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Professione Creativo
+ Motion
Relaore: Luca Cattaneo
Studente: Alberto La Cerignola
1.
2.
+ Motion
it’s easy to ease
Politecnico di Torino
Dipartimento di Architettura e Design
Corso di laurea in Design e Comunicazione Visiva
Tesi di Laurea di Primo Livello
Candidato: Alberto La Cerignola
Relatore: Luca Cattaneo
3.
indice
Introduzione 7
Scenario 9
Visual Storytelling 11
L’info-Grafica 13
Motion Graphic 19
Social media marketing 29
Casi Studio 31
Guy downes 32
Ted-Ed 34
Kurzgesagt 36
Vox 38
Wired 40
Il Lato positivo 42
GCF Learn Free 44
The fallen of WWII 46
lo stato dell’arte 49
Professione creativo 51
Professione creativo nel futuro 55
Eventi 58
Staff 60
4.
Professionisti 62
Community 62
I social 64
Archivio 68
Personas 71
Progetto 75
Brief 77
Concept 77
Animazione del logo 79
Video promozionale 83
Video Presentazione 85
Conclusioni 89
Feedback 90
Ringraziamenti 91
Fonti 93
5.
6.
Introduzione
In questo progetto mi sono posto come un freelance a cui è stata
proposta una collaborazione al fine di creare del materiale di
supporto al progetto Professione Creativo.
L’organizzazione ha richiesto la consulenza di un motion designer,
perchè dall’inizio del 2021 ha iniziato a gestire eventi online.
Pertanto necessita di elementi visivi che si integrano al contesto.
Oltre allo sviluppo del progetto, si è portata avanti una tesi di
ricerca, che puntava ad analizzare i principi del Visual Storytelling
e della motion grafica, si è studiato come programmare le
animazione al fine di velocizzare il processo di concretizzazione del
materiale, per rendere quest’ultimo riutilizzabile e adattabile.
7.
8.
Scenario
Con la rivoluzione digitale, l’essere umano si relaziona sempre di
meno con supporti fisici e sempre di più con i media multimediali.
Quello che segue è il riassunto tratto delle basi e delle tecniche che
sono state ritenute necessarie per realizzare del materiale che rispetti
gli standard della realtà professionale.
Lo studio dello scenario e dell’ambiente si è anche concentrato
sull’analisi dei social, sul loro funzionamento e dell’utente medio che
abita questo ambiente virtuale.
9.
Punto focale
Protagonista apparente
Cane che attcca il cinghiale è il vero
protagonista
L’azione della signora conduce lo sguardo
verso gli elementi della storia
Percorso visivo nitodo, con i vari elementi della
composizione definiti nello spazio
Punto focale
Stili di paragrafo ben definiti al fine di creare una gerarchia Otre al flussi visivo principale,vi sono due flussi uno superioree
visiva uno inferiore che sfruttano tutta la facciata
arrow_upwardManifesto pubblicitario ralizzato per la campagna for the wild heart di Purina nel 2015.
arrow_upwardInfografica realizzata da Francesco Franchi per il mensile Intelligence in lifestyle
10.Visual Storytelling
Questo termine si applica in diversi campi e settori, dalla fotografia al cinema,
ma a prescindere del contesto, si può definire come la strutturazione e la
realizzazione di un percorso visivo che conduce a un messaggio che è, il più
possibile libero da interpretazioni soggettive.
Le regole dello storytelling sono state definite da svariati protagonisti con
sfumature diverse a seconda del settore.
Le nozioni di ogni singolo campo possono essere traslate in altri ambiti,
un esempio che si può analizzare è il Kuleshov Effect, concetto che mostra
come il contesto, veicoli il messaggio finale. Questo principio dell’ambiente
cinematografico viene sfruttato dall’info-grafica animata, mostrano illustrazioni
animate suggestive al fine di alterare la percezione dei dati che verranno
mostrati successivamente.
Daniele Orzati, esperto in narrazione strategica d’azienda e di marca, partner
Storyfactory docente di corporate & product Branding e visual storytelling in
contesti universitari e di alta formazione professionale, ha stabilito le cinque
condizioni necessarie per definire se si sta parlando di storytelling:
• Sono previste una progettazione e una produzione orientate alla
replicabilità.
• Si programma una diffusione su uno o più mezzi.
• Si costruisce una comunicazione per immagini.
• Si narra una storia o rappresenta un mondo narrativo.
• La narrazione costruita è di marca (anche personale), quindi con una
specifica produzione di valore e con una specifica intenzione.
11.Della asse y sono stati riportati solo cinque punti
percentuali
98.4%
Sembra il 70%
96.2%
Sembra meno del 30%
100%
Stesso grafico con
l’asse y completa
0%
arrow_upwardPubblicità della Chevrolet pubblicata sul time magazione nel 1998
12.L’info-Grafica
È una forma di comunicazione visiva che si occupa della raccolta e alla
riorganizzazione dei dati al fine di renderli chiari, immediati e accattivanti.
Si sviluppa con l’incontro tra giornalismo e grafica dopo l’invenzione della
stampa e con la nascita delle prime testate giornaliste a metà del 1500.
Gli elementi
Gli elementi alla base dell’info-grafica sono le nozioni e i dati che devono essere
comunicati, il compito del designer consiste nel progettare su di essi senza
distorcerli o alterarli.
Questo compito che può sembrare superficiale e irrilevante può di fatto alterare
rilevantemente la percezione dei dati, senza alterarli. Come ci mostra Lea
Gaslowitz, in un articolo redatto per TED, cambiando il fuoco su dei grafici è
possibile alterare la percezione relativa alla correlazione tra i dati riportati.
Lea Gaslowiz, per trasmettere al meglio il messaggio, analizza il caso studio del
manifesto del 1992 della Chevrolet.
Il poster mette in primo piano il grafico che mostra le jeep vendute negli
ultimi anni in percentuale, a primo impatto sembrerebbe che la Chevrolet
abbia venduto il doppio rispetto alla Toyota. Tuttavia, se si sposta l’attenzione
sull’asse y, si può notare che il grafico è stato tagliato, e di fatto la differenza di
vendite tra la Chevrolet e la Toyota sia solamente de 2%.
Concetti base
Durante la progettazioni di elementi visivi che hanno l’obiettivo di comunicare
delle informazioni e dei dati, bisogna tenere a mente dai principi dell’infografica:
Focal point (punto focale)
I punti focali sono le aree che attirano l’attenzione dell’utente al primo impatto.
É sconsigliato utilizzarne più di uno, più punti focali ci sono più caotica risulterà
la composizione.
L’obiettivo del designer è far sì che il punto focale sia l’inizio del percorso visivo
dell’utente.
Gerarchia
Lo spettatore deve comprendere la gerarchia delle informazioni. Per ottenere
questo risultato, bisogna creare un sistema di stili che indicano il livello
d’importanza che rimane coerente su tutta la composizione.
Questa impostazione ha lo scopo di rende chiaro l’ordine dei contenuti e con la
conseguenza di chiarire all’utente cosa dare priorità.
13.L’esploso della moka è la guida
visiva lungo il processo
Punto focale inizio del
flusso
Gerarchia
evidenziata dai font
Spazi che chiarificano i vari
segmenti
Sfondo con unasaturazione
media al fine di far risultare
sia l’esploso che i vari
elementi del processo
Sfondo con una
saturazione media al fine
di far risultare sia l’esploso
che i vari elementi del
processo
Alla fine del flusso
principale è posto il logo
arrow_upwardInfografica realizzata dalla Lavazza nel 2017 per la campagna pubblicitaria coffee hacks
14.Flusso
Lo sguardo dello spettatore deve essere guidato lungo le informazioni a partire
dal punto focale.
In certe circostanze ci possono essere anche più di un flusso, ma si consiglia
averne uno solo principale, e i secondari si devono aprire dal principale e la loro
lunghezza deve essere contenuta.
Questo principio si basa sul fatto che un percorso confuso, con svariati vicoli
ciechi, disincentivi l’utente a fruire di tutto il contenuto che si sta comunicado.
Storia
Le informazioni lungo i flussi, se raccontano una storia, tendono a rapire
l’attenzione dell’utente. Questo effetto si ottiene perché di norma, l’utente tende
a continuare un percorso anche se non lo aggrada, perchè desidera sapere che
cosa si trova alla fine di esso.
Ordine
Allineare, regolare i volumi e spazi, sono accorgimenti che non solo renderanno
visivamente più gradevole il progetto, ma se padroneggiati si renderà il viaggio
degli spettatori più chiaro e organizzato, in sostanza più fluido da percorrere.
Key message
Nelle composizioni del progetto è opportuno seminare dei messaggi chiave.
Nello sviluppo delle argomentazioni c’è il rischio di lasciare il messaggio libero
all’interpretazione, di conseguenza è opportuno evidenziare nei contenuti dei
concetti chiave con lo scopo di evitare interpretazioni personali dal punto di
vista dell’utente.
Armonia estetica
L’impatto estetico di un messaggio influenza l’interesse, il gradimento, l’umore
dell’utente. Oltre a quelli già citati, ci sono altri studi rilevanti da considerare che
influenzano l’estetica e la lettura del progetto:
Principi della Gestalt
Max Wertheimer insieme ai suoi allievi, all’inizio del XX secolo, ha avviato una
corrente psicologica incentrata sui temi della percezione e dell’esperienza.
Uno studio che mostra come l’uomo percepisce degli elementi visivi in
determinate condizioni:
• Simplicity (Semplicità) La percezione umana di una forma complessa, è
la sua forma più semplice.
• Similarity (Similarità) Oggetti simili gli uni agli altri appaiono raggruppati.
• Proximity (Prossimità) Oggetti che sono vicini tra di loro appaiono
raggruppati.
• Closure (Chiusura) La mente umana tende a riempire gli spazi e
visivamente li completa.
15.Punto focale inizio del
flusso
Sistema colori per
messaggio immediato
La truttura dell’unità del tempo dedicato da
informativa viene ogni personaggio
ripresa per realizzare
la legenda
Struttura getita a
moduli ripetuti
Per sfruttare al
massimo gli spazzi
è stato necessario
inserire una griglia
La fotografia funge da
scorciatoia visiva
arrow_upwardInfografica ralizzata dallo studio Info We Trust 2014
16.• Figure and ground (Figure e sfondo) Gli spettatori inconsciamente
separano gli elementi dallo sfondo, nel caso in cui lo sfondo e le figure
non siano ben distinte la percezione varia a seconda del punto focale.
• Continuity (Continuità) Occhi umani percepiscono continue le linee anche
quando ci sono delle aperture.
• Order and Symmetry (Ordine e Simmetria) Composizioni simmetriche
sembrano più complete e ordinate.
• Synchrony (Sincronia) Oggetti che si muovono nella stessa direzione
appaiono raggruppati.
Tipografia
Le font sono spesso un elemento trascurato, la selezione e l’accoppiamento di
esse può alterare rilevantemente la leggibilità e il tono dei contenuti.
Conoscere l’origine della font che si sta utilizzando è opportuno per evitare
situazioni scomode in futuro. L’esempio classico che mostra la criticità di
questa scelta, è la storia della font Comic San di Vincent Connare del 1994,
in poche parole il font essendo disponibile nel pacchetto Microsoft è stato
utilizzato in svariati contesti incoerenti tra loro, pur essendo di base concepito
per essere utilizzato nell’ambito dei fumetti. Ciò ha comportato ad un repulsione
per questo carattere.
Lo studio delle tipologie di font esistenti e dei dettagli che li caratterizzano,
comportano un miglioramento nello sviluppo del progetto.
teoria dei colori
La teoria dei colori è uno strumento essenziale per il designer, essi influenzano
fortemente il lato emotivo lo spettatore che si affaccia al progetto.
A loro volta sono pesantemente influenzati dal contesto, esempio il colore
rosso affiancato alla silhouette di una donna esprime sensualità, accostato ad
una tarantola esprime aggressività e pericolo.
La tonalità, la saturazione e la lucentezza sono le tre variabili che definiscono
un colore.
Oltre considerare il colore come elemento singolo, si studia come esso può
essere combinato.
Strumenti
Al fine di comunicare al meglio un messaggio, sono state studiate le
tipologie di informazioni e la forma che possono assumere. Questi mezzi
si possono riconoscere come significanti, ovvero elementi che l’uomo
interpreta in significati. Le varie forme di significati che si andranno analizzare
presenteranno dei pro e dei contro.
Illustrazioni
Hanno un ruolo di supporto alle nozione che si trasmettono.
Oltre a un valore estetico, questi elementi grafici possono dare uno spessore
emotivo al contenuto, e fungono da scorciatoie visive che riassumono il
messaggio.
17.Simboli
A differenza delle illustrazioni rappresentano un significato specifico, ma di
norma non stimolano una comunicazione emotiva.
Le icone sono simboli che riprendono l’aspetto di ciò che devono rappresentare.
Il significato dei segni può essere normato e dichiarato al fine di riassumere
concetti che si ripetono frequentemente nella composizione.
Grafici
Dati numerici comunicano quantità. Fintanto che i numeri sono nell’ordine di
grandezza delle centinaia è facile razionalizzarli. Tuttavia i valori estremamente
elevati sono difficili da idealizare e confrontare, la grafica può aiutare a
visualizzare queste informazioni astratte attraverso l’ausilio di supporti visivi:
• Diagramma cartesiano
• Grafici a Barre/Istogrammi
• Aereogrammi
• Ideogrammi
• Diagrammi polari
• Cartogrammi
Mappe concettuali e Diagrammi di flusso
In certe situazioni è opportuno evidenziare la relazione tra I vari concetti che
non sono unidirezionali. I testi sono strutturati per avere una progressione
lineare, pertanto le mappe concettuali sono supporti grafici che aiutano a
spaziare lungo un’altra dimensione.
Diagrammi di flusso sono una rappresentazione grafica delle operazioni da
eseguire per l’esecuzione di un algoritmo, di conseguenza a differenza delle
mappe concettuali hanno un flusso.
18.Motion Graphic
Questo termine nasce con la rivoluzione digitale e l’arrivo dei computer. Serve
per descrivere l‘animazione generata proceduralmente attraverso software.
Precedentemente l’animazione si realizzava manualmente disegnando
fotogramma dopo fotogramma (frame by frame).
La Motion Graphic o Computer Generated Animation (Animazione generata dai
computer), inizialmente nel 1900 era una tecnologia utilizzata principalmente
da grandi studi cinematografici, ma negli anni 80 e 90 si è avviato un processo
che a ridotto notevolmente I costi dei software e dei hardware necessari per
usufruire di questa tecnica, fino ad arrivare ai giorni d’oggi dove chiunque abbia
un computer può cimentarsi in questa tecnologia.
La più popolare forma di motion graphic, si è appropriata del termine keyframe
dall’animazione tradizionale. Questa nuova forma di animazione consiste
nell’impostare dei keyframe ovvero dei fotogrammi chiave con delle proprietà
definite, che in seguito si vanno modificare nel tempo, il software si occuperà di
realizzare tutti i fotogrammi intermedi.
Tecniche correlate
La motion graphic si trova spesso a collaborare altre tecniche, come le riprese
video, in poche parole conoscere le arti che si relazionano con la motin,
migliorano il prodotto finale.
Le basi del mondo cinematografico sono una conoscenza necessaria. Inoltre
è opportuno conoscere gli strumenti essenziali che permettono di convergere i
due mondi, tra i principali troviamo il camera tracking e il motion tracking.
• Camera tracking permette di riconoscere lo spostamento della
telecamera nella ambientazione. Ideale per immergere elementi estranei
nella scena.
• Motion tracking ci permette di catturare i movimenti di un elemento che si
sposta nell’inquadratura.
La motion graphic come tutte le tecniche ha dei limiti che spesso non è
possibile aggirarli, tuttavia nulla vieta al motion designer di sfruttare altre
tecniche di animazione. Di conseguenza è opportuno conoscere a grandi linee
le principali tecniche di animazione e i loro vantaggi e svantaggi.
• Animazione tradizionale (frame by frame) animazione che consiste nel
disegnare fotogramma dopo fotogramma un’animazione.
• Rotoscopio consiste nel realizzare animazioni disegnando sopra I frame
di una ripresa
• Stop motion consiste nel realizzare delle fotografie in modo tale da
creare l’illusione di un’animazione quando poi si andranno a mettere in
sequenza.
• Animazione 3D consiste modellazione e animazione di forme solide e
tridimensionali, al fine di essere renderizzate in video (questa tecnica
rientra nella motion grafica.
19.I principi dell’animazione
Due storici animatori della Disney Ollie Johnston e Frank Thomas hanno
pubblicato the illusion of life, una bibbia per il settore, e in questo libro
introducono i 12 principi dell’animazione.
Questi principi che sono stati pensati nel contesto dell’animazione tradizionale
frame by frame, sono stati recuperati dalla motion design, al fine di correggere
quella artificiosità che si mostrava nei primi progetti realizzati che risultavano
robotici e innaturali. Uno sguardo ai 12 principi:
Quash & Stretch
Gli oggetti quando si spostano nella realtà danno origine ad un effetto ottico
che li deforma sulla base della velocità e in base al materiale di cui sono
composti. Di conseguenza, quando si spostano gli elementi in una scena,
è necessario la trasformazione della loro scala. Questo principio ci aiuta a
percepire fisicamente il materiale senza toccarlo.
In aiuto a questo principio possiamo trovare altre tecniche:
il motion blur, ovvero la sfocatura di un oggetto che si sposta ad alta velocità.
Il ghost onion frame, ovvero durante lo spostamento di un oggetto lasciare il o
i frame precedenti con una lieve trasparenza, per far percepire una animazione
estremamente rapida.
Gli Smear o linee del vento, tecnica che consiste nel mostrare
temporaneamente le linee che definiscono la traiettoria dell’oggetto.
Anticipation (anticipazione)
Consiste nel realizzare uno movimento opposto prima che il soggetto compia
un’azione, serve per dare un indizio allo spettatore di che cosa sta per accadere.
Oltre ad essere una caratteristica che rendere più naturale e organico il
movimento di un soggetto, ha anche lo scopo di catturare l’attenzione su un
elemento della composizione prima che esso compia un’azione.
Stading (messa in scena)
Si sposa con i principi dello storytelling, si basa sul fatto che l’essere umano
non è in grado di seguire più azioni contemporaneamente (consiglio di andare a
guardare l’esperimento Selective Attention Test di Simon & Chabris del 1999).
La conseguenza di questa caratteristica umana, ci obbliga a organizzare gli
eventi in una scena in modo distinto e ordinato, bisogna definire una sequenza
agli eventi e regolarne l’intensità per guidare lo sguardo dello spettatore, al fine
di non confonderlo.
Oltre all’animazione ci sono varie tecniche della comunicazione che influenzano
questo principio come recitazione, tempismo, inquadratura e suoni.
Straight Ahead & pose to Pose
La motion graphic come detto in precedenza sfrutta principalmente un
processo simile alla pose to pose in cui, dati i key frame dal designer, il software
riempie i frame in mezzo. L’animazione Straight Ahead un tipo di animazione
che consiste nel disegnare un frame dopo l’altro.
Nei vari software si sono sviluppati nel tempo degli effetti e dei plug in che
realizzano animazioni Straight Ahead.
20.Quash & Stretch
Anticipation
Standing
Pose to pose & Straight ahead
21.Esempio, Particele world: Effetto che anima delle particelle a partire da una
sorgente senza determinare una posa finale, d’altro canto si impostano le forze
fisiche che vengono applicate e simulate.
Follow Through & Overlapping Action
Questo principio ci aiuta a prendere coscienza che certi elementi possono
essere correlati ad altri e con la conseguenza che certi oggetti subiscono
gli effetti delle forze indirettamente. L’esempio classico che si utilizza per
visualizzare al meglio questo effetto sono i capelli di un soggetto che corre che
si spostano in ritardo rispetto al soggetto perché trascinati da esso.
Questo aiuta il motion design a gestire ed a far percepire al meglio allo
spettatore la correlazione degli elementi di una composizione.
Arcs (Parabole)
In natura è raro che creature o oggetti si spostano lungo linee rette, è più
comune e naturale che sfruttano traiettorie ad arco.
Per le animazioni molto rapide composte da pochi frame che devono seguire
una traiettoria ad arco, è consigliato applicare una distorsione o degli Scream
(linee del vento).
Slow in & Slow Out
Questo principio astratto, nei software per realizzare la motion graphic viene
concretizzato negli easy ease e in veri propri grafici.
Questo principio ci fa notare come gli spostamenti ad una velocità costante
risultino artificiose e robotici. Pertanto la velocità di un elemento deve essere
gestita e impostata sulla base delle forze fisiche in gioco. Esempio classico, un
autoveicolo parte lentamente fino a raggiunge una velocità massima, in seguito
decelera gradualmente fino a fermarsi.
Timing
Questo principio insegna che la personalità e la natura di un’animazione è
fortemente influenzata dal numero di fotogrammi inseriti in mezzo ad ogni
azione principale.
Questo fattore può davvero stravolgere la medesima animazione, ne determina
ovviamente la fluidità ma soprattutto influenza il messaggio finale.
Un esempio per assimilare al meglio questo principio può essere una persona
che appoggia una scatola, se la persona è arrabbiata l’appoggia lentamente
la scatola con una lieve decelerazione finale ci comunica che nonostante lo
stato alterato della persona essa dimostra di essere in grado di controllare le
proprie emozioni. Al contrario se velocizziamo l’animazione e si interrompe
brutalmente, ci comunicherà che lo stesso soggetto è una persona iraconda.
22.Follow Through & Overlapping Action
Arcs
Slow in & Slow Out
Timing
23.Secondary action
La definizione originale lo pone in un contesto di gesti.
“Le Secondary Action sono gesti che supportano l’azione principale e aggiungono
più dimensione al personaggio animato” - Ollie Johnston.
Tuttavia è dimostrabile che si possa utilizzare questo principio anche in contesti
in cui vi è protagonista della natura morta.
Prendendo in considerazione un veicolo che deve andare dal punto A al punto
B. Un movimento fluido del veicolo ci comunica solamente lo spostamento del
mezzo:
Alterare la fluidità dell’animazione rendendola discontinua, comunicherà che il
veicolo è guasto.
Aggiungendo una azione secondaria, il veicolo lascia un fumo nero attorno
e dietro di se, ci comunicherà che il veicolo è un oggetto inquinante e
correlandolo al suo movimento instabile darà la senzazione di essere guasto.
Le Secondary Action tuttavia devono essere percepite secondarie, per evitare
confusione come definito nel principio dello standing. Il segreto per mantenerle
tali è contenerle e mantenerle costanti (variazioni brusche o incostanti
distraggono l’attenzione dello spettatore).
Exaggeration
Questo principio affronta il problema che spesso sorge quando si cerca di
animare un oggetto in maniera realista, ovvero che potrebbe risultare in una
azione anonima e priva di spessore.
Poniamo per esempio una raffineria e si vuole comunicare la mole di sostanze
negative che immette nell’atmosfera, se la sviluppassimo secondo un’ottica
realistica ci sarebbe solamente del fumo grigio che esce dalle ciminiere, ma
se volessimo trasmettere un senso di pericolo allo spettatore dovremmo
enfatizzare l’animazione, facendo sudare agli edifici del fumo nero da tutte le
direzioni.
Solid drawing
Il principio che spinge a dare profondità alle illustrazioni animate.
Ci aiuta a dare consistenza agli elementi nella composizione, tuttavia questo
principio può essere trascurato, perché certi contesti possono richiedere che
le animazioni siano prive di spessore, per esempio se un azienda ha un’identità
visiva piatta, dare profondità alle illustrazione potrebbe suscitare incoerenza.
La profondità nella motion graphic si può esprimere sfruttando il fenomeno del
parallasse.
Appeal
Principio che consiglia di rendere accattivanti le animazioni. Questo principio
non si segue, ma si conquista nel tempo, con l’esperienza si acquisisce la
coscienza di cosa funziona.
Per comprendere il senso si questo o principio è consigliato esplorare l’arte del
character design.
24.Secondary action
Exaggeration
Solid drawing
Appeal
25.Software Pro e Contro
I software più comuni per concretizzare progetti in motion graphic sono After
effects per la composizione delle clip e premier per il montaggio video.
I due programmi pur essendo molto simili e avendo la maggior parte degli
strumenti in comune, hanno delle caratteristiche che li rendono ottimali in
determinate situazioni.
After Effects
è un programma di video compositing, ovvero un programma con il fine di
rifinire le varie scene di un video, e nel caso della motion graphic animare le
singole scene.
Questo programma ha una struttura verticale, ovvero è ottimizzato per
gestire in una scena più eventi e più effetti al fine di convergerli in una singola
composizione.
La sua struttura rende il programma molto pesante per il computer che lo regge
ed è molto scomodo per il motion designer che deve lavorare su lunghi video,
perché alla fine del progetto si troverà una lista lunghissima di livelli da gestire.
Premier
È un programma di video editing, pertanto ha una struttura che organizza le
varie composizioni orizzontalmente, rendendo più semplici gestire lunghi video
con numerose clip che possono anche essere tutte impilate in un unico livello.
Il programma ha qualche strumento in meno rispetto ad After effects, ma
questo sacrificio rende il programma molto più leggero con la conseguenza che
con esso è possibile sostenere progetti anche della durata di un film.
Naturalmente anche le anteprime del video che si sta montando saranno più
fluide e rapide.
Animate
Non sempre è possibile realizzare animazioni fluide solo con la motion graphic
e in situazioni specifiche può diventare necessario l’utilizzo della tecnica frame
by frame.
Animate arriva in soccorso ai software precedenti, di fatto questo programma
ha anche una struttura per realizzare animazioni in motion graphic, e
combinabili alle animazioni classiche, che nel programma si definiscono come
Simboli Grafici.
Illustrator e Photoshop
Sono i due programmi principali per creare il materiale di base che verrà in
seguito animato su After effects.
I vantaggi di Illustrator è il fatto che gli elementi grafici generati attraverso
questo software sono vettoriali, ciò comporta che questo materiale all’interno
dei programmi di video compositing possa essere trasformato e distorti senza
il rischio di perdere la qualità del materiale. Il contro di illustrator è la freddezza
del materiale, che in certi contesti può essere esteticamente sgradevole, ci
sono comunque effetti e plug in che creano del rumore per dargli un aspetto
che da l’illusione di essere stato realizzato a mano.
Tuttavia non per forza il materiale vettoriale risulta freddo esistono delle
26.eccezioni, per citarne un caso Felix Colgrave.
Il materiale che si genera attraverso Photoshop è di tipo raster (bitmap) con
la conseguenza che trasformazioni e distorsioni comportano in una perdita
sostanziosa della qualità.
Tuttavia essendo il materiale realizzato con photoshop in genere risulta essere
molto più espressivo e umano. Le linee realizzate con photoshop sono ruvide e
hanno uno spessore che varia, ci sono strumenti che possono emulare queste
proprietà su illustrator (width tool), tuttavia il risultato finale non è ancora
paragonabile.
27.Expression
Quando si realizzano animazioni di scene complesse, ci può essere la necessità
di dover gestire svariati elementi, le Expression sono delle righe di codice che ti
permettono di programmare l’animazione e applicarla ad vari livelli.
Il linguaggio di programmazione di After effects si basa su JavaScript, è un
kit costruito ad oggetti. I vari elementi presenti nel software come livelli,
composizioni, clip video, testi, telecamere sono oggetti definiti da proprietà.
Le varie proprietà che definiscono un’immagine sono posizione, scala,
rotazione, opacità, punto di ancoraggio. Se le immagini sono vettoriali ogni
singolo punto è a sua volta descritto.
Bisogna chiarire anche la differenza tra script e expression. Lo script sono
linee di codice che vanno ad agire sul software, dandogli degli ordini, mentre le
expression sono comandi che vanno applicati direttamente sul livello e vanno
ad agire sulle sue proprietà.
Vantaggi
Questa tecnica presenta svariati vantaggi, come il risparmio di tempo, le
Expression permettono di automatizzare delle azioni, il rimbalzo di una palla
può essere programmato e applicato, si evita di dover scegliere i fotogrammi
chiave e gestire le curve delle velocità.
Con questo strumento è possibile creare delle variabili per controllare più livelli.
Per esempio nel caso in cui si volesse rappresentare e animare un cielo stellato
è possibile creare delle variabili mastro che permettono di controllare il colore
di tutte le stelle e la frequenza con cui lampeggiano.
Le Expression danno la possibilità di legare diverse proprietà o animazioni. Se
un’azione è la conseguenza di un’altra, invece di animare entrambi gli eventi, si
può definire come uno oggetto agisce in relazione dell’altro, per poi andare a
spostare solo uno dei due.
Tutte le linee di codice possono essere conservate e riutilizzate in altri contesti,
eliminando del lavoro futuro.
28.Social media marketing
Una professione che si è sviluppata negli ultimi due decenni, è sfrutta i social
media per promuovere prodotti o servizi.
I social media si possono definire come piattaforme online in cui gli utenti
condividono contenuti testuali, immagini audio e video. Il vero servizio di queste
attività è l’intrattenimento, ricavato dallo stesso materiale che gli utenti stessi
caricano.
Il materiale visualizzato dagli utenti si basa su un algoritmo, ovvero un
programma che sceglie i contenuti in cui il soggetto si imbatte sulla base dei
suoi gusti e degli argomenti di tendenza.
Le aziende possono pagare per inserire pubblicità nel flusso di contenuti che
l’utente incontra. Tuttavia al posto di investire, le aziende possono seguire
un’altra strada per comunicare con il target all’interno della piattaforma.
L’obiettivo social media manager, è mantenere attiva la pagina dell’azienda di cui
si occupa, al fine di far spiccare i contenuti rilasciati dalla stessa.
Per far crescere e mettere in rilevanza l’azienda il social media manager deve
seguire dei principi fondamentali, i quali fanno leva sul algoritmo su cui i social
si basano.
Unicità
Più che concentrarsi nel seguire le mode si dovrebbe trovare una nicchia non
esplorata. Le caratteristiche uniche fanno sì che gli utenti le trovino quando
eseguono delle ricerche specifiche.
Costanza
Un ritmo costante viene notato dagli utenti ma anche dall’algoritmo che tende a
promuovere pagine social che si dimostrano attive.
Interazione
Correlare i contenuti che si generano a delle parole chiave, le quali si possono
classificare in tre principali categorie: Classico, Tendenza e Mirato.
Community
Persone attive, che si relazionano con la pagina aumentano la possibilità di
connettere nuovi utenti.
Collaborazioni
Cooperare con pagine social che trattano tematiche in comune, con il fine di
stimolare lo scambio dei seguaci.
Coerenza e Rinnovo
Pubblicare contenuti coerenti con la pagina social per mantenere il pubblico
che si è conquistato. Allo stesso tempo cercare di rinnovarsi per conservare
l’interesse e attirare nuovi utenti.
29.30.
Casi Studio
Per ogni caso studio è presente un’introduzione del committente
del video e del commissionario, che in certi casi sono la stessa
azienda.
L’analisi di ogni singolo caso studio si basa sul video e sull’identità
visiva dei soggetti.
L’obiettivo dell’analisi è rilevare i pro e i contro di ogni video sulla
base delle animazioni, della composizione, del suono e delle
informazioni.
La critica si pone nella maniera più oggettiva possibile,
evidenziando le tecniche rispettate e applicate.
La scarsa qualità di alcuni casi studio, non deve essere per forza
vista sotto un’ottica negativa. Non sono di fatto conosciuti i budget
e le tempistiche dei casi studio, per tanto è impossibile avere una
visione completa di ogni singolo progetto.
31.Guy downes
Studio di comunicazione visiva che si occupa principalmente di consulenza, al
fine di aiutare le organizzazioni a connettersi e interagire con in pubblico che le
interessa.
Lo studio dimostra di essere eccellente nel campo del visual storytelling.
La caratteristica che rende questo caso studio meritevole di attenzioni, non è
tanto la padronanza nello Scribing, quanto l’abilità di convergere questa tecnica
con la motion graphic.
Su internet, la forma più comune di Scribin si pone come una scelta stilistica.
ovvero si mostrano delle illustrazioni che rappresentano i concetti narrati
mentre vengono disegnate .
I progetti realizzati da Guy downes, ci indicano un metodo che riprende tutti i
vantaggi dello scribing classico, ovvero disegna in uno spazio bidimensionale
collegando tra loro i vari elementi rappresentati . Nella conclusione dei suoi
video valorizza il lavoro attraverso una panoramica che mostra per intero la rete
dei disegni realizzati e i legami del tema trattato.
Si rileva in questo progetto un’alternanza tra lo sviluppo delle illustrazioni
disegnate a mano e le animazioni digitali. Il risultato è una accattivante simbiosi
tra scribing e motion graphic,
In certi segmenti del video le tecniche si applicano contemporaneamente, con
disegni appena realizzati che vengono immediatamente animati anche prima
del completamento dell’illustrazione.
32.Fondatore dello studio Realizzano anche
illustrazioni e fumetti
Posizionamento manuale Animazioni combinate con lo
degli elementi nella Scribing
composizione
Scribing registrato con A fine del video, mostra il
un basso frame rate e poi lavoro completo
velocizzato
33.Ted-Ed
TED è un’organizzazione no profit fondata nel 1984 a New York da Richard Saul
Wuman.
L’obiettivo della Fondazione TED è favorire la diffusione di grandi idee. Mira a
fornire una piattaforma per pensatori, visionari e insegnanti, in modo che le
persone in tutto il mondo possano acquisire una migliore comprensione dei
maggiori problemi affrontati dal mondo e alimentare il desiderio di contribuire a
creare un futuro migliore.
Dalla fondazione si sviluppa Ted-Ed, che è un’iniziativa con l’obiettivo di
comunicare conoscenza che merita di essere diffusa, con una forma più diretta
e sintetica.
I video hanno sempre una durata inferiore ai 10 minuti, sono realizzati da
numerosi studi volontari. Agli studi di animazione che hanno contribuito
alla realizzazione dei contenuti, non è stato imposto un codice visivo da
rispettare, per tanto il canale you tube di Ted-Ed mostra un’infinità di stili e di
tecniche di animazioni e di info-grafica. L’unica correlazione tra queste pillole
di conoscenza sono l’intro che mostra il logo di Ted-Ed e subito dopo una
citazione che si correla al contenuto che verrà esposto in seguito. La sigla è
l’unico elemento che non ha subito la minima variazione dall’esordio del canale
nel 2012.
Questa strategia ha indebolito l’identità visiva del progetto, tuttavia questa
mancanza viene compensata dagli ideali dell’associazione che diventano
l’identità che la rende riconoscibile e indelebile ad ogni curioso che si imbatte in
uno di questi video.
A causa della natura del progetto, è impossibile criticare i video informativi
come un collettivo.
34.Intro dei video, uomo che pensa
alle i idee che meritano di essere Manifesto del gruppo che
diffuse si occupano di finaziare
i video
Sfrutta il principio del Illustrazione solide,
contrasto sfruttano la prospettiva
Inquadrature e transizioni Tonalità e contrasto dei
cinematografiche colori per veicolare
l’umore
35.Kurzgesagt
Traducibile in italiano con in poche parole è uno studio di animazione fondato
da Philipp Dettmer, che si occupa principalmente di divulgare conoscenza
rimanendo il più oggettivi possibile.
Kurzgesagt nel concreto, è uno studio formato da circa 30 dipendenti situato in
Munich in Germania.
Lo studio si basa su video indipendenti che durano in media circa 10 minuti
l’uno e trattano degli argomenti più vari , come scienza, politica, filosofia e
psicologia.
Lo studio si sostiene attraverso il supporto e le donazioni dei propri sostenitori,
in base alla cifra donata, si ottengono vari premi. Uno dei premi che si possono
ottenere è quello di possedere un proprio avatar, versione uccellino con lo stile
grafico di Kurzgesagt, inoltre c’è la possibilità che questi avatar possano essere
inseriti nei video.
La strategia che gli permette di sostenersi e di spiccare rispetto ad altri studi, è
un sistema che rilascia i video solo dopo un attento studio del tema che devono
trattare. Il risultato è la conquista della fiducia del loro pubblico che è certo che i
contenuti rilasciati dallo studio sono affidabili.
La parte visual ha giocato un ruolo chiave per la crescita e la stabilità del
loro sistema. Il loro brand ha dei dettagli che lo rendono unico, e la scelta di
utilizzare degli uccellini rappresentati con colori accesi e in forme geometriche
semplici come mascot, ha reso loro marchio iconico.
Utilizzano colori con saturazioni molto elevate, le forme sono semplici e pulite
senza l’utilizzo di linee di contorno (outline).
Grazie all’utilizzo delle parallassi e delle luci ed ombre, quando necessario,
riescono a dare profondità alle scene.
Nei loro video nonostante l’utilizzo di colori con saturazione elevata, riescono a
mantenere l’armonia, contrapponendo a questi colori accesi dei neri.
Un altro dettaglio che spicca è come nei loro video i grafici si fondono con le
illustrazioni, mantenendo la leggibilità.
Sotto il punto di vista delle animazioni, si può notare un corretto utilizzo dei
principi dell’animazione, nonostante le forme geometriche delle illustrazioni le
animazioni appaiono fluide e naturali.
Un altro dettaglio interessante è che nonostante il vincolo dettati dall’identità
visiva di Kurxgesagt riescono a comunicare emozioni e stati d’animo, il video
intitolato loneliness è un ottimo esempio.
36.Fondatore della dello Alcuni degli avatar dei
studio sostenitori dei video
Figure geometriche e Infografiche suggestive
colori con saturazioni accompagnate da
elevate animazioni
Utilizzo di tecniche di Grafici e dati oggetti
visual storytelling non fraeintendibili
37.Vox
É un giornale online che gestisce l’omonimo canale youtube.
Il canale, oltre a trattare le news, ha optato per una strategia promozionale
la quale consiste nel realizzare video informativi che trattano argomenti di
interesse comune.
L’identità visiva di Vox ruota attorno al logo e il giallo (#fff200). Colore che
cercano di utilizzarlo il più possibile in ogni loro progetto e lavoro.
Il mood dei loro video è diventato talmente iconico e piacevole da fruire che
Netflix ha avviato una collaborazione, dando vita alla serie in poche parole. Una
serie che tratta in modo riassuntivo di curiosità.
I loro video sono un caso studio rilevante perché si gestisce con la motion
graphic, illustrazioni sia vettoriali che raster e video in una composizione che
risulta coerente e accattivante.
Nonostante i loro video siano principalmente un susseguirsi di illustrazioni
statiche, si percepisce costantemente il movimento. Questa percezione è
dovuta al fatto che la scala di tutte le illustrazioni presenti nel video vengono
ridimensionati leggermente continuamente, e tutti gli elementi animati (note,
aree evidenziate, frecce ed altri dettagli inseriti) si scalano in relazione.
Il tratto distintivo dei video della Vox, è lo stile che ricorda il movimento
artistico Dadaism, con elementi e tratti stilisticamente non correlati, ma che
nell’insieme rendono l’effetto collage d’immagini da riviste e giornali. Il risultato
è che nonostante convergono nei loro corti illustrazioni e video di varie epoche
e di stili diversi, il tutto continua a risultare gradevole visivamente.
L’altra scelta stilistica che funziona in questo ambiente, sono le animazioni che
simulano una persona che lungo il video si appunta delle note ed evidenzia
elementi interessanti.
Deve essere tratto anche il sound design, i video nonostante durano poco
circa 5 minuti l’uno, vi è una cura del lato uditivo di fatto sono presenti diverse
soundtrack e vari effetti sonori.
38.Identita visiva che si basa sul Progetto in collaborazione
colore giallo evidenziatore con Netflix
Combinazione di vari Utilizzo del prorpio
risorse visive colore per evidenziare
concetti importanti
Impatto visivo simile Soluzioni creative per
al movimento artistico inserire materiale di
dadaism bassa risuluzione
39.Wired
È una rivista cartacea e online, che tratta le tematiche inerenti all’innovazione e
alla cultura digitale.
Nel 2005 si espande aprendo un canale youtube, inizialmente trattava
argomenti inerenti alla tecnologia, ma con il passare degli anni ha iniziato a
spaziare.
Wired nella primavera del 2016 lancia un nuova serie di video intitolati Answers
The Web’s Most Searched Questions. Questo nuovo format consiste nel far
rispondere a persone famose, le domande più comuni ricercate su Google che
riguardano il personaggio trattato. Questa serie si diramerà in una variante del
format, chiamata Tech Support.
Il titolo Tech Support non implica che i temi trattati siano per forza riguardanti
la tecnologia, di fatto all’inizio di ogni video, il logo con una leggera animazione
di meno di 3 secondi cambia il vocabolo Tech, nell’etichetta che rappresenta al
meglio il tema trattato.
La fase pre video consiste nel chiedere ai seguaci di Wired di proporre delle
domande su un determinato argomento. Il team di Wired si occuperà di
selezionare le domande più interessanti, ma spesso anche le più divertenti, al
fine di porle ad un volto noto, esperto del settore.
La composizione della scena rimane coerente negli episodi, un piano medio
rispetto all’esperto che si trova seduto su una scrivania, la quale è arricchita con
oggetti attinenti al tema trattato. Lo sfondo è sempre una tinta unita di bianco.
Questo format pur non avendo tratti così distintivi, e pur essendo stato emulato,
è diventato negli anni, un’icona della realtà di Wired.
La motion graphic ha un ruolo pulito nella scena, si occupa di far visualizzare
visivamente la domanda che viene posta.
L’impostazione grafica è un’emulazione della user interface del social
twitter alfine di rendere chiaro all’utente qual è il mezzo per porre i quesiti.
L’animazione e l’effetto sonoro che introducono visivamente il quesito, rendono
chiaramente l’idea che la domanda sia stata scritta e pensata da una persona
comune.
L’elemento di successo di questa serie probabilmente è che le domande poste
sono naturali, a volte risultano anche sciocche e divertenti. Il programma non
punta a dare un vera e propria cultura allo spettatore, ma sembra che il suo
intento sia quello di rispondere a dei dubbi comuni, incuriosendo gli spettatori.
Questo format rende le tematiche trattate godibili anche da spettatori che non
devono per forza essere interessati all’argomento.
40.Utilizzo di mappe cuncettuali e di
diagrammi di flusso
La rivista di Wired
Logo che si adatta Riprende l’interfaccia di
in base all’ospite e Twitter
all’argomento
Ospiti famosi che divertono Ospiti spesso esperti nel
lo spettatore oltre a dare tema trattato
risposte
41.Il Lato positivo
È un canale youtube italiano attivo dal 2018, si occupa di divulgazione tramite la
realizzazione di video di una durata tra circa 5 e i 10 minuti.
Tutto il materiale informativo che rilasciano è privo di fonti, non è possibile in
alcun modo vedere l’attendibilità dei contenuti rilasciati. Il canale non ha un sito
internet, né altri portali online correlati.
Non possiede un’identità visiva. Fatta eccezione del intro non si rilevano dettagli
grafici che possono ricondurre al loro brand, e solo da pochi mesi hanno iniziato
a posizionare il loro logotipo in alto a destra nei loro video.
Le illustrazioni utilizzate sono scoordinate, tutto il loro materiale sembra essere
preso da siti stock.
Le animazioni sono incoerenti, e risultano robotiche e innaturali. Ai soggetti
quando fermi in scena gli vengono applicate delle animazioni in loop, scelta che
va contro i principi dell’animazione.
Nonostante tutti i problemi elencati, il canale possiede ben 2,5 milioni di iscritti,
e alcuni dei loro video superano 1 milione di visualizzazioni.
Di fatto la strategia applicata da questo sito è quantità al posto della qualità,
sfruttano la motion graphic per realizzare video rapidamente con un risultato
grezzo. Riescono di conseguenza a pubblicare circa 2 video in media al giorno.
Probabilmente questa strategia fa leva sul algoritmo di youtube che premia il
canale per l’elevata mole di contenuti che rilascia. Inoltre, probabilmente, grazie
all’ampia varietà di contenuti, la probabilità di imbattersi casualmente in questo
canale sono elevate.
42.Non possiede un vero logo, Realizzano anche illustrazioni e
ha un’icona di una lampadina fumetti
Illustrazioni icoerenti tra Le font cambiano
di loro all’interno del video senza
una logica
Non riportano le fonti Composizioni difficili da
interpretare e da leggere
43.GCF Learn Free
Il sito GCFLearnFree.org è un programma della Goodwill International,
un’associazione no profit che si occupa della formazione per il mondo
lavorativo, e della selezione del personale per le aziende.
Nello specifico, questo progetto provvede nel fornire delle video lezioni gratuite
attraverso il loro sito ed altri social.
Le lezioni hanno l’obiettivo di orientare gli spettatori nel mondo del lavoro e di
fornire le competenze basi richieste nel settore di loro interesse.
In questo sistema vi è anche una sezione dedicata alla creatività e al Graphic
design, in cui oltre a spiegare le fondamenta di questo settore, condivide dei
consigli per sviluppare le soft skills dello spettatore.
Il progetto non mostra una identità visiva, i contenuti, pur essendo
discretamente coerenti graficamente, di fatto mancano delle caratteristiche che
rendono riconoscibile il progetto.
Fattore rilevante del caso studio è che il sito, e di conseguenza anche tutti
i loro portali social, non è un sistema chiuso, ma è aperto perché fornisce
collegamenti esterni verso tutto il materiale presente su internet che ritengono
utile allo spettatore.
Questa caratteristica rileva come il progetto sia incentrato sulla formazione
dell’utente, anche al costo di indebolire l’identità del progetto.
Il video Everyone can Be Creative a primo impatto può risultare graficamente
piacevole e con delle animazioni fluide, ma con lo scorrere dei secondi si
percepisce freddezza.
Le illustrazioni sono piatte e le linee di contorno sono fredde, scelta che
probabilmente è veicolata dalla volontà dei designer di rimanere visivamente
coerente con gli altri contenuti, tuttavia trattando un contesto riguardante la
creatività, questa accortezza risulta essere una limitazione pesante.
Le animazioni per quanto rispettino adeguatamente il principio dello slow in and
slow out, non rispettano altri principi dell’animazione.
44.Fondazione per il lavoro che
supporta il canale youtube
Stistema visivo e di colori che
rimane coerente di vidio in video
Utilizza transizioni Rappresentazione di
accattivanti che danno concetti astratti
continuità al video
Composizioni che si Illustrazioni piatte e
concentrano su quello che vettoriali, a favorire le
si vuole comunicare animazione
45.The fallen of WWII
Progetto indipendente, realizzato da Neil Halloran programmatore e film maker,
il quale rappresenta i caduti della seconda guerra mondiale.
The fallen of World War II è un documentario interattivo, che esamina la
seconda guerra mondiale sotto un punto di vista del prezzo di vite umane che è
stato pagato.
L’ispirazione e le fonti per la concretizzazione del corto sono derivate in parte
dal libro The Better Angels of Our Nature di Steven Pinker.
Il documentario evidenzia le morti di soldati e di civili, attraverso dei grafici
interattivi. I numeri delle vite perse nella guerra, sono talmente elevate che sono
difficili da percepire, gli istogrammi presenti sono realizzati in maniera tale che
l’utente comprenda la gravità dell’evento.
Questi grafici che si compongono, combinati con un’impostazione cupa e
drammatica, oltre le quantità trasmettono un senso di angoscia.
Al documentario segue una narrazione lineare, e consente agli spettatori
di fermarsi nei momenti chiave per interagire con i grafici e approfondire le
informazioni.
Questo video è stato principalmente realizzato attraverso la programmazione, e
non solo le parti interattive ma anche le animazioni si basano su linee di codice.
Pertanto il video è stato corretto dopo i primi feedback degli storici che lo hanno
visionato, inoltre il creatore ha dichiarato che il video può essere aggiornato,
nel caso in cui dovessero emergere ulteriori informazioni riguardo alla tematica
trattata.
Il creatore oltre ad aver realizzato il video, si è occupato anche di registrare il
voiceover del video.
I progetti realizzati da Neil Halloran si sostengono grazie ai finanziamenti e le
donazioni dei suoi sostenitori. Tuttavia i suoi seguaci non si possono definire
una vera propria community, non essendoci interazioni tra di essi.
46.Possibilità di scegliere Progetto che ha vinto premi come
il video interattivo documentario
Infografiche suggestive Grafici ciari, nella
che non si limitano a versione interattiva danno
dare fornire dati ulteriori info
Crea e spiega le icone Combinazione
tra infografica
e illustrazioni
47.48.
lo stato
dell’arte
Professione creativo è stato progetatto dallo studio Mekit
nel 2019, pertanto è stato essenziale studiare le origini di
quest’organizazione.
Il progetto presentava una sua visual identity, e dei materiali
realizzati per migliorare l’esperienza degli utenti che hanno
partecipato al primo evento in loco.
Molti di questi elementi visivi sono stati ripresi e il materiale
realizzato si è sviluppato seguendo le line guida ricavate dallo
studio degli stessi.
49.Posizionamento manuale
degli elementi nella
composizione.
Posizionamento manuale degli
elementi nella composizione.
Orientare Condividere
Orientare Condividere
Orientare Condividere
50.Professione creativo
È un progetto no-profit a cura dello studio di comunicazione Mekit e ha l’intento
di fornire spunti pratici e contenuti utili ai giovani designer che si affacciano al
mondo del lavoro.
Il progetto nasce nel settembre 2019 come iniziativa all’interno dei Graphic Days
Torino - In The City, il festival internazionale della creatività, della comunicazione
visiva e della sperimentazione grafica.
Mekit
Una cooperativa no profit, perché reinveste gli utili nello sviluppo dell’attività,
con sede a Torino, che si occupa di marketing e comunicazione per aziende,
enti e organizzazioni. Lo scopo dello studio è quello di concretizzare anche il
progetto più ambizioso, attraverso un metodo semplice.
È una cooperativa, una squadra che cresce assieme, cercando di assecondare il
più possibile le inclinazioni e le aspirazioni personali.
I valori
Duranti lo studio del progetto sono emersi dei principi che l’organizzazione mira
a soddisfare:
• Fare luce al futuro dei giovani designer e assisterli nelle loro scelte.
• Condividere le conoscenze e rispondere alle domande che si pongono.
• Fornire critiche costruttive e consigliare fonti e approfondimenti.
• Fornire un ambiente in cui chiarire i dubbi e dove riflettere assieme ai
professionisti.
• Creare contatti e offrire opportunità.
• Ricevere e dare, stimolare un ambiente altruistico.
51.Logo con alcuni degli elementi Bigliettini da visita con consigli visivi Pannelli per gli eventi in loco, Location del primo evento, ovvero con le risposte dei professionisti lo studio di Makit Pagina facebook del l’oranizzazione Sito internet 52.
Identità
Il progetto presenta una identità, gli elementi che la compongono sono due
famiglie di font, un san serif, Roboto e un monotype, Roboto Mono, e una
tricromia basata dal colore giallo (#FEDB00), un nero freddo (#2d2e36) e il
bianco bianco(#ffffff). Altro elemento caratterizzante sono un set di pattern,
utilizzati per variegare gli sfondi.
Tra il materiale già presente, vi erano delle linee guida per l’interfaccia utente
e il sito internet. Il portale online è stato realizzato con lo scopo di riprendere
l’aspetto fisico del progetto, ovvero alcune sezioni del sito sono state composte
con l’idea di emulare un muro su cui sono state poste delle carte.
Sono stati progettati una serie di pannelli, ideati per l’evento in loco l’obiettivo
di questi strumenti era quello di organizzare i consigli dei protagonisti per
argomento.
Sempre per l’ambiente degli eventi in loco, sono state realizzate delle cartoline e
dei biglietti da visita che oltre al loro scopo di base avevano anche l’obiettivo di
fornire un promemoria o un consiglio fisico da condividere.
53.Puoi anche leggere
