Digital - H.O.F - HALL OF FAMOUS - WWW.ESPOARTE.NET - Speciale Artissima 2019
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ESPOARTE
Registrazione del Tribunale di Savona
n. 517 del 15 febbraio 2001 SPECIALE ARTISSIMA
H.O.F. - HALL OF FAMOUS
Uscita: ottobre 2019
indice
Espoarte è un periodico di arte e cultura
contemporanea edito dall’Associazione
Culturale Arteam.
© Proprietà letteraria riservata. È vietata
la riproduzione, anche parziale, di testi
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redazione per la pubblicazione di articoli
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opinioni degli autori impegnano soltanto
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necessariamente quelle della direzione
della rivista. Tutti i materiali inviati, compresi
manoscritti e fotografie, anche se non
pubblicati, non verranno restituiti.
7
INTRODUZIONE
H.O.F. - HALL OF FAMOUS
LA NOSTRA SELEZIONE
Abbiamo scelto 3 delle 7 sezioni su cui è costruita la
Editore ventiseiesima edizione di Artissima (Main Section,
New Entries, Present Future) e abbiamo dialogato in
Ass. Cult. Arteam
Direttore Editoriale
Livia Savorelli
anteprima con i protagonisti della Fiera costruendo un
Publisher
vero e proprio moodboard fatto di parole e immagini,
Diego Santamaria appunti visivi da “riconfigurare” durante la visita tra i
Direttore Web booths di galleria.
Matteo Galbiati
Segreteria di Redazione
Francesca Di Giorgio
15
MAIN SECTION
Direttore Responsabile
Silvia Campese
Direttore Commerciale
Diego Santamaria
Tel. +39 019 4500744
Mob. +39 347 7782782 55
NEW ENTRIES
diego.santamaria@espoarte.net
Art Director
Elena Borneto
Redazione
via Traversa dei Ceramisti 8/b 65
PRESENT FUTURE
17012 Albissola Marina (SV)
Tel. +39 019 4500744
redazione@espoarte.net
Redazione grafica – Traffico pubblicità
villaggiodellacomunicazione®
traffico@villcom.net
Ufficio Abbonamenti
abbonamenti@espoarte.net WWW.ESPOARTE.NET
3
JENS W. BEYRICH
STAR SPHERE
ALLUMINIO ANODIZZATO,
INTARSI SFERICI, DIAM. 58 CM
58. ESPOSIZIONE INTERNAZIONALE D‘ARTE
PADIGLIONE DELLA REPUBBLICA DI SAN MARINO
CASTELLO 6691, VENEZIA
11 MAGGIO - 24 NOVEMBRE 2019, MARTEDÌ - DOMENICA 10 - 18
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Monica Gorini
Una esile struttura in ferro incornicia il paesaggio, qualunque esso sia, a testimoniare che lo
scenario naturale è già esso stesso “opera d’arte” ma potrebbe diventare anche porta verso infiniti
paesaggi interiori. Le pietre di grandi dimensioni provengono da una cava a cielo aperto in cui
l’artista ha scelto il materiale dello stesso colore dell’incarnato femminile.
A RT E A M B I E N TA L E | “ L A P O RTA ” La percezione-visione dell’installazione varia a seconda delle condizioni atmosferiche e del territorio.
Dopo la pioggia, i riflessi della pozzanghera esaltano la continuità tra cielo e terra. Sassi tra le
nuvole o cielo che arriva a toccare il suolo? L’uomo contemporaneo va educato nella percezione di
www.monicagoriniartist.com se stesso in relazione all’Universo per scoprire la fragilità che sottende l’esistenza.
SPECIALE ARTISSIMA Visual Identity Artissima 2019 by FIONDA 6
ESPOARTE DIGITAL
SPECIALE ARTISSIMA
TORINO 2019
H.O.F. - “Hall of Famous”
a cura della Redazione di Espoarte
coordinamento editoriale di Francesca Di Giorgio
Riprendendo l’identità visiva di Artissima, Hall of Fame – dallo scorso anno a cura
dello studio torinese FIONDA diretto da Roberto Maria Clemente – Espoarte,
presente anche quest’anno alla ventiseiesima edizione della prima fiera d’arte
contemporanea in Italia, decide di lanciare un nuovo Progetto Digital. Dopo il successo
dello Speciale Torino 2018, questa volta ci mettiamo in gioco scommettendo
direttamente sui veri protagonisti della fiera: le gallerie e gli artisti.
26 anni di Artissima. 208 gallerie da 43 paesi (62% stranieri). 20.000 mq di
esposizione. 7 sezioni (di cui 3 curate). 6 premi assegnati in fiera. Oltre 50 curatori e
direttori di museo nelle giurie ed iniziative speciali.
Come orientarsi tra questi numeri e soprattutto come farlo giocando di anticipo?
Noi scommettiamo su una selezione di nomi dopo aver valutato attentamente
le proposte presenti nelle sezioni interne alla Fiera in corso dal 1 al 3 novembre
negli spazi dell’Oval di Torino. Una “galleria” inedita di artisti e opere da leggere e
downloadare for free da espoarte.net.
ARTISSIMA – Internazionale d’Arte Contemporanea
Oval, Lingotto Fiere Torino
1-2-3 novembre 2019
Presentazione alla stampa, preview, vernissage 31 ottobre 2019
Info: +39 011 19744106
info@artissima.it
www.artissima.it
7
Cormaf
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by Vincenzo Marsiglia
www.vincenzomarsiglia.it
MAÏMOUNA GUERRESI
Solo Show
14 NOVEMBRE 2019 - 12 GENNAIO 2020
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SPECIALE ARTISSIMA
ARTISSIMA
INTERNATIONAL FAIR OF CONTEMPORARY ART
Artissima Fair 2018
Photo: Perottino – Piva – Bottallo / Artissima
Diretta per il terzo anno da Ilaria Bonacossa, recentemente riconfermata dal
Consiglio Direttivo della Fondazione Torino Musei alla guida della manifestazione per
altri due anni (sino al 2021), Artissima torna negli spazi dell’Oval di Torino da giovedì
31 ottobre (con preview ad invito) e sino a domenica 3 novembre.
IL TEMA
La dialettica desiderio/censura è il tema trasversale attorno al quale far convergere
l’attenzione. L’obiettivo è stimolare una riflessione aggiornata ed eterogenea sulle
ambizioni e sulle utopie contemporanee, sugli impulsi che plasmano i tempi e sulle
prospettive e le narrazioni che li attraversano, sul complesso rapporto che esiste
nella società contemporanea tra le immagini e il loro controllo.
In linea con il tema portante dell’edizione, la dialettica desiderio/censura, la grafica di
Studio FIONDA si presenta come un diaframma visivo nero, forato da sei cerchi, che
lasciano intravedere un secondo livello fotografico.
10ESPOARTE DIGITAL
“Il desiderio nasce dal
rapporto tra il corpo e
la società, tra la realtà
vissuta e la realtà
immaginata e ambita.
Le opere d’arte sono Ilaria Bonacoss
a - director, Ar
gio Pe rotti no
tissima Fair
/ Artissima
Photo: Gior
storicamente portatrici
di immagini in grado di emancipare ciò
che convenzionalmente viene considerato un tabù, grazie al
desiderio di sovvertire le regole, rendendo fluidi i confini tra
normale ed eccezionale. Il limite tra contenuti permessi e
contenuti proibiti è al centro di un dibattito quanto mai attuale
che vede l’arte stessa oggetto di censura. Nel mondo digitale
e sui principali social network il controllo preventivo, spesso
algoritmico, rende di fatto sempre più difficile la diffusione e
promozione del nostro patrimonio artistico-culturale. In un
tale contesto, il desiderio rimane un momento di rottura, una
“ligne de fuite”, come dicono Deleuze e Guattari in Mille Piani:
un’energia dirompente che riesce a infiltrarsi nelle crepe del
sistema per aprire delle visioni laterali inaspettate capaci di
mostrare gli spazi aperti al di là dei limiti delle convenzioni. E
l’arte contemporanea rimane uno spazio di incontro vero e
fisico tra la persona e le sue aspirazioni”.
_Ilaria Bonacossa
Direttrice di Artissima, Internazionale d’Arte Contemporanea dal 2017, recentemente confermata nell’incarico fino al 2021, ILARIA
BONACOSSA è curatrice e critica d’arte. Laureata in Storia dell’Arte Contemporanea all’Università Statale di Milano, dopo un master in studi
curatoriali al Bard College, Stati Uniti, collabora a New York con il Whitney Museum. Curatrice per sette anni alla Fondazione Sandretto Re
Rebaudengo di Torino, dal 2012 al 2017 è stata Direttore artistico del Museo Villa Croce, Genova e dal 2014 è curatrice delle installazioni
permanenti d’arte contemporanea di Antinori Art Projects. Nel 2013 ha curato il progetto di Katrín Sigurdardóttir al Padiglione Islandese
alla Biennale di Venezia. È stata membro del Comitato Tecnico per le acquisizioni del museo FRAC Provence -Alpes Côte d’Azur di Marsiglia,
membro del Comitato scientifico del PAC di Milano e direttrice per l’Italia del programma internazionale Artist Pension Trust. Nel 2007 è stata
membro della Giuria per il Leone d’Oro della 52. Biennale d’Arte di Venezia. Dal 2016 è direttore artistico della Fondazione La Raia. Dal 2017 è
membro del comitato di selezione del Premio Prince Pierre, Monaco.
11SPECIALE ARTISSIMA
Artissima Fair 2018. Photo: Perottino – Piva – Bottallo / Artissima
LE SEZIONI DELLA FIERA
Le sezioni di Artissima 2019 sono sette.
Quattro sono selezionate dal comitato delle gallerie della fiera*:
MAIN SECTION, raccoglie una selezione delle gallerie più rappresentative del
panorama artistico mondiale. Quest’anno ne sono state scelte 97 di cui 50 straniere.
NEW ENTRIES, sezione riservata alle gallerie emergenti sulla scena internazionale.
Quest’anno avrà 20 gallerie di cui 15 straniere.
DIALOGUE, sezione dedicata a progetti specifici in cui le opere di un massimo di due
artisti vengono messe in stretta relazione tra loro, con 30 gallerie di cui 22 straniere.
ART SPACES & EDITIONS, ospita gallerie specializzate in edizioni e multipli di artisti,
project space e spazi no profit, con 7 espositori.
Tre sono le sezioni curate da board internazionali di curatori:
PRESENT FUTURE, BACK TO THE FUTURE, DISEGNI
*IL COMITATO: Claudia Altman Siegel, galleria Altman Siegel, San Francisco; Isabella
Bortolozzi, galleria Isabella Bortolozzi, Berlino; Paola Capata, galleria Monitor, Roma,
Lisbona e Pereto; Raffaella Cortese, galleria Raffaella Cortese, Milano; Alessandro
Pasotti, galleria P420, Bologna; Gregor Podnar, galleria Gregor Podnar, Berlino.
Lucrezia Calabrò Visconti è consulente curatoriale per la sezione New Entries.
12ESPOARTE DIGITAL
> LA NOSTRA SELEZIONE
Abbiamo scelto 3 delle 7 sezioni su cui è costruita
la ventiseiesima edizione di Artissima (Main
Section, New Entries, Present Future) e abbiamo
dialogato in anteprima con i protagonisti della Fiera
costruendo un vero e proprio moodboard fatto di
parole e immagini, appunti visivi da “riconfigurare”
durante la visita tra i booths di galleria.
13ESPOARTE DIGITAL
MAIN SECTION
è la sezione che raccoglie le gallerie più affermate della scena artistica mondiale.
Le gallerie selezionate che hanno risposto alla nostra call sono:
A+B Brescia, ALTMAN SIEGEL San Francisco, FRANCESCA ANTONINI Roma,
CONTINUA San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Havana, GALLERIA RAFFAELLA
CORTESE Milano, GUIDO COSTA, Torino, FRITTELLI Firenze, LAVERONICA
Modica, GILDA LAVIA Roma, MADRAGOA Lisbona, MASSIMODELUCA Mestre
Venezia, MAZZOLENI Torino, Londra, MONITOR Roma, Lisbona, Pereto,
ALBERTA PANE Parigi, Venezia, ALBERTO PEOLA Torino, GIORGIO PERSANO
Torino, GREGOR PODNAR Berlino, PROMETEOGALLERY Milano, Lucca,
ISABELLE VAN DEN EYNDE Dubai, Z2O SARA ZANIN Roma
15SPECIALE ARTISSIMA A+B GALLERY Brescia www.aplusbgallery.it Dario Bonetta (owner) “Prima partecipazione per A+B la presentazione delle nuove più saturi sia nei colori caldi che gallery ad Artissima. Sono opere di Max Frintrop (vive freddi. Di Tobias Hoffknecht molto soddisfatto per aver a Dusseldorf, nato nel 1982) (vive a Dusseldorf, nato nel raggiunto questo obiettivo in cui l’artista, allievo di 1987), invece, viene presentata di particolare importanza Alberto Oehlen, esplora nuovi per la prima volta una serie per una galleria che propone spazi pittorici che nascono di lavori bidimensionali sul per la maggior parte artisti dalla gestualità che incide la tema del modulo, che di nati negli Anni ‘80 e cresciuti superficie pittorica restituendo fatto sottende tutta la sua artisticamente nell’ambito della sensazioni di perdita di produzione scultorea, che verrà galleria a partire dal 2011, anno confine tra bidimensionalità e testimoniata con un nuovo di fondazione della prima fase tridimensionalità. Nuovo è l’uso progetto della tipologia dei dell’esperienza della galleria. di una molteplicità coloristica tubolari di grandi dimensioni Il progetto espositivo prevede che vede l’introduzione di toni in cui per la prima volta viene 16
ESPOARTE DIGITAL
utilizzato il colore blu turchese.
Osamu Kobayashi (vive a
Brooklyn, nato nel 1984) ha di
recente terminato la residenza
Lepsien Art Foundation di
Dusseldorf ed in questo
progetto espositivo presenta
un ristretta selezione di opere
prodotte in questa occasione.
La pittura di Kobayashi si
caratterizza per la semplicità
delle forme e la raffinatezza dei
colori. Nelle sue opere le forme
appaiono come elementi leggeri
che giocano con la luce grazie
al particolarità della texture
lavorata dalla lenta gestualità
tipica dell’artista.”
OSAMU KOBAYASHI, Touch, 2019
oil on canvas, cm 64x 60
Nella pag. a fianco:
MAX FRINTROP, Ein Zerfall, 2019
tecnica mista su tela, cm 170x220
TOBIAS HOFFKNECHT, Untitled, 2019
screen printing on paper, cm 180x80
17SPECIALE ARTISSIMA ALTMAN SIEGEL San Francisco www.altmansiegel.com Claudia Altman-Siegel (founder) - Daelyn Farnham (director) “A partire da una residenza a un consistente archivio di della scultura, sia classica che presso la Fondazione Memmo immagini focalizzato sulla neoclassica, abbia prodotto a Roma, nel 2012, Roma, Sara figura femminile classica. La una trincea culturale che ci VanDerBeek (1976, vive e selezione di questa serie, che dice che le sculture classiche lavora a New York) ha prestato presentiamo a Torino, invita debbano essere incolore, particolare attenzione alla lo spettatore a riflettere sui recenti ricerche suggeriscono statuaria romana come punto di cambiamenti di significato della che gran parte della statuaria partenza e soggetto fotografico. circolazione delle immagini nel romana rinvenuta durante il Negli ultimi sette anni, tempo e sul discorso mutevole Rinascimento un tempo fosse VanDerBeek ha documentato in cui sono coinvolte quelle riccamente colorata e abbellita. oggetti di antichità nelle immagini. VanDerBeek evoca questa collezioni museali negli Stati Sebbene la diffusione del policromia, in gran parte Uniti e in Europa, dando vita marmo bianco come materia perduta, con la vibrante 18
ESPOARTE DIGITAL
colorazione delle sue fotografie.
Tonalità sature di fucsia, viola,
pesca, lavanda, lapislazzuli,
azzurro e giallo che rimandano
alla creazione proto-digitale di
queste forme scultoree, mentre
contemporaneamente si
riferisce al presente attraverso
la qualità distintamente digitale
e sintetica dei colori. Questa
molteplicità di significati
invita a meditare sui modi
in cui le immagini cambiano
materialmente e culturalmente
nel tempo.
Tuttavia, il cambiamento fisico
e teorico non può avvenire
senza la circolazione iniziale e
permanente delle forme visive.
La velocità e facilità con cui le
immagini e le idee si diffondono
nell’era digitale sono indebitate
e inerenti alla riproducibilità
della fotografia.
Tuttavia, prima dello sviluppo
del mezzo sono stati utilizzati
metodi e mezzi alternativi.
Ad esempio, statue romane,
tipo quelle rappresentate
nelle immagini di VanDerBeek
erano esse stesse riproduzioni
di statue greche realizzate
500 anni prima. Queste copie
furono quindi riprodotte
in massa e utilizzate dallo
Stato romano come forma
di propaganda visiva che fu
diffusa attraverso l’Impero
Romano, descrivendo e
definendo ciò che siamo
arrivati a comprendere oggi
come la forma femminile
classica ideale. Nel sottolineare
questo processo, il lavoro
di VanDerBeek fa crollare
la distinzione tra scultura
e fotografia: entrambe SARA VANDERBEEK, Roman Woman XXIII, 2019, dye sublimation print on aluminum mounted on plexiglas, cm
potenzialmente soggette al 182.9x121.9, edition of 3, 1 AP. Courtesy of the artist and Altman Siegel, San Francisco
riproducibile, alla politica e alla Nella pag. a fianco:
SARA VANDERBEEK, Roman Woman XXIV, 2019, dye sublimation print on aluminum mounted on plexiglas, cm
diffusione...”. 121.9x167.6, edition of 3, 1 AP. Courtesy of the artist and Altman Siegel, San Francisco
19SPECIALE ARTISSIMA
FRANCESCA ANTONINI
ARTE CONTEMPORANEA
Roma
www.francescaantonini.it
Francesca Antonini (founder) – Carolina Pozzi (director)
“Francesca Antonini Arte organici. Di ogni cosa indaga “occupare lo spazio”, con tele di
Contemporanea presenta un colore, proprietà meccaniche, grande formato e installazioni
progetto espositivo a due lucentezza e forma, con la modulari che lo abitano a pieno,
voci, che vede protagonisti precisa volontà di dissimulare in uno scambio di visioni, temi
Simone Cametti (Roma, la materia di partenza, fino a ed atmosfere.”
1982) e Guglielmo Castelli trasformarla completamente.
(Torino, 1987). Guglielmo È dunque questa volontà
Castelli manifesta un universo di manipolare la materia –
iconografico ibrido, in cui i corpi quella pittorica per Castelli e il
e gli oggetti confluiscono gli marmo per Cametti – al fine di
uni negli altri senza soluzione modulare una presenza nello
di continuità. La figura umana, spazio, il comune denominatore
esplorata sia nella sua tra i due artisti, che in questa
estensione fisica che mentale, occasione sono chiamati a
è il soggetto principale della confrontarsi sui ruoli di pittura
rappresentazione, mentre lo e scultura. L’allestimento dello SIMONE CAMETTI, Senza titolo, 2019
spazio è il campo di ricerca e stand riflette una riflessione a marmo Lasa vena oro, vernice poliuretanica
bicomponente, trasparente sintetico,
sperimentazione. quattro mani sull’idea stessa di cm 46x46x6, 2 elementi
L’opera di Simone Cametti si
compone di gesti esemplari
tramite i quali da voce a una
riflessione sullo spazio e sul
tempo, un agire performativo
che non si esaurisce nell’azione
stessa, ma ne restituisce
tracce, reperti e immagini
che traducono una poetica
inaspettatamente coerente.
Scultura e installazione sono
parte decisiva nell’opera
recente di Cametti, accanto
ad altri media quali fotografia,
audio e video. L’artista parte
dall’osservazione dei materiali
e dalle loro caratteristiche
fisiche: marmo, ferro, elementi
20ESPOARTE DIGITAL
GUGLIELMO CASTELLI, Sunburst, 2019
tecnica mista su tela, cm 100x80
21SPECIALE ARTISSIMA
GALLERIA CONTINUA
San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Havana
www.galleriacontinua.com
Mario Cristiani, Lorenzo Fiaschi, Maurizio Rigillo (founder)
“Abbiamo scelto di presentare una selezione di opere degli
artisti attualmente in mostra nelle quattro sedi della galleria.
Tra questi, Kiki Smith con un grande disegno a inchiostro su
carta nepalese. Un dipinto dell’artista cubano Yoan Capote della
serie Island, paesaggi marini realizzati con ami da pesca e olio su
tela (nella sede di San Gimignano, fino al 6 gennaio 2020, la sua
prima personale in Italia). Moataz Nasr con un quadro composto KIKI SMITH, Tree and Shadow, 2012
inchiostro su carta Nepalese, cm 203,20x167,64.
da 17.546 fiammiferi colorati. José Antonio Suárez Londoño Courtesy: the artist and GALLERIA CONTINUA, San
Gimignano / Beijing / Les Moulins / Habana
con disegni che tratteggiano un universo poetico e visionario. Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio
Sabrina Mezzaqui con Appunti per autobiografia del rosso. Inoltre, HANS OP DE BEECK, Timo, 2018
le opere fotografiche Pietà, by Michelangelo di Hiroshi Sugimoto poliestere, metallo, legno, rivestimento, gesso, cm
80x50x150
e Johannesburg and Moon di Giovanni Ozzola. Lo stand accoglierà Courtesy: the artist and GALLERIA CONTINUA, San
Gimignano / Beijing / Les Moulins / Habana
infine una serie di opere scultoree: FALL di Antony Gormley, Photo: Studio Hans Op de Beeck
Rodt, 6 januari VI, 2012 di Berlinde De Bruyckere, Timo di Hans
Op De Beeck, i Poupée in cristallo di Pascale Marthine Tayou, Nella pag. a fianco:
ANTONY GORMLEY, FALL, 2009
UNTITLED di Shilpa Gupta, Nocturnal thesis fragments di Loris barra di acciaio dolce di 6 mm a sezione quadrata,
cm 222x167x185
Cecchini, Public Morality di Arcangelo Sassolino, Prove di volo di Courtesy: the artist and GALLERIA CONTINUA, San
Gimignano / Beijing / Les Moulins / Habana
Ornaghi & Prestinari.” Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio
22ESPOARTE DIGITAL
23SPECIALE ARTISSIMA
GALLERIA
RAFFAELLA CORTESE
Milano
www.raffaellacortese.com
Raffaella Cortese (Owner)
“Galleria Raffaella Cortese MONICA BONVICINI, Michael Mexico Beach 2018, 2019
tempera e pittura spray su carta Fabriano, cm 150x200.
dedica l’edizione 2019 di Ph. Jens Ziehe © Monica Bonvicini und VG Bild-Kunst
Courtesy of the artist and Galleria Raffaella Cortese, Milano
Artissima ai suoi artisti italiani
con una selezione di opere che
condividono una riflessione
sull’architettura (Main Section
| Purple hall, Stand 9).
Francesco Arena (Torre Santa
Susanna, 1978) presenta
una scultura performativa la
cui posizione nello spazio è
legata tanto alla casualità,
tanto alla singolarità della
persona che compie l’azione;
Monica Bonvicini (Venezia,
1965) prosegue l’indagine
sull’architettura nel suo
rapporto con il potere, il
patriarcato e la sorveglianza;
Michael Fliri (Tubre, 1978)
espone una serie di maschere,
simboli della sua riflessione
sull’identità, che formano
un colonnato all’interno
dello stand; Simone Forti
(Firenze, 1935) è presente
con un’installazione del
1973, esemplare della sua
ricerca sperimentale di una
consapevolezza cinestetica
e di composizione; Luisa
Lambri (Como, 1969)
porta la sua fotografia al
limite dell’astrazione, non
rappresentando tanto lo
spazio quanto piuttosto la
24sua esperienza all’interno di
questo; Marcello Maloberti
(Codogno, 1966) è in mostra
con un’opera fotografica che
lo ritrae in Piazza Duomo a
Milano in un atto performativo,
medium che predilige, e Franco
Vimercati (Milano, 1940 -
2001) con la sua indagine
fotografica meticolosa,
dedicata alla natura ripetitiva
della realtà. Nella sezione
Disegni, invece, lo stand è
interamente dedicato ad Anna
Maria Maiolino (Scalea, 1942),
artista italo-brasiliana (Purple
hall, Stand 14).”
Dall’alto:
ANNA MARIA MAIOLINO, Untitled, from Codificações Matericas series, 1995
inchiostro acrilico su carta, cm 65,5x48,5; cm 75,6x58,1 framed.
Courtesy of the artist and Galleria Raffaella Cortese, Milano
LUISA LAMBRI, Untitled (Ambiente Spaziale, #01), 2012
stampa laserchrome, cm 94x79.5, ed. 5 + 2 AP.
© Fondazione Lucio Fontana. Courtesy of the artist and Galleria Raffaella Cortese, Milano
25SPECIALE ARTISSIMA GUIDO COSTA PROJECTS Torino www.guidocostaprojects.com Guido Costa (owner) - Andrea Costa (partner) “Lo stand della galleria è nel 1998 a Torino ad opera di galleria sono rappresentati in dedicato, come di consueto, ad Guido Costa, e dal 2001 ha esclusiva per l’Italia e, in alcuni alcune opere degli artisti che sede in una vecchia litografia casi per l’intera Europa, o a rappresentiamo, organizzate artigiana di Via Mazzini 24, livello mondiale. La stagione su di un tema specifico. In a pochi passi dalla stazione espositiva di Guido Costa questa edizione proponiamo ferroviaria di Porta Nuova. Projects prevede quattro una sorta di riflessione sulla Specializzata nella produzione mostre l’anno, di cui almeno tre musica moderna e la sua di opere d’arte, appositamente personali inedite per l’Italia.” diretta rappresentazione nella concepite per gli spazi della moda e nel ballo, attraverso il galleria, Guido Costa Projects dialogo tra artisti storici della si occupa prevalentemente galleria (Nan Goldin e Boris di fotografia, video, scultura, Mikhailov) e artisti più giovani performance e arte installativa, (Maurizio Vetrugno, Chiara con particolare attenzione Fumai e Hilario Isola). alla creatività degli ultimi tre Guido Costa Projects nasce decenni. Tutti gli artisti della NAN GOLDIN, Warren with little girl, 1978 26
ESPOARTE DIGITAL
FRITTELLI ARTE
CONTEMPORANEA
Firenze
www.frittelliarte.it
Simone Frittelli (director)
“I rapporti tra arte e femminismo
e il ruolo delle donne nella
storia dell’arte, negli ultimi
anni oggetto di una rinnovata
attenzione nazionale e
internazionale, continuano ad
essere uno dei principali campi di
ricerca della galleria e il focus dei
due progetti per Artissima 2019.
Sexual Politics: donne e arte in
Italia negli anni ‘70 presenta
opere di Tomaso Binga, Diane
Bond, Ketty La Rocca, Lucia
Marcucci, Paola Mattioli e Libera
Mazzoleni che indagano l’idea
di un corpo politico e mettono in
discussione gli stereotipi e i tabù
insiti nella società patriarcale,
destrutturando il linguaggio
dominante con il suo sessismo
implicito.
“Non possumus”. Visioni del
corpo nell’arte di Lucia Marcucci
offre una panoramica di lavori
degli anni ‘60 e ‘70 di Lucia
Marcucci, figura di spicco della
Poesia Visiva, dai collages in cui
demistifica l’immagine femminile
proposta dai mass media alla
serie Impronte, in cui introduce
una nuova riflessione sulla
relazione tra corpo, immagine e
parola.”
LUCIA MARCUCCI, Non possumus, 1971, collage su
cartoncino, cm 66x48. Courtesy l’artista e Frittelli arte
contemporanea, Firenze
27SPECIALE ARTISSIMA
LAVERONICA
Modica (RG)
www.gallerialaveronica.it
Corrado Gugliotta (founder) - Sveva D’Antonio (owner)
“L’opera The Disappearance cristiano bianco. Staal nel Don Jr, il presidente rompe
of Steve Bannon fa parte di suo progetto analizza i quasi i legami con lui e afferma
un grande progetto di ricerca quindici anni di film di Bannon pubblicamente che il ruolo di
dell’artista Jonas Staal sull’arte per esplorare come l’ideologia Bannon non è mai stato così
di propaganda di Steve Bannon, centrale del trumpismo sia importante in primo luogo.
intitolato Steve Bannon: A stata modellata dal suo cinema In questa opera d’arte, Staal
Propaganda Retrospective di propaganda. Il cambiamento traduce la rimozione di Bannon,
(2018). culturale, sostiene l’artista, da parte di Trump, dalla sua
Bannon è principalmente precede il cambiamento storia cancellando Bannon
noto come l’ideologo e il politico. L’artista di propaganda dalle foto in cui sono apparsi
responsabile della campagna Bannon immagina, attraverso insieme. Analogamente a
di Donald Trump. Ma dal il suo cinema, le narrazioni come il regime stalinista ha
2004 in poi, è stato anche e i simboli fondamentali del rimosso gli oppositori politici
un prolifico regista, che ha trumpismo ancor prima che dalle fotografie ufficiali, Trump
creato dieci film documentari Trump entri nella scena politica. ha anche riscritto la propria
in uno stile che definisce Mentre Bannon mostra il storia. Proprio come lo storico
“cinema cinetico”. I film di potere fantasioso dell’arte dell’arte Boris Groys ha parlato
Bannon sono profondamente di cambiare la politica, ne una volta di “The Total Art of
apocalittici e diffondono una diventa vittima allo stesso Stalinism”, l’arte totale del
nozione di “tempo ciclico”: ogni tempo. Dopo che la nuova trumpismo distrugge quelli che
quattro generazioni i leader amministrazione è stata in una volta l’hanno creata.”
patriottici devono affrontare carica da un anno, Trump
nemici culturali come marxisti, diventa frustrato dal potere
terroristi ed elite globalista che i media attribuiscono a
in epiche guerre di civiltà Bannon. E quando il suo artista JONAS STAAL, The Disappearance of Steve Bannon,
per difendere la sua visione di propaganda fa commenti 2018, Archival print on Canson Infinity Fine art on
Platine Fibre RAG Diasec 2 mm anti-reflex/Dibond 3
del nazionalismo economico critici sul figlio di Trump, mm/prof
28ESPOARTE DIGITAL
“Untitled, 2019, Giovanni De Lazzari, come
altri lavori dell’artista, nasce dall’esigenza di
creare un rapporto evocativo tra frammenti di
immagini.
Parte della sua pratica artista è caratterizzata
dalla raccolta di particolari di immagini, di cui
poi si serve per creare associazioni alogiche fra
alcune di esse. Si tratta di un montaggio poetico
che, in questo caso, per il chiarore dei colori e
il contrasto dei riferimenti dovrebbe esprimere
una tensione emotiva verso l’Alto.”
GIOVANNI DE LAZZARI, Untitled, 2019, oil on canvas, cm 20x12,5
“Il colonialismo europeo in Sudafrica (e altrove)
è stato sia preceduto sia accompagnato
da spedizioni che miravano a delineare
graficamente un territorio e a classificarne le
sue risorse naturali, a sua volta spianando la
strada all’occupazione e allo sfruttamento.
La presunta scoperta e la successiva
denominazione e catalogazione delle piante
trascurarono e cancellarono i nomi e le
conoscenze botaniche esistenti delle piante
indigene e imposero il sistema di classificazione
linneo e la sua particolare razionalità europea.
What Plants Were Called Before They Had A
Name di Uriel Orlow è un’installazione audio
che funziona come un dizionario di piante orali
di lingue indigene sudafricane tra cui Khoi,
SePedi, SeSotho, SiSwati, SeTswana, xiTsonga,
isiXhosa e isiZulu.”
URIEL ORLOW, What Plants Were Called Before They Had A Name, 2016, 5.1 Audio - 22’ 40”
29SPECIALE ARTISSIMA GILDA LAVIA Roma www.gildalavia.com Gilda Lavia (director) “Presentiamo per Artissima una porzione dello spazio a accadendo negli ultimi anni, 2019 (Main Section Hall Pink disposizione, realizzata con puntando l’attenzione proprio A – booth 3) un progetto che differenti materiali su una base sull’urgenza di dover cambiare coinvolge due artisti italiani: di cartone. Ad accompagnare il radicalmente il nostro stile di Gabriella Ciancimino e Leonardo lavoro installativo sono presenti vita per poter salvare il nostro Petrucci. una serie di opere ispirate ai pianeta. Gabriella Ciancimino, attiva già fenomeni della natura e della L’idea generale del progetto da diverso tempo nel panorama migrazione. è quella di far coesistere e dell’arte contemporanea, porta Seguendo le tematiche comunicare due differenti avanti una ricerca basata sopracitate, Leonardo Petrucci, modalità di azione artistica e sul concetto di “Relazione”, giovane artista toscano, di ricerca, su un punto di vista analizzando il rapporto tra gli presenterà alcuni lavori derivanti comune rispetto a importanti esseri umani e gli elementi da un recente progetto realizzato tematiche di attualità. Entrambi naturali da un punto di vista in Finlandia. Affrontando il gli artisti utilizzano come cifra filosofico ed antropologico. Il problema del cambiamento stilistica media differenti che progetto scelto per Artissima è climatico e il fenomeno delle spaziano dal disegno, al video, composto da un’installazione migrazioni, l’artista ha proposto fino ad arrivare alla scultura e site specific, che interesserà una metafora di ciò che sta all’installazione.” 30
ESPOARTE DIGITAL
GABRIELLA CIANCIMINO, Seaseeds/Si Siz_3, 2019
composizione di disegni, tecnica mista su carta,
alluminio, plexiglass, cm 120x110x3
Nella pag. a fianco:
LEONARDO PETRUCCI, Endgame 01 e 02, 2019
polistirolo, carta pesta, resina e acrilico, cm 50x50x25 cad.
31SPECIALE ARTISSIMA
MADRAGOA
Lisbona
www.galeriamadragoa.pt
Matteo Consonni e Gonçalo Jesus (founder)
“Madragoa partecipa per il quarto anno consecutivo ad
Artissima, fiera che sin dall’inzio ha rappresentato un importante
appuntamento per la galleria, presentando nel suo stand all’interno
della Main Section (Green 5), un dialogo tra nuove opere di quattro
artisti: Renato Leotta, finalista del premio MAXXI 2020, presenta
una nuova serie di fotogrammi che ritraggono il plancton marino;
Yuli Yamagata, giovane brasiliana che lavora ispirandosi ai materiali
e ai colori dei tessuti tecnici usati dagli sportivi viene presentata
per la prima volta in fiera dalla galleria; Sara Chang Yan, artista
portoghese il cui lavoro è stato acquisito lo scorso anno dal Museo
Ettore Fico; Gonçalo Preto, giovanissimo e talentuoso pittore di
Lisbona che presenta un nuovo, grande dipinto in cui la natura YULI YAMAGATA,
Gordo Durante (smoking fat guy), 2019
sembra fagocitare i protagonisti di una scena misteriosa, realizzata lycra, silicone fiber, sewing thread, stretcher,
cm 100x100x10, unique. Photo: Ana Pigosso.
con una tecnica ineccepibile.” Courtesy of the artist and Madragoa, Lisbon
32ESPOARTE DIGITAL
RENATO LEOTTA, Aventura (Tanger), 2016
terracotta, sand, cm 99x55x55, unique
Photo: Miguel Angelo Guerreiro/Flare Studio
Courtesy of the artist and Madragoa, Lisbon
GONÇALO PRETO, Sleuth, 2019
oil on cotton canvas, cm 166x166, unique
Photo: Bruno Lopes
Courtesy of the artist and Madragoa, Lisbon
33SPECIALE ARTISSIMA
GALLERIA
MASSIMODELUCA
Mestre Venezia
www.massimodeluca.it
Marina Bastianello (director)
“La Galleria massimodeluca presenta l’opera del
“duo” Matteo Attruia e VOID, artisti che portano
avanti una personale ricerca imperniata sulle
parole, con un doppio progetto dal contrasto
“complementare”.
Attruia, da sempre interessato a sviluppare le proprie
opere connettendole con il linguaggio scritto e gli
innumerevoli cortocircuiti del pensiero, presenta un
nuovo progetto in grado di coinvolgere l’osservatore
all’interno dell’opera stessa. Annullando la distanza
tra oggetto e concetto, l’opera di Attruia, lavorando
su più livelli - fisici e semantici - attiverà, grazie ad
un movimento meccanico, delle “variazioni su temi
iconografici”, portando la parola a prendere vita. La
parola è intesa come un atto di determinazione,
di esistenza. Uno dei primi usi che venne fatto
dei registratori fu per conservare la voce della
persona amata dopo la sua scomparsa. Da questa
suggestione, e dal profondo interesse nei confronti
della storia della registrazione dei suoni, della voce
e delle sue reciproche interazioni, VOID creano una
serie di moderne “vanitas”, nelle quali elementi
come pietre e ossa sono interconnesse con il suono
di un “lamento” luttuoso, dove la voce diviene una
vibrazione allo stesso tempo vivida ed effimera.”
VOID, Vanitas n.1, 2019
alabastro, LP 33 giri, ossa, cm 46x27x17
34ESPOARTE DIGITAL
MATTEO ATTRUIA, I DECIDED, 2019
filo neon e vernice acrilica
cm 178x2,5 ø
35SPECIALE ARTISSIMA MAZZOLENI Torino, Londra www.mazzoleniart.com Davide e Lugi Mazzoleni (owner) “Mazzoleni è presente ad armate con vele “al terzo”, bandiera, allo storico ruolo nel Artissima 2019 nella Main che navigando all’unisono nei commercio di pigmenti rossi, ai Section della fiera (stand canali veneziani hanno creato dipinti di Tiziano, Tintoretto e Purple 13 Green 14) con una coreografia in movimento. altri maestri veneziani. un’esposizione interamente Ogni barca era equipaggiata L’allestimento monografico dedicata a Melissa McGill e al di vele realizzate su misura e proposto da Mazzoleni ai suo progetto di arte pubblica dipinte a mano in 52 diverse visitatori della ventiseiesima Red Regatta. Red Regatta è tonalità di rosso, sviluppate edizione di Artissima presenta una serie senza precedenti di appositamente dall’artista. Ogni opere riconducibili a tre grandi 4 spettacolari performance rosso fa riferimento agli impeti momenti del progetto Red sull’acqua, realizzate nella di passione e vita, all’emergenza Regatta. Il primo gruppo di Laguna di Venezia tra il maggio e all’allarme, e a Venezia stessa opere è composto dalle grandi e il settembre scorso, con - dai suoi terrazzi e tetti in fotografie della Regata della 52 imbarcazioni tradizionali mattoni e terracotta, alla sua Coppa del Presidente della 36
ESPOARTE DIGITAL
Repubblica 2018 su cui McGill protagonista di un talk insieme
è intervenuta con pigmenti all’artista Christian Holstad e a
rossi anticipando ciò che Vittorio Calabrese (direttore di
sarebbe avvenuto da lì a pochi Magazzino Italian Art) intitolato
mesi con la realizzazione delle Make a Better World Now!,
performance. Il secondo gruppo dedicato al rapporto tra arte
è costituito da vivaci studi del e sostenibilità ambientale e ai
colore rosso, legati al workshop loro progetti veneziani, che si
svoltosi nell’Arsenale di Venezia svolgerà venerdì 1 novembre
in cui l’artista, con marinai e alle 14.30 presso il Meeting
studenti, ha dipinto a mano le Point dell’Oval.
vele esplorando e creando le L’intero progetto espositivo
52 tonalità per la Red Regatta vuole essere un preludio
e ne ha ricavato una eterna all’importante mostra che
testimonianza attraverso opere Mazzoleni Londra dedicherà a
su carta. Infine, il terzo gruppo Melissa McGill nella primavera
è composto da fotografie di 2020”.
varie dimensioni, scattate in
soggettiva proprio dall’artista
In alto:
durante le performance dei MELISSA McGILL, Red Regatta (Coppa del Presidente
mesi scorsi, in cui i riflessi delle della Repubblica, San Marco), 2019, unique archival
digital C-print with pigment and matte gel medium,
vele rosse tinteggiano senza cm 101.6x152.4. Courtesy: Mazzoleni, London-Torino
necessità di ritocchi le acque A sinistra:
MELISSA McGILL, Riflessi (Red Regatta - 1 September
veneziane. 2019), 2019, triptych of digital archival pigment prints,
Melissa McGill sarà inoltre cm 137.2x91.4 (each), edition of 3 plus 2AP (#1/3).
Courtesy: Mazzoleni, London-Torino
37SPECIALE ARTISSIMA MONITOR Roma www.monitoronline.org Paola Capata (founder) - Manuela Contino (director) “Monitor presenta al pubblico ridefinendo l’immagine e il di Artissima 2019 gli artisti: ruolo dei protagonisti della Thomas Braida (1982), Tomaso storia dell’arte contemporanea De Luca (1988), Oscar Giaconia attuale. (1978), Matteo Fato (1979), Esempio di un complesso Nicola Samorì (1977). lavoro pittorico su pietra, Dall’opera di Thomas Braida l’opera su onice di Nicola Siesta del Sol, Siesta per tutti Samorì, che rappresenta Santa (2019) emergono i tratti Lucia accecata dalla stessa principali del processo creativo rifrazione della materia.” dell’artista, dall’utilizzo del colore, fino alla costruzione della composizione, che cita il mito e la storia, popolandoli di figure ibride e moderne. Tomaso De Luca, nominato per il premio MAXXI Bulgari prize 2019, presenta una scultura esposta al MAMbo in occasione della mostra That’s IT!, a cura di Lorenzo Balbi, e un’opera video. Entrambi i lavori nascono dalla ricerca e dalla riflessione personale dell’artista sui presupposti formali e teorici del Modernismo. Oscar Giaconia, che con questa presentazione anticipa la sua collaborazione con la galleria, presenta The Grinder (2019), un’opera olio su carta che nasce da un ricercato lavoro di trasformazione dell’artista stesso. Gli ultimi dipinti realizzati da Matteo Fato si incentrano sul tema del ritratto, esplorandone formalmente le varie declinazioni e 38
ESPOARTE DIGITAL
THOMAS BRAIDA, Siesta
de sol, Siesta per tutti, 2019
olio su tela, cm 280x480.
Courtesy of the artists and
Monitor Rome, Lisbon,
Pereto (AQ)
Nella pag. a fianco:
NICOLA SAMORÌ, La gran
nuvola, 2019, olio su onice,
cm 74,3x59,7x2.
Courtesy of the artists and
Monitor Rome, Lisbon,
Pereto (AQ)
OSCAR GIACONIA, The Grinder, 2019 TOMASO DE LUCA, Hooded Soldier, 2016-2018
olio su fibra cellulosica alla gelatina plasticizzata, colla animale in teca di nylon stampa 3d in acido polilattico , resina epossidica , ferro , pigmenti e gouaches
cm 58.5x45 (cm 62.5x49.5 framed) cm 207x103x95
Courtesy of the artists and Monitor Rome, Lisbon, Pereto (AQ) Courtesy of the artists and Monitor Rome, Lisbon, Pereto (AQ)
39SPECIALE ARTISSIMA GALLERIA ALBERTA PANE Parigi, Venezia www.albertapane.com Alberta Pane (owner) “Un Cabinet de curiosités L’universo vegetale dell’artista dell’esistenza umana, dei suoi vegetali, un video tra le rovine francese Marie Denis rivisita limiti e della sua condizione. pompeiane, elementi di natura l’elemento naturale che, Sostanza sonora, silenzi, stampati e una scultura sonora interiorizzato, analizzato e risonanze acustiche in spazio che diffonde le sue vibrazioni reinterpretato, trascende e materia si combinano invece nello spazio sono alcuni la propria bellezza e fragile nella ricerca concettuale tra degli elementi che guidano il essenza, sigillato in un’eternità arte visiva e suono di Michele visitatore alla scoperta delle in equilibrio tra il quotidiano e Spanghero. opere degli artisti esposti nello l’universale. In uno stand articolato un stand della Galleria Alberta L’azione reiterata, prolungata, riverbero sonoro accompagna Pane (Parigi, Venezia): Marie performativa di Romina De il pubblico tra scaffalature di Denis, Romina De Novellis e Novellis è un viaggio offerto miscellanea, flora stampata e Michele Spanghero. al pubblico nei meandri inscatolata, fotografie e video.” 40
ESPOARTE DIGITAL
MICHELE SPANGHERO, Echea, 2014
sound sculpture, rubber varnished fiberglass, brass,
wood, loudspeaker, stainless steel pedestal, audio
system (dim. cm 120x68x44 - dur. 6 min. loop).
Courtesy of the artist and Alberta Pane Gallery (Paris,
Venice)
MARIE DENIS, Nature des Profondeurs,
2018, exhibition view @ Alberta Pane
Gallery, Paris. Courtesy of Alberta Pane
Gallery (Paris, Venice)
Nella pag. a fianco:
ROMINA DE NOVELLIS, Gradiva, 2017,
color photograph, Hahnemühle Fine Art
Pearl paper mounted on aluminium,
cm 110x150. Courtesy Alberta Pane
Gallery (Paris, Venice)
41SPECIALE ARTISSIMA ALBERTO PEOLA Torino www.albertopeola.com Alberto Peola (director) “Aperta nel 1989 da Alberto questo contesto l’inedito lavoro Peola, la galleria segue il lavoro Ground. Novità di quest’anno di artisti italiani e stranieri la recente collaborazione contemporanei, emergenti e con Gregorio Botta, che nel già affermati. Per questa XXVI 2020 presenterà la sua prima edizione di Artissima la galleria personale in galleria. propone opere di giovani artisti Sabato 2 novembre, dalle già impegnati sulla scena 9:00 alle 24:00, Perino & Vele nazionale ed internazionale, inaugurano ‘o databàs la loro come Gabriele Arruzzo, Paolo quarta personale in galleria.” Bini, Fatma Bucak, Francesca Ferreri, Victoria Stoian e Cosimo Veneziano, in dialogo con i lavori di artisti che ne hanno segnato la storia e di cui oggi la galleria presenta i lavori più recenti: Slow Time di Botto&Bruno, le fotografie di Emily Jacir, le white rooms di Gioberto Noro, Gringo di Thorsten Kirchhoff e le sculture in cartapesta di Perino & Vele. Simone Mussat Sartor, protagonista della prima edizione di The Phair, propone in SIMONE MUSSAT SARTOR, Ground, dalla serie Same Place Project, 2019, fotografie, cm 200x200 ca. Courtesy of Alberto Peola Arte Contemporanea 42
ESPOARTE DIGITAL
PERINO & VELE, Madeforyou II, 2019,
papier-mâché, fiberglass and acrylic paint,
cm 78x92x50. Courtesy of Alberto Peola Arte
Contemporanea
GABRIELE ARRUZZO, Senza titolo (agostano), 2019,
enamel, acrylic, glitter on canvas and wooden
frame, cm 120x100. Courtesy of Alberto Peola Arte
Contemporanea
43SPECIALE ARTISSIMA
GIORGIO PERSANO
Torino
www.giorgiopersano.org
Giorgio Persano (founder)
“La Galleria Giorgio Persano propone per Artissima 2019 una
selezione di opere di Michelangelo Pistoletto, Nicola De Maria,
Per Barclay, Marco Gastini, Michael Biberstein ed Alfredo Jaar,
in dialogo con lavori di giovani artisti quali Paolo Cirio, Alessandro ZENA EL KHALIL, 396 Hz: Liberate. Create. Dance
Sciaraffa e Zena el Khalil, nella volontà di documentare e dare Rebuild, 2019, cenere, pigmento, inchiostro e ricamo su
tela / ash, pigment, ink and embroidery on canvas, cm
visibilità a storie, esperienze e ricerche differenti”. 85x85. Courtesy Galleria Giorgio Persano
44ILARIA GASPARRONI MARMOREA ESPERIENZA a cura di Valeria Guglielmi e Alessandra Picchi 30 OTTOBRE 03 NOVEMBRE 2019 all'interno di PARATISSIMA 15 "MULTIVERSITY" EX ACCADEMIA ARTIGLIERIA - TORINO Piazzetta Accademia Militare, 3 Orari di apertura: Mercoledì 30 Ottobre > 18.00 | 24.00 Giovedì 31 Ottobre > 15.00 | 24.00 Venerdì 1 Novembre > 10.00 | 24.00 Sabato 2 Novembre > 10.00 | 24.00 Domenica 3 Novembre > 10.00 | 22.00 Info paratissima.it/paratissima-torino-2019
SPECIALE ARTISSIMA GREGOR PODNAR Berlino www.gregorpodnar.com Gregor Podnar (founder) - Maria Betegon (director) “Per Artissima 2019 la galleria Primož Bizjak. Le sue fotografie sorprenderci con ciò che i nostri Gregor Podnar presenta una esplorano la storia dei luoghi, dei occhi non possono vedere al buio”. selezione di opere di otto confini e dei simboli simbolici. (Aurora García) artisti della galleria che vanno Usando lunghe esposizioni che Il lavoro dell’artista di San Paolo dalle giovani generazioni durano diverse ore o anche Marcius Galan comprende internazionali a personaggi tutta la notte, Primož riesce a sculture, oggetti, disegni e storici di fama. creare immagini notturne come altri media. Spesso si tratta “La fotografia notturna e i alla luce del giorno, catturando di elementi geometrici con colori nascosti nella notte gradualmente i colori con un linguaggio di forma chiara sono il principale interesse di mezzi naturali, mai digitali, per che, in relazione alla nostra 46
ESPOARTE DIGITAL
percezione comune (linee, Francisco Tropa è radicata nella
dimensioni, materialità), storia dei media che usa: arte
richiedono una definizione di antica, filosofia e letteratura,
spazio e una classificazione oltre a temi classici come
dei confini visivi. Le forme, il ricordo, il rituale, il gioco
apparentemente neutrali, d’azzardo e il tempo.
diventano sensori della nostra Goran Trbuljak ridefinisce lo
percettività individuale. stato del contesto artistico,
IRWIN lavora in modo ponendo domande radicali
complesso e sottile con sull’autonomia del sistema
connessioni tra arte e di musei e gallerie e sul MARZENA NOWAK, Untitled (Tango Show), 2019
ideologia. La loro opera meccanismo attraverso il quale tango shoe, peephole, cm 42x8x9
riunisce riferimenti qualcosa viene accettato come Nella pag. a fianco:
PRIMOŽ BIZJAK, Antro del Corchia, 2015
storici d’arte, – come al arte”. inkjet print, Diasec on plexiglas, cm 125x157
Romanticismo, al Modernismo
o al Suprematismo di Kazimir
Malevič –, a simboli tratti dalla
religione o dai sistemi politici
totalitari, ad esempio dell’era
nazista o del realismo sociale
sovietico.
Ivan Kožarić ha lavorato su
una varietà di media, creando
un potente corpus di opere
che spaziano da sculture
permanenti e temporanee,
installazioni e interventi urbani,
ad assemblaggi, proclami,
fotografie e dipinti.
I motivi e gli elementi che Anne
Neukamp utilizza derivano dal
nostro arredamento quotidiano,
permettendo a questi segni e
immagini funzionali di diventare
frammenti sotto strati di pittura
o, addirittura, di scomparire.
Il lavoro di Marzena Nowak
è creato dalla memoria e
dall’immaginazione, risiedendo
da qualche parte nella tensione
tra punti di riferimento
autobiografici e mondi di sogno
immersi poeticamente. La sua
sensibilità alle avvenimenti
quotidiani e il rapporto con la
propria fisicità rappresentano
spesso i punti di partenza
tematici per la sua pratica
artistica.
La complessa pratica di
47SPECIALE ARTISSIMA
PROMETEOGALLERY
DI IDA PISANI
Milano
www.prometeogallery.com
Ida Pisani (director)
“Prometeogallery di Ida Pisani presenta una piattaforma di artisti
di generazioni diverse, capaci di tradurre con le loro opere le
proprie esperienze quotidiane, in rapporto alla storia, alla politica,
all’ambiente e alle politiche sociali.
Evidenziando un dialogo tra approcci sempre differenti alle relazioni
di potere, la galleria lascia che gli artisti che presenta restituiscano
un’immagine dell’attuale panorama sociale e globale.
Dal video alla performance, dalla fotografia alla pittura, il filo
conduttore che lega le opere in mostra è un’esaltante valenza
estetica.
Gli artisti presenti al booth di galleria sono: Maria José Arjona,
SANTIAGO SIERRA, Line of 160 cm tattoed on 4
Filippo Berta, Fabrizio Cotognini, Regina José Galindo, Omar people, 2000, lambda print on Dibond,
Hassan, Hiwa K Iva Lulashi, Edson Luli, Maria Evelia Marmolejo, cm 100x147
Ruben Montini, Rosanna Rossi, Karan Shrestha, Santiago Sierra, Nella pag. a fianco:
ROSANNA ROSSI, Senza titolo (Beautiful lines),
Giuseppe Stampone e Driant Zeneli”. 1971-71, acrylic on canvas, cm 120x150
48ESPOARTE DIGITAL
49SPECIALE ARTISSIMA
GALLERY ISABELLE
VAN DEN EYNDE
Dubai
www.ivde.net
Isabelle van den Eynde (founder) - Jonathan Ellis King (director)
“Per Artissima 2019, la nostra performance, installazione, collezione privata di Teheran
presentazione è dedicata disegno, pittura e assemblaggio. perché il loro contenuto
ad una selezione di artisti In mostra Sharif’s Made in Japan, era ritenuto provocatorio.
rappresentati in galleria tra 2014, un esempio principale dei I tre artisti mantengono le
cui Hassan Sharif, pioniere suoi assemblaggi di produzione pratiche individuali e lavorano
dell’arte contemporanea e in serie che sono una risposta come un collettivo per creare
pratiche sperimentali in Medio al consumismo globalizzato, installazioni, spettacoli e
Oriente, Ramin Haerizadeh, restituendo il surplus video che si basano sulla
Rokni Haerizadeh and Hesam indesiderato della produzione in loro percezione della vita
Rahmanian, dinamico collettivo serie alla società come arte. come teatro e iniziano con
con sede a Dubai, e Hoda Ramin Haerizadeh, Rokni le “creature” che i tre artisti
Tawakol, artista franco-egiziana Haerizadeh e Hesam diventano, fisicamente e
di Amburgo. Rahmanian vivono e lavorano mentalmente, attraverso il loro
Hassan Sharif (1951-2016) insieme a Dubai dal 2009, lavoro.
ha dato un contributo vitale quando sono stati costretti La loro pratica individuale e
all’arte concettuale e alla all’esilio dopo che le opere collettiva è quella di un metodo
pratica sperimentale in Medio d’arte di Ramin e Rokni sono additivo, che prevede una
Oriente attraverso 40 anni di state sequestrate da una ricerca approfondita, un dialogo
continuo e prove ed errori.
Con il risultato di installazioni
complesse, multimediali e
coinvolgenti, gli artisti pongono
l’accento sull’importanza di
“riferire sul nostro tempo” e
di attirare l’attenzione sulle
“urgenze” del momento
presente. In mostra la nuova
serie di dipinti su carta del trio,
intitolata Life isn’t too big a deal
and shouldn’t be painted as such
(2019).
Nato a Londra e cresciuto
principalmente a Parigi, Hoda
Tawakol è un’artista franco-
egiziana che attualmente
vive e lavora ad Amburgo, in
Germania. L’ampia pratica
50ESPOARTE DIGITAL
di Tawakol comprende pezzi
tessili tinti e cuciti a mano,
sculture, collage di tessuti e
installazioni che intrecciano
trame, griglie e reticoli oltre a
lavori su carta. Il suo approccio
all’arte tessile contemporanea
è profondamente radicato nel
movimento femminista degli
anni ‘70; la ricerca dell’artista
si concentra sulle pratiche
rituali tradizionali e sulle
immagini associate a quei
momenti cruciali di transizione e
trasformazione nella vita di una
donna.
Tawakol’s Mummy # 2 (2019)
è una nuova serie di lavori
che esplorano rituali, forme
ed estetica dell’antico Egitto.
Questo nuovo corpus di opere
evolve attorno al concetto di
presenza/assenza, dentro/
fuori e trasformazione. Il
corpo, centrale in questa serie,
è indicato come un’entità
immateriale che oscilla tra
l’effimero e l’eterno.
Dall’alto:
HASSAN SHARIF, Made in Japan, 2014, frying pan and
wire, cm 64x57x42. Courtesy of the artist and Gallery
Isabelle van den Eynde
HODA TAWAKOL, Mummy #2, 2019, fabric and wood,
cm 170x140x10. Courtesy of the artist and Gallery
Isabelle van den Eynde
Nella pag. a fianco:
RAMIN HAERIZADEH, ROKNI HAERIZADEH E HESAM
RAHMANIAN, Life isn’t too big a deal and shouldn’t be
painted as such, 2019, acrylic, gouache, binder and
collage on paper, cm 50x70. Courtesy of the artists and
Gallery Isabelle van den Eynde
51SPECIALE ARTISSIMA Z2O SARA ZANIN GALLERY Roma www.z2ogalleria.it Sara Zanin (owner) “La Galleria z2o Sara Zanin presenta al pubblico un solo show dell’artista ceco Krištof Kintera nella Main Section della fiera. Kintera, artista rappresentato dalla galleria, ha concepito, come di consueto nella sua pratica artistica, un progetto site-specific con imponenti installazioni- assemblaggi che dialogano con alcuni lavori su tavola in cui pratica disegnativa e scultorea si incontrano. Nella sua ricerca più recente, Kintera si è concentrato sulla creazione di strutture formali correlate a una dimensione architettonica letta attraverso una prospettiva metaforica. Tower of Progress, per esempio, imita la complessità e la stratificazione dell’architettura urbana svolgendo una funzione simbolica, quasi fosse un totem, creato con quello che l’artista definisce “neo-post-industrial- home-gothic style”. Attraverso l’utilizzo di materiali primitivi e usuali, spesso di reimpiego, l’artista indirizza la propria ricerca verso una dimensione di assoluta consapevolezza nei riguardi della contemporaneità”. KRIŠTOF KINTERA, Memorial Of Passed Light, 2019, metal structure and concrete, mixed media, cm 355x60x40. Courtesy l’artista e z2o Sara Zanin Gallery Roma 52
ESPOARTE DIGITAL
KRIŠTOF KINTERA, City Of Lost Connection, 2019
mixed media, cm 120x110x90.
Courtesy l’artista e z2o Sara Zanin Gallery Roma
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