaio per una cifra di Ethereum cioè un blockchain (ovvero unità di hash
circa novantadue milioni di dollari è stato venduto crittografici costituenti un blocco appunto, ovvero una
all’asta l’opera di Sandro Botticelli intitolata sorta di libro aperto e distribuito).
Ritratto di giovane con medaglione. Ebbene l’influenza di questa tendenza ha delineato
L’opera realizzata da Alessandro di Mariano tecnologicamente un mercato decentralizzato che ha
Filipepi (in arte Sandro Botticelli) è un dipinto a sicuramente minato i luoghi dell’arte che facevano
tempera su tavola di pioppo risalente circa al parte della tradizione artistica del secolo precedente.
periodo compreso tra il 1470 ed il 1480 con le In questo senso l’opera d’arte digitale od in ogni caso
dimensioni di 58,4 x 39,4 cm. digitalizzata viene appunto pubblicata su un blockcain
Il capolavoro pittorico della ritrattistica a livello di NFT ovvero token non fungibile che dà
rinascimentale rappresenta un giovine abbigliato di all’opera dignità come proprietà, garanzia e dignità
corsetto in posa innanzi ad una finestra mentre commerciale valida e certificata per definire una
tiene tra le mani un medaglione con la compravendita.
rappresentazione di un santo (con incisa un’opera Su questo argomento esistono visioni contraddittorie:
trecentesca attribuita al pittore senese Bartolomeo da una parte coloro che vogliono definire l’arte
Bulgarini). crittografica hanno serie difficoltà ad esempio se
Secondo gli studi di Keith Christiansen il ritratto considerassimo il blockcain per registrare ed
inserito nel dipinto sarebbe un anacronismo e non autenticare opere fisicamente reali. In questo caso
si conoscerebbe realmente l’identità del giovane siamo in una zona spuria in cui la tecnologia dovrebbe
raffigurato. interagire solo con opere digitali o digitalizzate mentre
Tra le altre cose sappiamo che già un altro supera il proprio confine tendendo digitalmente a dare
Botticelli aveva trionfato all’asta: nel 2013 presso un valore concreto. Sappiamo che questo sistema è
Christie’s una Madonna con bambino e san diventato un territorio avveniristico in cui i pionieri
Giovannino era stato venduta a 10,4 milioni di stanno aprendo vie che nel tempo dovranno
dollari ma in questo caso la distanza economica è sicuramente raggiungere restrizioni o quantomeno
impressionante. nuovi equilibri: ad esempio nel 2015 fu l’artista Sara
Sarà per il mistero della raffigurazione risalente Meyohas a lanciare Bitcoin e successivamente Ascribe
evidentemente al periodo in cui l’artista si iscrisse utilizzava la Blockchain di Bitcoin per spingere gli
alla Compagnia di San Luca fase in cui le artisti a definire la proprietà del loro lavoro sino poi a
concezioni neoplatoniche offrirono a lui una serie Verisart che spinse a utilizzare la Blockchain per
di visioni che avrebbe inserito nelle opere: verificare l’autenticità delle opere d’arte stesse sino
pensiamo ai contrasti con le teorie ecclesiaste in alla creazione di un registro di opere autenticate.
cui esaltava il misticismo tardo-pagano. Arriviamo all’artista Beeple che sulla piattaforma
Dall’ambiente mediceo sarà la fase in cui Nifty Gateway di Gemini vende nel 2020 un’intera
raggiunse il suo estro sino poi a spingerlo verso la collezione di circa venti pezzi a più di 3,5 milioni di
Roma papalina in cui lo attendeva la Cappella dollari. Cosa ci riserverà il futuro? L’algoritmo digitale
Sistina. Realizzò l’opera a cavallo di queste lo saprà sicuramente.
convinzioni filosofiche e tendenze stilistiche che
segnarono la sua carriera artistica.
Rinascenza Contemporanea II14 IL Periodico d’Arte
Hirst: capofila dell’YBAs
Lo Young British Artists è il gruppo artistico capeggiato da Damien Hirst artista britannico che si fa
portavoce di un modo di intendere l’arte: ripristinando il linguaggio creativo da Rembrandt a Bacon
a Soutine il senso dello squarcio, del malato, sino a carcasse animali che mostrano apertamente il
senso della morte e del putrido. L’YBAs roteava introno a questo e lui anziché cedere alle lusinghe
del mercato e degli intenditori ha congelato romanticamente l’immagine di questi universi macabri
spinti oltre l’immaginario: è da questi postulati che iconizza macchine visionarie al limite del
possibile in cui l’aspetto psichedelico di una realtà deformata viene a galla portando con sé tutti i
paradossi di una società malata ed in contraddizione con i valori che spaccia come autentici e che
invece cadono nelle contraddizioni.
Nato a Bristol nel 1965 Hirst ha continuato ad esprimere questo disagio.
Pensiamo ai corpi tormentati di animali imbalsamati così come quelli immersi in formaldeide quasi
come generasse teche criogeniche o spazi siderali che prendono spunto dalle antiche tombe egizie in
cui la vita veniva appunto imbalsamata per essere proiettata nell’aldilà.
A partire dagli anni ’90 Hirst celebra la morte attraverso la conservazione, l’accettazione, il
congelamento, la cristallizzazione.
La sua è un‘arte fredda, lunare, femminile, congelata che mira alla terra: lo squalo tigre di oltre
quattro metri messo in una vetrina in formaldeide è diventato il simbolo artistico britannico degli
anni Novanta esponendo così in tutti i musei prestigiosi del mondo.
Hirst è storia dell’arte vivente. Convivono Pop Art, Informale, Action Painting generando gli Spin
Painting ovvero dipingendo superfici circolari in movimento sino agli Spot Painting in cui fondeva
le righe colorate che traevano spunto dalla pubblicità: l’artista concepisce l’idea di copia secondo cui
i lavori di teche vitree cariche di pillole, medicinali e pietre preziose costituiscono istallazioni
sostituibili e vendibili su scala internazionale.
L’impossibilità fisica della morte nella mente di un vivo (1991)
Rinascenza Contemporanea II15 IL Periodico d’Arte
Nota del Direttore La situazione è precipitata Il Periodico d’Arte
ulteriormente anche sul piano
culturale partendo dalle scuole
chiuse in cui le nuove Redazione:
generazioni dovranno dialogare Via Genova 23- 10126 Torino
ed imparare in smart working da Tel: 349 4412278
remoto mentre musei, gallerie,
teatri, cinema rimarranno chiusi Proprietario:
a singhiozzo. Andrea Domenico Taricco
D’altronde cosa dovrebbero fare
i coordinatori amministrativi Direttore Responsabile:
che si alternano nella gestione Andrea Domenico Taricco
dei territori compromessi?
Cari lettori, questo 2021 si La distanza tra le persone Caporedattore:
preannuncia come un anno sembra l’unica via possibile: il Andrea Domenico Taricco
complesso sotto il profilo resto sono solo slogan.
politico-economico, socio- Per quanto riguarda l’arte
sanitario, artistico-culturale. stendiamo un velo pietoso.
L’uno influenza l’altro: la Come ho avuto modo di
situazione politica sterminata dal esprimere ampiamente dai miei Sommario:
trasformismo partitico in cui non testi di filosofia artistica
si riesce a delineare un governo pubblicati autonomamente Guardandoci intorno:
stabile capace di far fronte alla stiamo assistendo alla morte di pag. 1 - 2
gravissima crisi economica in cui un modo di intendere l’arte
da una parte abbiamo un’Europa partendo dai meccanismi Interviste
disposta a finanziare l’Italia creativi a quelli post-produttivi Pag. 3 - 4 – 5
indebitandola almeno per il del Sistema Arte tradizionale
prossimo trentennio, dall’altra non più in grado di concepire ad Monografie:
una compromessa situazione esempio l’idea di pittore/artista, pag. 6 - 7 - 8 – 9
globale in cui la caduta galleria/spazio espositivo,
repubblicana statunitense allarga valore/ immortalità. Teorie:
apparentemente le intese La dequalificazione della pag. 10
occidentali verso l’Atlantico. fisicità ha smaterializzato l’arte
Su questo scenario assistiamo in in tutti i suoi meccanismi Curiosità:
Italia ad una disorganizzazione consentendo alla pag. 11
amministrativa complicata dal digitalizzazione di
mostro burocratico che aspira impossessarsi degli spazi Approfondimenti:
tutto ciò che sia in grado di deputati all’esposizione (oramai pag. 12
alimentarlo e del quale si servono virtuale) al mercato (pensiamo
i poltronisti per continuare a alla Crypto arte) fino agli artisti Cultura:
spartirsi il potere mentre il popolo oramai imprenditori in giacca e pag. 13 - 14
affonda nei debiti e cravatta che fanno business in
nell’incertezza. La Pandemia rete di opere/prodotto/merce che Nota del Direttore:
continua vorticosa a seminare viaggiano attraverso Amazon su pag. 15
vittime: entro breve scala globale.
raggiungeremo i tre milioni di I panorami che si aprono sono
morti ed i vaccini sembrano più molteplici così come quelli che
un fatto politico che sanitario. via via andranno chiudendosi a
I distanziamenti sociali e le macchia d’olio.
restrizioni sono aumentate in Giornalisticamente mi trovo a
maniera esponenziale intaccando descrivere questi fatti con
anche la sfera psicologica in cui oggettività ma da libero
le masse isolate nei rispettivi imprenditore, critico d’arte,
luoghi di residenza sono state gallerista, art manager di questo
trasformate in individui silenziosi, primo ventennio da XXI secolo
teledipendenti ed incapaci di purtroppo, mi trovo nella
reagire a questa situazione: dopo posizione infausta di coloro che
la seconda quarantena il silenzio. vedono un mondo trasformarsi.
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