FREE MAGAZINE.ARTE.DESIGN - NOVEMBRE . DICEMBRE | GENNAIO . FEBBRAIO 2221 - Skart Magazine
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FREE MAGAZINE.ARTE.DESIGN
NOVEMBRE .
TORINO.MILANO.ROMA
. FEBBRAIO
DICEMBRE | GENNAIO
ANNO14.NUMERO30 22
21
OMMARIO
2 FABIO VIALE
FREE.MAGAZINE.ARTE.DESIGN
ANNO 14 N° 30
NOVEMBRE 2021 _ FEBBRAIO 2022 6 SALVATORE ASTORE
S
COPERTINA: FABIO VIALE _ LAOCOONTE (2020) _ MARMO BIANCO E PIGMENTI 8 MARTIN PARR
CREDITS: NICOLO CAMPO - DB STUDIO
10 ALBERTO BURRI
EDITORE _ . C.SO VITTORIO EMANUELE II 86 TORINO
NEW BLU
DIRETTORE EDITORIALE _ ALESSANDRA ORITI
CAPOREDATTORE _ CARLA TESTORE
12 FONDAZIONE CRC
COORDINAMENTO EDITORIALE _ EMANUELA FAIAZZA
COLLABORATORI _ LUCIA FRANCA _ SILVIO COCCO 14 I MACCHIAIOLI
REDAZIONE _ C . SO VITTORIO EMANUELE II 86 . TORINO
TELEFONO _ 39 335 5652526
16 DOMENICO GNOLI
PITTURA IN STAMPA _ TIPOGRAFIA SOSSO . GRUGLIASCO ( TO )
REGISTRAZIONE TRIBUNALE DI TORINO N° 71 DEL 8/10/2008
PERSONA 18 MARIO SIRONI
La nuova Collezione
7 novembre 2021 – 6 marzo 2022 della Fondazione CRC
November 7, 2021 - March 6, 2022 WWW.SKARTMAGAZINE.COM
Complesso Monumentale
PAINTING IN PERSON info@skartmagazine.it
The New Collection 20 RUBY STERLING
di San Francesco, Cuneo of Fondazione CRC Instagram: skart_magazine
Facebook: @skartmagazine
Mar – sab: 15.30 – 18.30 / Tue – Sat: 3.30 pm – 6.30 pm Per informazioni / Info: 22 CARAVAGGIO E ARTEMISIA
Dom: 10.30 – 18.30 / Sun: 10.30 am – 6.30 pm info@fondazionecrc.it
Ingresso gratuito / Free entry fondazionecrc.it
PUBBLICITÀ
In partnership con / In partnership with CONTATTI@SKARTMAGAZINE.IT 24 ARTE IN BREVE
Con il sostegno di / With the support of Con il patrocinio di / Under the patronage of La Direzione non si assume alcuna responsabilità per marchi, foto, immagini, slogan usati dagli inserzionisti; eventuali variazioni alla programmazione
di date, orari e luoghi delle mostre/eventi. È vietata la riproduzione totale o parziale delle parti e/o dei contenuti, senza espressa autorizzazione dell’Editore.
FABIO VIALE
In bilico tra classicismo e contemporaneità
Fabio Viale, uno dei più noti artisti sulla scena internazionale contemporanea,
è diventato famoso in tutto il mondo per le sue finzioni in marmo. Tanto da aver
raggiunto un buon livello di notorietà proprio grazie alla capacità e alla destrezza
nel trasformare il marmo di Carrara che, si sa bene, è roccia ostinata e caparbia.
Oggi scoprire questa singolare abilità del performer piemontese sarà quanto mai
facile e alla portata di tutti.
Al centro della grande mostra allestita ai Musei Reali di Torino, in
collaborazione con la Galleria Poggiali, figurano infatti come protagoniste le sue
celebri sculture tatuate, in costante bilico tra classicismo e contemporaneità.
Intitolata In Between e fruibile fino al 9 gennaio 2022, l’esposizione offre la
possibilità di cogliere tutta la straordinaria bellezza che scaturisce dalle opere
monumentali di Viale.
E dopo essere state ospitate in importanti istituzioni italiane e straniere come il
Glyptothek Museum di Monaco di Baviera, il Pushkin Museum di Mosca e la
2 3
Photo Credits: Nicolo Campo | DB Studio
Biennale di Venezia, approdano ora nel capoluogo sabaudo per essere allestite
in Piazzetta Reale e all’interno di Palazzo Reale. Immerse nella luce, in
dialogo con le architetture degli edifici circostanti e lo spazio urbano,
testimoniano l’incessante sperimentazione dell’artista e mettono in scena una
porzione del nostro immaginario moderno. Il percorso “esplora il rapporto tra
immortalità dell’arte classica e immaginario contemporaneo; tra arte ufficiale e
tribalismo metropolitano; tra patrimonio culturale e gesto creativo; tra marmo
levigato e pelle viva; tra saperi tradizionali e tecnologia a controllo numerico; tra
autenticità e inganno”.
La personale presenta un corpus di dieci sculture, di cui due inedite, che
tracciano un suggestivo itinerario che consente allo spettatore di immergersi
totalmente nella poetica colta ed eccentrica dell’artista cuneese. Ecco allora
apparire tra le altre, nell’area antistante Palazzo Reale, le
statue di Laocoonte, Torso Belvedere, Venus: un ensemble una delle più misteriose icone del Cristianesimo, riproducendo la Pietà Vaticana
di corpi imponenti e delicate figure femminili, capolavori di di Michelangelo senza la presenza del figlio tra le braccia della Vergine.
maestri come Canova e Michelangelo, alla cui purezza Utilizzata già per Lucky Hey, per l’apertura della sede milanese della Galleria
marmorea si somma l’aggressività di tatuaggi colorati, Poggiali, a prendere il posto del Cristo era stato un giovane rifugiato nigeriano
irriverenti, vistosi che disegnano le superfici. Una pratica di religione cattolica sfuggito alle persecuzioni nel suo Paese.
innovativa grazie alla quale Viale utilizza un inchiostro che Nell’Armeria Reale poi l’opera originale Lorica è l’invenzione di un’armatura in
penetra nella porosità del materiale in maniera molto marmo rosa, perfettamente indossabile, realizzata sulla base di una scansione
simile a quello dei tatuaggi che dipingono la pelle umana. tridimensionale ad alta risoluzione del corpo del celebre rapper Fedez e gioca sul
L’esposizione prosegue all’interno con Amore e Psiche, tema dell’eroizzazione del personaggio pubblico.
opera inedita presente nel Salone delle Guardie Svizzere A dicembre 2021 infine prenderà forma una seconda tappa della mostra all’interno
e che riproduce il capolavoro di Canova, stravolgendolo attraverso la tatuatura delle nuove Sale delle Antichità Reali e dedicata alle finzioni dei materiali: il marmo
del corpo femminile con i motivi nuziali delle spose afgane. Un ponte tra passato diventa legno, plastica, gomma, polistirolo, carta. Un confronto/ossimoro tra la
e presente che invita a riflettere sulla condizione della donna intorno ai temi di statuaria greco-romana raccolta dai Savoia e le raffinate sperimentazioni che
conquista, sofferenza e salvezza. hanno fortificato la fama di Fabio Viale a livello globale.
Nella Cappella della Sindone, Souvenir Pietà (Cristo) del 2006 si confronta con
www.skartmagazine.com Emanuela Faiazza
4 5
PIEMONTE | TORINO
SALVATORE ASTORE
Anatomia Umana
Nel gruppo scultoreo l’artista, da sempre affascinato dai disegni anatomici
del genio di Leonardo, riprende le tematiche già indagate nella sua lunga
carriera con particolare riferimento alle raffigurazioni di calotte craniche di
notevoli dimensioni rappresentate come corazze a difesa della mente umana.
La nuova installazione è formata da due sculture verticali in acciaio inox
di cinque metri d’altezza, ciascuna caratterizzata da un grande foro
sagomato a forma di calotta attraverso il quale si aprono lunghe prospettive
sulla città fino a vedere sullo sfondo il monumento al Re Vittorio Emanuele II.
La scelta del materiale metallico evoca il processo industriale connesso alla
storia di Torino mentre le forme scelte per i vuoti ed i pieni delle sculture,
lasciano spazio all’immaginazione.
www.skartmagazine.com Carla Testore
Ph.@GianfrancoRoselli
La Galleria Mazzoleni dona alla città una nuova opera dell’artista Salvatore
Astore, concepita e realizzata per instaurare un nuovo dialogo con lo spazio
urbano circostante all’incrocio tra via Cernaia e corso Galileo Ferraris
a Torino.
Si tratta di un progetto realizzato in collaborazione con la Città di Torino per
celebrare la ricorrenza del quinto centenario della morte di Leonardo da
Vinci. L’intervento artistico site specific dal titolo “Anatomia umana”
è collocato in modo permanente, partecipando alla rivalutazione di un luogo
6
pubblico in una delle zone più centrali di Torino.
TORINO | CAMERA - CENTRO ITALIANO PER LA FOTOGRAFIA
MARTIN PARR
L’ironia che racconta lo sport
membro di Magnum Photos, ha dedicato ai più rilevanti tornei di tennis degli
ultimi anni così come a tanti altri sport. Realizzata in collaborazione con
Gruppo Lavazza, la mostra raccoglie circa 150 immagini, tutte caratterizzate
da un linguaggio facilmente comprensibile da chiunque e pertanto aderente
alla realtà e al presente. Con un percorso che prende avvio da una selezione
di opere in bianco e nero, concentra la propria attenzione sull’atteggiamento
e la postura di chi è intento a praticare o a osservare le diverse discipline
sportive: dalla corsa dei cavalli sulle spiagge irlandesi, come avviene nella
sezione intitolata A Day at the Races, al calcio e ai suoi scatti di ambientazione
cinematografica; dal Tai Chi per le strade di Shangai al tennis, con le immagini
realizzate dal fotografo a partire dal 2014, frequentando i quattro tornei del
Grande Slam, e che descrivono le dinamiche degli spalti e dei campi da gioco.
Come ogni grande artista, Parr utilizza la macchina fotografica per ritrarre la
quotidianità delle persone che percorrono le strade parallele ai grandi eventi
e ai grandi personaggi con uno sguardo ironico, uno stile sincero e immediato,
un realismo intransigente ma positivo.
www.skartmagazine.com Emanuela Faiazza
Fin dagli esordi Martin Parr, mito assoluto della fotografia contemporanea, ha
ritratto la società con pungente ironia, realizzando immagini che sono
diventate vere e proprie icone della nostra epoca. Con i contrasti di colore,
tipici del suo stile, ha immortalato gli aspetti grotteschi e contraddittori di un
mondo sempre più globalizzato. Tema ricorrente nella sua lunga produzione
è lo sport, raccontato attraverso le coreografie, le divise, l’esultanza sfrenata
dei tifosi, i gadget vistosi, i travestimenti appariscenti, i rituali degli spettatori.
La rassegna allestita negli spazi espositivi di CAMERA – Centro Italiano per
la Fotografia di Torino è senza dubbio una buona occasione per scoprire
questo talento. Aperta al pubblico fino al 13 febbraio 2022, Martin Parr.
We Love Sports è un viaggio variegato tra gli scatti che l’autore inglese,
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ALBA | FONDAZIONE FERRERO
ALBERTO BURRI
L’arte informale e poetica della materia
Burri. La poesia della materia
– a suggerire come il fare
poetico non sia appannaggio
solo della scrittura in versi, ma
di ogni altro linguaggio (dalla pittura alla musica) capace di dare risalto
all’essenza più profonda della realtà. Organizzata in collaborazione con la
Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, sarà visitabile gratuitamente
fino al 30 gennaio 2022, confermando ancora una volta il mecenatismo
come uno degli elementi sostanziali della famiglia Ferrero. Presenti in mostra
circa quarantacinque opere, tra cui lavori di notevoli dimensioni, ripartite in
otto sale complessive. L’insieme ripercorre una parabola temporale che va dal
1945 con i primi Catrami (1948) fino alle ultime produzioni Oro e nero del
1993. Ad aggiungersi anche alcune delle esordienti prove artistiche di Burri,
ascrivibili ai cicli dei catrami, delle muffe, dei sacchi, delle combustioni, dei
legni, dei ferri, delle plastiche, dei tessuti, del caolino, del vinavil, delle colle e
della pietra pomice. È una materia che si anima di una genialità che prima non
aveva, poiché l’artista le conferisce una forma, una dimensione e una
spazialità. Il nero è il suo colore intimo, i materiali sono poveri e obsoleti,
chiaro rimando al periodo in cui, come ufficiale medico in Africa durante la
Seconda Guerra Mondiale, prese confidenza con la pittura per dare un senso
alla reclusione vissuta nei campi di prigionia, prima in Inghilterra, poi negli
Usa e infine in Texas. In contemporanea alla mostra, negli spazi di Palazzo
Banca d’Alba, è possibile visitare un’altra
esposizione: Burri. Il Cretto di Gibellina.
Un omaggio all’imponente opera di land
art e site-specific che il maestro creò nel
Dopo le retrospettive su Giacomo Balla, Felice Casorati e Carlo Carrà, la paese siciliano distrutto dal terremoto del
Fondazione Ferrero di Alba ospita una nuova rassegna antologica dedicata Belice nel 1968.
all’arte informale di Alberto Burri (Città di Castello 1915 – Nizza 1995), tra
i più insigni protagonisti del Novecento. Emblematico il titolo della mostra – www.skartmagazine.com Emanuela Faiazza
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CUNEO | COMPLESSO MONUMENTALE DI SAN FRANCESCO
CRC, sviluppatasi in sinergia con il Castello di Rivoli Museo d’Arte
FONDAZIONE CRC Contemporanea e allestita presso il Complesso Monumentale di San
Francesco a Cuneo.
Visitabile gratuitamente fino al 6 marzo 2022, l’esposizione presenta al
pubblico una serie di opere inedite, elaborate appositamente per l’occasione,
e una miscellanea di dipinti realizzati da circa trentadue talenti emergenti,
tutti acquisiti di recente dalla Fondazione CRC attraverso il progetto ColtivArte.
A questi si aggiungono ulteriori interventi site-specific ideati dagli artisti nel
corso della rassegna. Si tratta di un percorso studiato nei minimi dettagli
e pensato per scoprire le nuove tendenze dell’arte contemporanea
internazionale, con un focus particolare rivolto al linguaggio della pittura, alla
sua vitalità e alla sua forza espressiva. Azione quanto mai importante oggi
se si pensa all’aggressività della mediazione tecnologica e alla
smaterializzazione causate dai lunghi mesi di pandemia. Così corpo fisico,
ingombro spaziale, materialità tattile e addirittura profumo specifico della
tecnica pittorica sono gli elementi che le curatrici, Carolyn Christov-Bakargiev
e Marcella Beccaria (Direttore e Capo curatore delle Collezioni del Castello di
Rivoli Museo d’Arte Contemporanea), hanno deciso di porre in risalto, rispetto
alle complesse sfide imposte dal mondo contemporaneo. Una mostra che
aggiunge un altro tassello all’iter intrapreso da anni per consolidare il ruolo
di Cuneo come centro di produzione artistica di
alto livello, in grado di garantire un’offerta
culturale all’avanguardia e di grande valore.
www.skartmagazine.com Emanuela Faiazza
Si può a buon diritto ritenere che si sia aperta una nuova stagione per la
collezione permanente della Fondazione CRC di Cuneo. Un nuovo capitolo
nato dalla volontà del presidente Giandomenico Genta che, accanto alle opere
storiche già acquisite dall’ente, ha sempre pensato alla necessità di sostenere
giovani artisti emergenti. Ed è grazie a questo presupposto che si è inaugurata
da poco la mostra Pittura in persona. La nuova Collezione della Fondazione
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ASTI | PALAZZO MAZZETTI
I MACCHIAIOLI
La reazione moderna del colore
in nome della tradizione, di
accogliere nuove prospettive
di indagine sulle caratteristiche
formali e concettuali della pittura.
Teorici e artisti come Telemaco
Signorini, Diego Martelli e Adriano
Cecioni, definirono l’autenticità
della sintesi formale, secondo la
quale la costruzione dei volumi
viene condotta dall’occhio grazie
alla percezione di luce, ombre e
macchie di colore accostate tra loro.
L’intenzione di conferire un peso
democratico alla naturale
percezione visiva, libera da ogni influenza accademica e tradizionale,
rispondeva all’esigenza di verità, condivisa dal popolo italiano nel contesto
storico di unificazione nazionale. Gli autori come Giovanni Fattori, Silvestro
Lega, e altri frequentatori del primo ritrovo fiorentino Caffè Michelangiolo,
dove tutto ebbe inizio, sono stati capaci di riflettere lo stato emotivo italiano
dell’Ottocento: sullo sfondo di ingiustizie e denunce sociali, raccontato anche
Dopo un periodo di dura prova per il nostro paese, come per tutto il mondo, nei capolavori letterari di Giovanni Verga, si formava sempre più il sentimento
la tenacia dell’identità italiana si racconta attraverso la storia dell’arte, e la collettivo, caratterizzato dal desiderio di indipendenza dal passato, dalla forza
si può riscoprire nella mostra I Macchiaioli. L’avventura dell’arte moderna, della democrazia e da uno sguardo verso l’innovazione moderna.
la corrente artistica più rivoluzionaria dell’Ottocento italiano. A Palazzo Le stesse prerogative costituiscono anche le basi dei punti teorici e formali
Mazzetti di Asti dal 19 novembre 2021 al 1 maggio 2022, oltre 80 opere della corrente macchiaiola, delineando due voci parallele, quella artistica
ricoprono l’intero percorso degli artisti, dalla iniziale attribuzione dispregiativa e quella sociale, che hanno infine tradotto il comune desiderio di indipendenza
di “macchiaioli”, fino all’ultima fase dello sviluppo espressivo in direzione del in una nascita di identità nazionale.
naturalismo toscano.
I Macchiaioli diedero vita ad un’esperienza in cui la chiave di lettura fu quella
reazionaria, rivolta verso le istituzioni accademiche e la loro impossibilità, www.skartmagazine.com Lucia Franca
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MILANO | FONDAZIONE PRADA
DOMENICO GNOLI
La pittura come teatro sensuale e carnale
purtroppo nell’aprile 2020 senza avere la possibilità di vedere il progetto
ultimato e inaugurato. Visitabile fino al 27 febbraio 2022, la mostra
Domenico Gnoli raduna più di cento dipinti e altrettanti disegni, opere
grafiche e documenti realizzati dall’artista dal 1949 al 1969. Un concentrato
di storia dell’arte contemporanea che ricostruisce la traiettoria biografica e
artistica del pittore a distanza di oltre cinquant’anni dalla morte (Roma 1933
– New York 1970). I due piani espositivi del Podium sono stati così suddivisi
in due aree tematiche: da una parte la ricostruzione cronologica
e documentaristica con materiali storici, fotografie e diverse testimonianze;
dall’altra l’attenzione si focalizza sul tracciato artistico. E qui l’apparizione
improvvisa sulla tela di elementi apparentemente incongrui quali busti,
ciocche di capelli, poltrone, scarpe, cassetti, cravatte, bottoni, tavoli da pranzo
rappresenta uno stimolo visivo e mentale per lo spettatore. Un invito
a considerare da una
prospettiva diversa questi
primi piani di dettagli,
queste immagini misteriose,
sempre in bilico tra realtà e
Morto a soli 36 anni nel 1970, Domenico Gnoli è stato un artista di notorietà immaginazione. Una pittura
internazionale e di enorme originalità. Nipote di Domenico e figlio di che valorizza i colori, i
Umberto Gnoli, entrambi critici e storici dell’arte, la sua carriera si è materiali e le superfici, e che
sviluppata su un doppio binario: da un lato l’esperienza come illustratore, conserva una relazione con il
scenografo e disegnatore di costumi, dall’altro l’attività come pittore. Un contemporaneo grazie al suo
solitario che, come tale, non si è mai riconosciuto nelle correnti artistiche che taglio fotografico.
gli gravitavano attorno. Un autentico outsider, di quelli che incuriosiscono
tanto la Fondazione Prada di Milano che, dopo Edward Kienholz – Leon
Golub – William Copley, gli dedica una grande retrospettiva, completa e Alessandra Oriti
definitiva. Un lavoro immenso, concepito da Germano Celant, scomparso www.skartmagazine.com
16MILANO | MUSEO DEL NOVECENTO
sua produzione, densa di angoscia per il presente e avida di progresso per il
MARIO SIRONI domani. Ecco allora in esposizione dipinti che riconducono al simbolismo degli
L’avventura poliedrica di un grande artista
anni più acerbi, al futurismo, alla metafisica, al classicismo del Novecento,
alla crisi espressionista e alla pittura monumentale. Molto ben rappresentato
il ciclo riguardante i paesaggi urbani, sfumati e personalissimi; il tema più
famoso di Sironi che si fa interprete dello squallore urbano tramutato in
bellezza. Ne sono testimonianza Sintesi di paesaggio urbano (1921),
La Cattedrale (1921), Paesaggio urbano col tram (1925-28) e Periferia (1943).
Proseguendo nelle sale centrali si scoprono le sue figure umane, perse nella
fluidità della materia, come Nudo (1923), Donna con vaso (1924), Pescatore
(1925), Niobide (1931) e il celebre Lazzaro (1946) che, per la prima volta
nell’iconografia del soggetto, non risorge. È il simbolo del crollo di tutte le
illusioni di Sironi, fascismo compreso. Ampia risonanza è poi dedicata al
legame con la pittura murale negli anni Trenta, di cui fu teorico e interprete.
Presenti capolavori monumentali quali la luminosa Vittoria alata, il gigantesco
studio per l’aula magna della Sapienza di Roma e il visionario Condottiero
a cavallo, tutti realizzati nel 1935.
www.skartmagazine.com Emanuela Faiazza
© SIAE 2021
Mario Sironi (Sassari 1885 – Milano 1961) ha sempre vissuto l’urgenza di
allargare gli orizzonti spaziali del proprio estro creativo. Non amava i confini,
rifuggiva i perimetri, evitava le cornici. La retrospettiva allestita al Museo del
Novecento di Milano lo dimostra con dovizia di particolari. Intitolata Mario
Sironi. Sintesi e grandiosità, fruibile fino al 27 marzo 2022, ne celebra
l’originale percorso artistico a sessant’anni dalla morte. Un’occasione preziosa
per ripercorrere, attraverso le 110 opere presenti, l’avventura poliedrica di un
personaggio singolare del Novecento. Coinvolto nelle sparatorie di fine regime,
salvato dal partigiano Rodari, distrutto dal suicidio della figlia Rossana e alla
fine gravemente malato, l’esistenza tormentata di Sironi si rispecchia nella
18ROMA | GAGOSIAN
delle ossa, tramite collage di riviste archeologiche, spezzando bruscamente le
RUBY STERLING grandi pennellate curve e interrompendo la lettura visiva del colore.
Future Present: conflitto in società e forma
Sterling compie un’osservazione del mondo circostante indagando sui
messaggi che l’essere umano lascia lungo il proprio cammino e si interroga
sugli effetti che vengono scaturiti in lui da ogni prospettiva culturale e umana
su cui si imbatte. Restituisce le reazioni del suo profondo attraverso l’identità
dei materiali tra cui ceramica, carta, legno, stoffa che lavora in diverse
tecniche: collage, spray painting, cucito, saldatura.
All’interno dello spazio ovale della galleria Gagosian, sono collocati sei
basamenti monocromi di fòrmica sui quali poggiano grandi gocce di
vetroresina dello stesso colore. I materiali dialogano con l’ambiente
circostante, riflettendo in modo armonioso la luce sulla superficie liscia delle
gocce, mentre i basamenti, contaminati da graffiti e applicazioni materiche,
si presentano statici rappresentanti dei tributi di cui mostrano inscritto il nome.
Il conflitto tra le forme, riflette l’opposizione tra grezzo ed elaborato, tra puro
e incontaminato, tra pubblico e privato. Sterling sperimenta soluzioni artistiche
e le seleziona per lasciare un segno visivo, materiale e tangibile di una
riflessione sui paradossi della società, responsabili dell’inquinamento
ambientale e di uno sguardo inerme verso il futuro.
www.skartmagazine.com Lucia Franca
Il lavoro di Ruby Sterling si ripresenta negli spazi espositivi Gagosian, questa
volta nella omonima galleria di Roma, dal 20 novembre 2021 al 5 febbraio
2022, attraverso la mostra Future Present e nella Sala della Toletta di Venere,
presso la Galleria Doria Pamphilj, inserendo due singoli pezzi visibili solo dal
20 novembre al 19 dicembre 2021.
L’artista americano di origini olandesi ha incentrato la sua ricerca artistica sulla
natura ciclica umana e riconosce nell’uomo un’azione costante di rielaborazione
del passato, fino a maneggiarlo come se fosse presente, spesso senza lasciare
segni tangibili. Nella città romana dalla lunga tradizione storica, Sterling prende
in prestito un’icona del passato e, nella serie DRFTRS, inserisce nelle sue tele
20ROMA | PALAZZO BARBERINI
dentro la scena, con le opere di autori, tra cui Lavinia Fontana e Jacopo Robusti
CARAVAGGIO E ARTEMISIA detto il Tintoretto, che poggiano l’occhio e dirigono la mano sulla
Vendetta sotto la luce del Barocco
rappresentazione del momento violento del racconto.
Nella seconda sezione La Giuditta di Caravaggio e i suoi interpreti, Caravaggio
immortala nella tela la drammaticità della decapitazione, alla quale lui stesso
venne condannato, genio talvolta al di fuori delle regole. La carica emotiva
esplode con l’uso della luce, strumento di sperimentazione per gli artisti tra il
Cinquecento e Seicento, tra cui, di quelli esposti in mostra, Luis Finson, Bartolomeo
Mendozzi, Valentin de Boulogne.
Artemisia Gentileschi e il teatro di Giuditta, terza sezione, vede la donna autrice
del quadro ma anche artefice del delitto: la coesione tra sensualità e crudeltà si
inserisce nei lavori di Artemisia Gentileschi, del padre Orazio, e di altri autori
esposti.
L’ultima sessione Giuditta e David, Giuditta e Salomè mette in dialogo altri
soggetti mitologici che incarnano il sentimento di rivalsa, dove la voce
dell’oppresso risuona e
incombe sul malvagio, come
il giovane David che vince sul
mostro Golia, e la Salomè che
con la sua seduzione, in
A settant’anni dalla sua scoperta, la tela di Caravaggio “Giuditta e Oloferne” si passato concetto legato
presenta sotto le luci della mostra Caravaggio e Artemisia: La sfida di Giuditta. a dolcezza e bellezza, diventa
Violenza e seduzione nella pittura tra Cinquecento e Seicento, ospitata dal 26 uno strumento di persuasione
novembre 2021 al 27 marzo 2022 nelle Gallerie nazionali di Arte Antica presso pericoloso e violento, che
Palazzo Barberini di Roma. ribalta lo scenario dei sessi in
Il capolavoro di Michelangelo Merisi, attribuito a lui nel 1951 da Pico Cellini, da cui ora la forza diventa
origine al tema della mostra che, divisa in quattro sezioni, raggruppa in focus donna.
principali le opere di diversi artisti, delineando un percorso visivo tra soluzioni
espressive in opposizione ai tradizionali canoni del passato. Lucia Franca
La prima sezione Giuditta tra maniera e natura porta lo spettatore direttamente www.skartmagazine.com
22 23arteinbreve
FATTORI. CAPOLAVORI E APERTURE SUL ’900 | GAM
TORINO | FINO AL 20 MARZO 2022
Il percorso espositivo presenta oltre 60 capolavori dell’artista
livornese Giovanni Fattori, uno dei maestri assoluti dell’Ottocento
italiano che seppe interpretare in modo originale e innovativo
tanto i temi delle grandi battaglie risorgimentali quanto i soggetti
legati alla vita dei campi e al paesaggio rurale a cui seppe
infondere, analogamente ai ritratti, nuova dignità e solennità.
Tele di grande formato, preziose tavolette e una selezione di
acqueforti articolano le nove sezioni e coprono un ampio arco
cronologico che dal 1854 giunge al 1894.
Open to the Future
ETTORE SPALLETTI. IL CIELO IN UNA STANZA | GALLERIA
NAZIONALE D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA |
ROMA | FINO AL 27 FEBBRAIO 2022
Un corpus selezionatissimo di opere, tra pittura e scultura,
riscrivono gli spazi del Salone Centrale trasformandolo in un
paesaggio che esprime il senso e la portata della ricerca artistica di Serramenti in alluminio
Ettore Spalletti, protagonista di un percorso solitario e caratterizzato
da tratti di unicità nella storia dell’arte contemporanea italiana, da
ad alta efficienza energetica ed ecosostenibili
quando, a partire dagli esordi negli anni Settanta, ha attraversato
il turbinio delle avanguardie da una prospettiva distaccata,
originale e fortemente coerente.
PIET MONDRIAN. DALLA FIGURAZIONE ALL'ASTRA-
ZIONE | MUDEC MILANO | FINO AL 27 MARZO 2022
La mostra porta per la prima volta a Milano un progetto espositivo
interamente dedicato all’artista olandese e al processo evolutivo
artistico che lo portò dalla figurazione all’astrazione, dalla
tradizione del paesaggio olandese allo sviluppo del suo stile
unico, che l’ha reso inconfondibile e universalmente celebre.
Questo evento è stato realizzato grazie alla collaborazione del
Kunstmuseum Den Haag (L’Aia), detentore della più importante
collezione di opere di Mondrian al mondo.
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