19.09.2020 13.12.2020 Parte del circuito-Collezione Giancarlo e Danna Olgiati
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19.09.2020
– 13.12.2020
Parte del circuitowhat’s new? 2020
what’s new?
francesco arena
2020
Torre Santa Susanna, Brindisi, 1978
Le opere di Francesco Arena prendono le mosse dalle forme geometriche
tipiche della Minimal art e da quelle più archetipiche dell’Arte povera.
La sua ricerca si muove spesso lungo due binari – quello della storia
collettiva, in particolare nazionale, e quello della storia personale – che
formano due linee che si toccano, si sovrappongono, si incrociano. Arena
s’impone sempre all’inizio una regola da seguire, un dato che rimane un
punto fermo nel processo di produzione dell’opera, come nel caso di “Passo
doppio” (2016), qui esposta, costituita da due barre di bronzo lucidato a
specchio ognuna di cm 68 × 10 × 10, unite tra di loro a formare un angolo
retto. La distanza tra la città di Bodrum in Turchia e il confine austriaco è
di 1449 km, quella tra Bodrum e il confine siriano è di 826 km. Sommando
queste due distanze si ottiene quella che i profughi siriani percorrono
per arrivare in Europa. Bodrum è una sorta di curva sul loro cammino. In
prossimità dell’unione delle due barre è inciso: × 2.130.691 e × 1.215.720.
Moltiplicando le cifre incise sulla barra per la lunghezza della barra,
corrispondente a un passo dell’artista, si ottiene la distanza che separa
Bodrum dal confine austriaco e un’altra volta la distanza che separa
Bodrum dal confine siriano. Artista di fama internazionale, Arena ha preso
parte a mostre collettive presso diverse istituzioni pubbliche e private
come il Magasin a Grenoble (2010), la Triennale di Milano (2015), il Museo
MADRE di Napoli (2017) e il Kunstmuseum di San Gallo (2018).
Francesco Arena’s works are inspired by the typical geometric forms
of Minimal Art and the more archetypal ones of Arte Povera. His
experimentation often follows dual paths – that of collective, and
francesco arena particularly national, history and that of personal history – which form
passo doppio, 2016 two lines that touch, overlap and intersect. Arena always starts by setting
bronzo
himself a rule to follow, which remains a cornerstone in the process of the
bronze
10 × 68 × 68 cm work’s production. This can be seen in the work on display here, “Passo
doppio” (2016), constituted by two mirror-polished bronze bars, each
measuring 68 × 10 × 10 cm, joined to form a right angle. The distance
between the city of Bodrum in Turkey and the Austrian border is 1,449
km, while the distance between Bodrum and the Syrian border is 826 km.
Adding these two figures together gives the distance that Syrian refugees
must cover to reach Europe. Bodrum is a sort of curve on their path. Near
the point where the two bars meet, the artist has engraved the figures x
2,130,691 and × 1,215,720. Multiplying them by the length of the bar itself,
which corresponds to the length of the artist’s step, gives the distance
from Bodrum to the Austrian border and the distance from Bodrum to the
Syrian border respectively. Arena is an internationally renowned artist,
who has participated in collective exhibitions at various public and private
institutions, such as Le Magasin in Grenoble (2010), the Milan Triennale
(2015), the Museo MADRE in Naples (2017) and the Kunstmuseum in St
Gallen (2018).
10 11what’s new?
stefano arienti
2020
Asola, Mantova, 1961
Stefano Arienti vive e lavora a Milano, dove si è laureato in Scienze
Agrarie. Intraprende la sua formazione artistica al Politecnico sotto la
guida di Corrado Levi, per poi proseguire il proprio percorso in modo
autonomo. L’inizio della sua carriera artistica si colloca intorno alla metà
degli anni Ottanta. I suoi lavori hanno spesso come punto di partenza
oggetti provenienti dalla cultura di massa, che l’artista modifica attraverso
semplici gesti; trasforma una pagina di una rivista in un’onda del mare, un
elenco del telefono in un vaso, una diapositiva in un dipinto. Così come per
gli oggetti di uso comune, allo stesso modo Arienti attinge ad immagini
tratte dalla storia dell’arte, sulle quali interviene con svariate tecniche
stefano arienti
macchia verde, 2019 quali la punzonatura, l’incisione, il cucito o la pirografia. Nell’opera qui
stampa digitale su microciniglia esposta, “Macchia verde” (2019), l’immagine scattata da Arienti stesso
digital print on microchinilla
riproduce il particolare di un tronco stampato su micro ciniglia; l’artista
210 × 154cm
rielabora con intima eleganza il soggetto naturalistico rappresentato,
dotandolo di una nuova aura. Stefano Arienti ha esposto in importanti
istituzioni nazionali e internazionali, tra cui il Museo MAXXI di Roma (2004,
2011), il Museum of Contemporary Art di Chicago (2009), il Musée d’Art
Moderne di Parigi (2013), il MOCA di Cleveland (2016), la Collezione Gori di
Pistoia (2016), il Museo Nazionale del Bargello a Firenze (2017) e i Chiostri
di Sant’Eustorgio a Milano (2019). Ha partecipato alla sezione “Aperto”
della Biennale di Venezia (1990 e 1993) e alla Biennale di Istanbul (1992),
mentre nel 1996 è stato vincitore del primo premio alla Quadriennale di
Roma.
Stefano Arienti lives and works in Milan, where he obtained a degree in
Agricultural Science. He started his training as an artist at the Polytechnic
University of Milan, studying under Corrado Levi and subsequently
continuing alone, before embarking his artistic career in the mid-1980s.
His works are often inspired by everyday objects, which he modifies with
simple actions, transforming a page of a magazine into an ocean wave,
a telephone directory into a vase, or a photographic slide into a painting.
Arienti also draws on images from the history of art and elaborates them
using various techniques, such as punching, engraving, sewing and poker-
work. In the work on display here, “Macchia verde” (2019), a photograph
depicting the detail of a tree trunk taken by the artist is printed on micro-
chenille. He has elegantly re-elaborated the naturalistic subject, giving it
a completely new air. Arienti has exhibited his work at important national
and international venues, including the Museo MAXXI in Roma (2004,
2011), the Museum of Contemporary Art in Chicago (2009), the Musée d’Art
Moderne in Paris (2013), the MOCA in Cleveland (2016), the Gori Collection
in Pistoia (2016), the Museo Nazionale del Bargello in Florence (2017) and
the Chiostri di Sant’Eustorgio in Milan (2019)..
He has participated in the “Open” section at the Venice Biennale (1990 and
1993) and the 1992 Istanbul Biennial, and won first prize at the 1996 Rome
Quadriennale.
12 13what’s new?
gabriele basilico
2020
Milano, 1944 – 2013
È stato uno dei maggiori fotografi italiani, divenuto celebre a livello
internazionale per le sue ricerche sul paesaggio urbano. Dopo la laurea
in Architettura al Politecnico di Milano nel 1973, Basilico si dedica
alla fotografia con continuità. Temi fondanti della sua pratica sono
le trasformazioni del paesaggio contemporaneo, la conformazione
e l’identità delle città, indagati attraverso una rigorosa ricerca
documentaristica. Basilico ha fotografato numerose città europee e nel
mondo, raccontando la complessità degli scenari urbani nei quali vive
l’uomo contemporaneo unitamente al fenomeno delle continue mutazioni
in atto nelle metropoli del pianeta. Il primo incarico internazionale
risale al 1984, quando viene invitato a partecipare, come unico italiano,
alla Mission Photographique de la DATAR, la più rilevante campagna
fotografica realizzata in Europa nel XX secolo, organizzata dal governo
francese. Nel 1991 intraprende un importante progetto sulla città di Beirut,
devastata da una guerra civile iniziata quindici anni prima (13 aprile 1975);
con il ciclo di fotografie scattate a Beirut, di cui un significativo esempio
in mostra, si impone definitivamente sulla scena internazionale. Espone
alla Biennale di Architettura di Venezia nel 1996, dove riceve il premio
“Osella d’oro per la fotografia di architettura contemporanea”, e nel 2012.
Le sue fotografie fanno parte di numerose collezioni pubbliche e private
internazionali e il suo lavoro è stato esposto presso i principali musei
italiani ed europei.
gabriele basilico
beirut, 1991
stampa ai sali d’argento Gabriele Basilico was one of the greatest Italian photographers, who
gelatin silver print became internationally famous for his urban landscapes. After graduating
90 × 120 cm from the Polytechnic University of Milan with a degree in Architecture in
1973, Basilico dedicated himself to photography. The underlying themes
of his work are the transformation of the contemporary landscape and
the structure and identity of cities, which he explored with rigorous
documentary research. Basilico photographed many cities in Europe and
throughout the world, recounting the complexity of the urban scenarios
inhabited by contemporary humans, along with the phenomenon of
the constant changes underway in the planet’s metropolises. His first
international commission dates from 1984, when he was the only Italian
to be invited to participate in the DATAR Photographic Mission, organized
by the French government, the most important photographic campaign
conducted in Europe in the 20th century. In 1991, he took part in an
important project on the city of Beirut, devastated by a civil war that had
commenced 15 years earlier (13 April 1975). His cycle of photographs taken
in Beirut, one of which is on display here, made him a household name on
the international stage. He exhibited his work at the Venice Architecture
Biennale in 1996, when he won the “Special Osella for Best Architecture
Photographer” award, and 2012. His photographs are featured in
numerous public and private collections all over the world and his work
has been displayed at the leading Italian and European museums.
14 15what’s new?
huma bhabha
2020
Karachi, Pakistan, 1962
Nota per le sue statue ieratiche realizzate con materiali di scarto uniti a
elementi naturali come il legno o l’argilla, Huma Bhabha assume come
universo di riferimento civiltà antiche, unitamente a personaggi fantastici
provenienti da un ombroso futuro, dando vita a esseri antropomorfi.
Come per Gauguin e Picasso, anche per l’artista pakistana il fascino delle
culture primitive è fonte inesauribile di ispirazione, così come lo sono il
mondo dei fumetti e la fantascienza, le sculture di Giacometti e l’antichità
preclassica dei Kouroi greci. Spesso tendenti al grottesco, le opere di Huma
Bhabha trasformano la figura umana in totem dalle sembianze inquietanti
e divertenti al tempo stesso, sopravvissuti a eventi catastrofici causati
huma bhabha
kilroy, 2007 sia dall’uomo che dalla natura per raccontarne la memoria, come si può
tecnica mista evincere dalla scultura esposta in mostra dal titolo “Kilroy” (2007). Huma
mixed technique
Bhabha ha preso parte nel 2010 alla Whitney Biennial di New York, nel
142 × 32 × 32 cm
2012 a La Triennale di Parigi, nel 2015 la Biennale di Venezia e nel 2018 al
Carnegie International di Pittsburgh. Tra le più recenti mostre istituzionali
si annoverano quelle presso l’Aspen Art Museum (2012), il MoMA PS1 di
New York (2012), il Metropolitan Museum of Art di New York (2018), The
Contemporary Austin (2018) e l’Institute of Contemporary Art di Boston
(2019).
Known for her hieratic statuettes which she creates from cast-off materials
and natural substances such as wood or clay, Huma Bhabha’s reference
universe is that of ancient civilizations, but also fantasy characters from
a shadowy future that appear as anthropomorphic beings. Like Gauguin
and Picasso, Bhabha’s fascination with archaic cultures provides her with
an inexhaustible source of inspiration, but so do comic books and science
fiction, the sculptures of Giacometti and the pre-classic antiquity of the
Greek Kouroi. Often tending towards the grotesque, Bhabha’s works
transform the human figure into totems that appear simultaneously
disturbing and amusing, having survived catastrophic events caused by
both man and nature to recount their memory, as can be inferred from
the sculpture entitled “Kilroy” (2017) on display here. Bhabha took part
in the 2010 Whitney Biennial in New York, the 2012 Paris Triennial, the
2015 Venice Biennale and the 2018 Carnegie International in Pittsburgh.
Her most recent institutional exhibitions include those at the Aspen Art
Museum (2012), the MoMA PS1 in New York (2012), the Metropolitan
Museum of Art in New York (2018), The Contemporary Austin (2018) and
the Institute of Contemporary Art in Boston (2019).
16 17what’s new?
irma blank
2020
Celle, Germania, 1934
L’arte di Irma Blank è arte della scrittura, dove l’uso della Ur-form, la
forma primaria, conferisce sostanziale autonomia alla scrittura medesima.
Tematica centrale nella ricerca dell’artista tedesca è il segno nelle sue
differenti accezioni: da grezzo gesto scritturale a testo letterario compiuto,
in una tensione ascendente che conduce dal passato al presente, in
una continuità atemporale. La parola scritta è considerata strumento
di comunicazione tramite cui si costruisce il rapporto fra l’io e gli altri; le
distanze si annullano grazie al valore comunitario del linguaggio. Con il
ciclo degli Eigenschriften, della fine degli anni Sessanta, inizia la maturità
artistica di Irma Blank: l’autrice registra su carta tracciati variabili e
imperfetti, privi di ogni senso linguistico. Seguono le Trascrizioni, dove
la pratica libera lascia il posto ad una lenta copiatura di pagine di libri
e giornali. Dai primi anni Ottanta l’artista si dedica ai Radical Writings:
il gesto scritturale diviene policromo e viene steso col pennello “tutto
d’un fiato”, nel lasso di tempo di un singolo respiro. A questi lavori di
“soppressione”, seguono gli Avant-testo, di cui un esempio è esposto in
mostra, “Avant-testo, 12-1-99” (1999), nei quali il segno torna caotico.
Con un fascio di biro, l’artista traccia spirali che si chiudono in se stesse: il
tratto diviene autorappresentazione libera e, parallelamente, torna alla
sua forma primordiale. Ha esposto in musei e rassegne internazionali
come Documenta Kassel (1977), la Biennale di Venezia (1978, 2017 e 2019),
Centre Pompidou di Parigi (2010), Kunsthaus Hamburg (2016) e Museion di
Bolzano (2017).
The art of Irma Blank is the art of writing, where the use of the Ur-form,
the primary form, bestows substantial autonomy on the writing itself. The
German artist’s main theme is the sign in its various expressions: from
the rough scriptural gesture to the finished literary text, in an ascendant
tension that leads from the past to the present, in timeless continuity. The
written work is envisioned as an instrument of communication through
which to build the relationship between the Self and others; any distances
are eliminated thanks to the communitarian value of the language.
The Eigenschriften cycle, from the late 1960s, marked the start of Irma
irma blank Blank’s artistic maturity: the author recorded on paper variable and
ur-schrift ovvero avant-testo, 12-1-99, 1999 imperfect traces, deprived of any linguistic meaning. This was followed by
biro su tela Trascrizioni, where free practice made way for the slow copying of pages
ball-point pen on canvas
173 × 63 cm of books and newspapers. From the early 1980s, the artist devoted herself
to Radical Writings: the scriptural gesture becomes polychrome and is
spread by the paintbrush “all in one go”, the time required to take a single
breath. These works of “suppression” were followed by the Avant-testo,
one of which is on display here, “Avant-testo, 12-1-99” (1999), in which
the sign is again chaotic. The artist used a group of ball-point pens to
trace spirals that ended within themselves: the line becomes free self-
representation and, in parallel, it goes back to its primordial form. Blank
has displayed her work at museums and international exhibitions, such
as Documenta Kassel (1977), the Venice Biennale (1978, 2017 and 2019),
Centre Pompidou in Paris (2010), Kunsthaus Hamburg (2016) and Museion
in Bolzano (2017).
18 19what’s new?
piero dorazio
2020
Roma, 1927 – Perugia, 2005
Il pittore italiano Piero Dorazio espone giovanissimo con il gruppo romano
Arte Sociale interessandosi contemporaneamente al Futurismo. Insieme
a Consagra e a Turcato firma nel 1947 il Manifesto della pittura astratta
italiana (Gruppo Forma 1) contribuendo così alla sua affermazione nel
panorama artistico italiano. Durante un suo soggiorno negli Stati Uniti nei
primi anni Cinquanta, entra in contatto con personalità come de Kooning,
Motherwell, Newman, Pollock, Rothko ed il critico d’arte Clement Greenberg.
Nel 1960, fonda il dipartimento di belle arti presso la School of Fine Arts
della Pennsylvania University di Filadelfia. Sperimentatore instancabile, si
dedica ad una ricerca coerente sulle interferenze e le tessiture cromatiche,
piero dorazio
baked in silence, 1960-61 con opere in cui sottili segni di colore si incrociano, si allargano in bande
olio su tela o si enucleano in macchie creando “tessuti o meglio membrane di pittura
oil on canvas uniforme quasi monocroma e pure intrecciata di fili diversi di colore, di raggi
197 × 97 cm
di colore” (Giuseppe Ungaretti, Un intenso splendore, 1966). In mostra “Baked
in Silence” (1960-61), un esempio particolarmente significativo. Nel 1966
instaura un sodalizio artistico con Giuseppe Ungaretti: il poeta infatti, scrisse
un saggio sulla sua pittura per il catalogo di una mostra dell’artista, mentre
nel 1967 sarà Dorazio a realizzare una serie di grafiche per accompagnare la
raccolta di poesie di Ungaretti intitolata La luce. Ha partecipato con una sala
personale alla Biennale di Venezia nel 1960, 1966 e 1988. Ha tenuto personali
al Musée d’art moderne de la ville de Paris (1973) e alla Galleria Nazionale
d’arte Moderna di Roma (1983). Le sue opere sono presenti nei principali
musei internazionali, tra cui la Tate Gallery di Londra e il MoMA di New York.
The Italian painter Piero Dorazio first exhibited his work when he was very
young with the Roman group Arte Sociale. During that same period, he was
also interested in Futurism. In 1947, together with Consagra and Turcato, he
signed the Manifesto della pittura astratta italiana (Gruppo Forma 1), which
contributed to his affirmation on the Italian artistic scene. While he was in the
United States he came into contact with such artists as de Kooning, Rothko,
Pollock, Newman, Motherwell, and with the art critic Clement Greenberg. In
1960, he founded the Fine Arts Department in the School of Fine Arts of the
University of Pennsylvania, Philadelphia. A tireless experimenter, Dorazio
dedicated himself to a coherent research into chromatic interferences and
interweavings, with works in which subtle signs of colour cross, expand into
bands, or develop into patches, thus creating “textures or rather membranes
of uniform, almost monochrome paint, also interwoven with threads of
different colours, rays of colour” (Giuseppe Ungaretti, Un intenso splendore,
1966). On display “Baked in Silence” (1960-61), a particularly significant
example. In 1966 the artist created an artistic partnership with Giuseppe
Ungaretti: the poet wrote an essay on Dorazio’s painting for a catalog
accompanying one of his exhibitions, while in 1967 Dorazio created a series of
prints for Ungaretti’s collection of poetry La luce. He participated with a solo
exhibition at the Venice Biennale in 1960, 1966 and 1988. He has had personal
exhibitions at the Musée d’art moderne de la ville de Paris (1973) and at
the Galleria Nazionale d’arte Moderna in Rome (1983). Dorazio’s works
are present in the permanent collections of major international museums,
including the Tate Gallery in London and the MoMA in New York.
20 21what’s new?
jimmie durham
2020
Washington, 1940
Appartenente ad una comunità di indiani d’America Cherokee, Jimmie
Durham si occupa di diverse discipline, dalla scultura alla saggistica,
dalla poesia al teatro. Dopo i primi anni di produzione artistica legata al
movimento per i diritti civili americani negli anni Sessanta, si trasferisce a
Ginevra e studia presso l’École de Beaux-Arts, dove rimarrà fino al 1973.
Tornato in America per prendere parte all’American Indian Movement,
inizia a creare sculture utilizzando pietra lavica, metallo industriale e
soprattutto legno, sfruttando la potenza del materiale per indagare la
materia stessa. Molto spesso, come nel caso dell’opera “The Forest Prime“
(2012) esposta in mostra, il processo d’assemblaggio non viene escluso
dalla riflessione teorica né mascherato nella presentazione stessa. Diretto
è il riferimento allo scultore rumeno Brancusi, a una stilizzazione che
tende a individuare forme primordiali, connaturate all’elemento stesso
e preesistenti all’atto dell’artista, la cui configurazione definitiva e finale
risulta da una sistematica e conscia operazione sulla materia. Esemplare la
scultura “Aazaard” (2018), un assemblage di ossa, plastica e componenti di
automobili, dove la combinazione di oggetti quotidiani e materiali organici
innesca una riflessione tesa a scardinare i simboli fondanti del sistema di
vita occidentale. È stato vincitore del Leone d’Oro alla carriera alla Biennale
di Venezia del 2019, dove ha esposto nel 1999, 2001, 2003, 2005 e 2013. Nel
2017 gli è stata dedicata un’importante retrospettiva all’Hammer Museum
di Los Angeles, al Walker Art Center di Minneapolis, al Whitney Museum of
American Art di New York e al Remai Modern di Saskatoon.
A member of the Cherokee Indian community, Jimmie Durham is active
in a variety of disciplines from sculpture, to essay writing, from poetry to
jimmie durham
aazaard, 2018 theatre. His early art was connected to the civil rights movement in the
ossa animali, vernice acrilica, parti di automobile United States during the 1960s after which Durham moved to Geneva
animal bones, acrylic paint, car parts
to study at the École des Beaux-Arts where he stayed until 1973. Back
dimensioni variabili
variable dimensions in America to take part in the American Indian Movement, he began
creating sculptures from volcanic rock, industrial metal and above all
wood, exploiting the material’s power in order to investigate the nature
of matter itself. Very often, as in the case of the work on display here,
“The Forest Prime” (2012), the process of assembling is not excluded from
one of theoretical reflection, nor is it intentionally hidden within the
work itself. There is a direct reference to Romanian sculptor Brancusi,
to a stylization that tends to identify primordial forms, coeval with the
element itself and pre-existing the artistic act, whose final and ultimate
configuration is a systematic and conscious operation on matter. The
sculpture entitled “Aazaard” (2018) is a good example: an assemblage of
bones, plastic and car parts, where the combination of everyday objects
and organic materials prompts reflection directed at undermining the
fundamental symbols of the Western way of life. He was awarded the
Golden Lion for Lifetime Achievement at the 2019 Venice Biennale, where
he exhibited his work in 1999, 2001, 2003, 2005 and 2013. In 2017, an
important retrospective was dedicated to him at the Hammer Museum in
Los Angeles, the Walker Art Center in Minneapolis, the Whitney Museum of
American Art in New York and the Remai Modern in Saskatoon.
22 23what’s new?
natalija gončarova
2020
Tula, Russia, 1881 – Parigi, 1962
Tra le pioniere della scena artistica russa durante il decennio che precede
la Rivoluzione, Natalija Gončarova esordisce come pittrice a fianco di
Michail Larionov, suo compagno, con il quale lavorerà per il resto della
sua carriera artistica. Nelle sue opere richiama le tradizioni della sua terra
natia e le rinvigorisce utilizzando il linguaggio dell’Avanguardia. La sua
pittura di accentuata espressività dinamica e coloristica combina i tipici
motivi floreali dei costumi e delle icone popolari russe, dando vita a una
sorta di simbolismo pagano e ancestrale. Nel 1913 assieme a Larionov
elabora il Manifesto del Raggismo, primo movimento d’avanguardia
non figurativo in Russia, presentato come una “sintesi di Cubismo,
di Futurismo, di Orfismo”. La commistione tra valori tradizionali e un
rinnovato linguaggio artistico si incarna in un’inedita interpretazione della
natalia gončarova spiritualità attraverso il messaggio dell’arte, come avviene nel ciclo datato
la guerra. immagini mistiche della guerra:
quattordici litografie, 1914
1914 dal titolo “La Guerra. Immagini mistiche della guerra”, presente in
cartella di quattordici litografie con copertina stampata in rilievo mostra, recentemente esposto al MoMA di New York. Lo stesso anno
portfolio of fourteen lithographs with letterpress cover lascia la Russia per recarsi a Parigi, dove lavora alla realizzazione delle
scene e i costumi per i Ballets Russes di Sergeij Djaghilev, affermandosi
come scenografa in ambito europeo. In quegli anni espone le sue opere in
diverse gallerie parigine, ma è solo dopo la sua scomparsa che gli viene
dedicata una grande retrospettiva, prima assieme al marito presso l’Arts
Council a Londra (1962) e recentemente presso la Tate Modern e Palazzo
Strozzi a Firenze (2019).
Among the pioneers of Russian art during the decade preceding the
Revolution, Natalia Goncharova made her debut as a painter alongside
her partner Mikhail Larionov, with whom she worked for the rest of her
artistic career. Her works evoke the traditions of her homeland and
revitalize them using the language of the avant-garde. The accentuated
dynamic and colouristic expressiveness of her painting is achieved by
combining the typical floral motifs of Russian folk icons to create a sort
of ancestral pagan symbolism. In 1913, she and Larionov published the
Rayonist Manifesto, the first non-figurative avant-garde movement in
Russia, presented as a “synthesis of Cubism, Futurism, and Orphism”.
The combination of traditional values and a new artistic language was
embodied in a unique interpretation of spirituality conveyed through
art, as can be seen in the cycle dated 1914 “La Guerra. Mystical Images of
War”, on display here, recently exhibited at the MoMA in New York. The
same year she left Russia for Paris, where she worked on the scenery and
costumes for Sergei Diaghilev’s Ballets Russes, making a name for herself
in Europe as a set designer. During the same period, she exhibited her
work at several galleries in Paris, but it was only after her death that a great
retrospective was dedicated to her, first in conjunction with her husband at the
Arts Council in London (1962), and recently at the Tate Modern and Palazzo
Strozzi in Florence (2019).
24 25what’s new?
wade guyton
2020
Hammond, Indiana, 1972
Fra gli artisti sensibili all’evolversi della tecnologia, sia in termini di
contenuti che di produzioni, si annovera anche Wade Guyton. Selezionate
alcune immagini, Guyton le stampa su tela con enormi plotter mescolando
icone di memoria modernista – dal Suprematismo al Bauhaus – a pagine
di riviste di moda passando per immagini di fiamme. Non è immediato
comprendere quanto gli artisti che si riappropriano di effigi esistenti –
come già aveva fatto Andy Warhol – cerchino di replicare le tecniche
dei mass-media diventando loro stessi delle macchine, o se invece ci
invitino a riflettere sul modo in cui questi producono modelli con cui ci
identifichiamo. “Non ho mai pensato al mio lavoro come a cercare di
replicare uno dei due sistemi. Ma forse sto facendo entrambe le cose”
wade guyton riflette Guyton. L’imponente dipinto “Untitled” (2009), qui esposto, è
untitled, 2009 un’opera iconica che raffigura la lettera “X”, motivo digitale distintivo nella
stampa ink-jet epson ultrachrome su lino
epson ultrachrome inkjet print on linen
produzione dell’artista. Guyton ha partecipato alla Biennale di Venezia
213,4 × 175,3 cm (2009 e 2013) e ha tenuto personali al Whitney Museum of American Art di
New York (2012), alla Kunsthalle di Zurigo (2013), all’Art Institute di Chicago
(2014), al Musée d’art moderne et contemporain di Ginevra (2016), al
MADRE di Napoli (2017) e al Ludwig Museum di Colonia (2019). Insieme a
Kelley Walker, suo compagno nella realizzazione di installazioni firmate da
entrambi, ha esposto al Kunsthaus di Bregenz nel 2013.
One artist who is not indifferent to technology both in terms of theme
and technique is Wade Guyton. Guyton first selects images, then prints
them on canvas with enormous plotters. His work is a mix of modernist
icons—from Suprematism to Bauhaus—and pages from fashion magazines
or even “flame paintings”. It is never clear to what extent the artists
who appropriate contemporary icons—the way Andy Warhol did in
his early days—are replicating the techniques of the mass media by
turning themselves into machines, or just inviting us to reflect on how the
media generate the models we identify with. Guyton reflects: “I’ve never
thought of my work as an attempt to replicate one of the two systems.
But maybe I’m doing both”. “Untitled” (2009), on view here, is an iconic
work that depicts the letter “X”, a distinctive digital motif in the artist’s
production. He has exhibited at the Venice Biennale (2009 and 2013)
and he has also held solo shows at the Whitney Museum of American Art
in New York (2012), Kunsthalle in Zurich (2013), Art Institute of Chicago
(2014), Musée d’art moderne et contemporain in Geneva (2016), MADRE
in Naples (2017) and Ludwig Museum in Cologne (2019). Guyton and his
artistic collaborator on installations Kelley Walker exhibited in the Bregenz
Kunsthaus in 2013.
26 27what’s new?
mona hatoum
2020
Beirut, Libano 1952
Nata a Beirut da famiglia palestinese, Mona Hatoum vive e lavora a
Londra dal 1975, dove, giunta in visita, è stata costretta a risiedere a causa
dello scoppio della guerra civile in Libano. Ha operato principalmente
con il video e la performance, orientando in seguito la sua ricerca verso
installazioni di larga scala, che mirano a coinvolgere lo spettatore in
contrastanti emozioni di desiderio e repulsione, fascino e timore. L’artista
ha sviluppato un linguaggio nel quale oggetti domestici di uso comune
come sedie, letti, culle e utensili da cucina sono trasformati in entità
sconosciute, minacciose e a volte pericolose. Spesso il suo sguardo è rivolto
mona hatoum
alla società medio-orientale e in particolare alla condizione della donna,
a bigger splash, 2009
vetro di murano oppressa e marginalizzata. L’artista esplora la propria vicenda personale
murano glass di esiliata per offrire una profonda indagine su tematiche quali la violenza
dimensioni variabili
e la fragilità umana, come accade nella scultura qui esposta, “A bigger
variable dimensions
splash” (2009), un raffinato insieme di oggetti realizzati artigianalmente
in vetro colorato di murano che richiamano la forma delle gocce di sangue.
Dal 1983 espone regolarmente in tutto il mondo, in particolare si ricordano
le recenti personali alla Tate Britain di Londra (2000), al Museum of
Contemporary Art di Sydney (2005) e al Beirut Art Center (2010). Ha
inoltre partecipato alla Biennale di Venezia (1995, 2005) e alla Biennale
di Sidney (2006). Nel 2009, in concomitanza con la Biennale di Venezia,
ha realizzato per la Fondazione Querini Stampalia diverse opere, tra cui
quella qui esposta.
Mona Hatoum was born to a Palestinian family in Beirut in 1952 and has
been living in London since 1975 where she settled when the civil war
broke out in Lebanon. She has expressed herself mainly with video and
performance art, subsequently directing her attention towards large-
scale installations that involve the viewer by stirring conflicting emotions
of desire and repulsion, fascination and fear. Hatoum has developed an
artistic language in which household objects of everyday use such as
chairs, beds, cribs and kitchen utensils morph into unfamiliar, threatening
objects that are sometimes even dangerous. She often directs her gaze at
Middle Eastern society and especially at the condition of women who are
oppressed and marginalized. The artist explores her own personal story
as an exile to offer an in-depth investigation of themes such as violence
and human fragility, as illustrated by the sculpture on display here: A
bigger splash (2009), consisting of a sophisticated group of handcrafted
Murano glass objects that recall the form of drops of blood. Since 1983
she has been showing regularly all over the world. Of particular note were
her one woman shows at the Tate Britain in London (2000), the Museum
of Contemporary Art in Sydney (2005) and the Beirut Art Centre (2010).
She has also participated in the Venice Biennale (1995, 2005) and the
Sydney Biennial (2006). In 2009, on the occasion of the Venice Bienniale,
she produced several works for the Fondazione Querini Stampalia, one of
which is on display here.
28 29what’s new?
luisa lambri
2020
Como, 1969
Luisa Lambri vive e lavora tra Milano e Los Angeles. Le sue fotografie
occupano una posizione unica tra astrazione fotografica e indagine
architettonica. Rivolgendo la sua attenzione principalmente
all’architettura residenziale modernista (Alvar Aalto, Mies van der Rohe,
Oscar Niemeyer, Frank Lloyd Wright, Giuseppe Terragni), costruisce
immagini silenziose e rarefatte, dove l’archittettura diviene solo un
pretesto per esprimere un punto di vista prettamente soggettivo. Come
l’artista stessa ha dichiarato: “Per me l’architettura è autobiografia
e i luoghi fotografati sono autoritratti”. Focalizzandosi sugli spazi di
transizione, come porte, finestre, passaggi, indaga la relazione tra lo
luisa lambri spazio e la luce, proponendo letture personali e intime degli ambienti
untlited (centro galego de arte contemporanea, #18), 2008 che fotografa, come si può evincere dalle due fotografie in mostra,
stampa laserchrome “Untitled (Centro Galego de Arte Contemporanea, #07 e #18)” del 2008,
laserchrome print
74,9 × 63,5 cm scattate entrambe al Museo Reina Sofía di Madrid. Ha partecipato alla
Biennnale di Venezia nel 1999, dove ha vinto il Leone d’Oro, e nel 2003.
Ha inoltre esposto alla Biennale di Architettura di Venezia (2004 e 2010),
alla Liverpool Biennial (2010) e alla Chicago Architecture Biennial (2018).
Ha tenuto mostre personali in alcuni dei musei più importanti del mondo,
come The Menil Collection di Houston (2004), il Carnegie Museum of Art di
Pittsburgh (2006), il Baltimore Museum of Art (2007), l’Hammer Museum di
Los Angeles (2010) e il Met Breuer di New York (2017).
Luisa Lambri lives and works in Milan and Los Angeles. Her work
occupies a unique place somewhere between abstract photography
and architectural enquiry. Focusing chiefly on modernist residential
architecture (Alvar Aalto, Mies van der Rohe, Oscar Niemeyer, Frank
Lloyd Wright, Giuseppe Terragni), she creates silent, rarefied images,
where architecture becomes merely a pretext for expressing a purely
subjective point of view. As the artist herself declared, “For me architecture
is autobiography and the places photographed are self-portraits”. She
explores the relationship between space and light, concentrating on
transitional spaces, such as doors, windows and passageways, offering
personal and intimate interpretations of the places she photographs, as
can be seen from the two photographs on display here, “Untitled (Centro
Galego de Arte Contemporanea, #07 and #18)” both taken at the Museo
Reina Sofía in Madrid in 2008. She took part in the Venice Biennale in
1993, when she won a Golden Lion, and 2003. She has also exhibited her
work at the Venice Architecture Biennale (2004 and 2010), the Liverpool
Biennial (2010) and the Chicago Architecture Biennial (2018). Lambri has
had solo exhibitions in some of the most important museums in the world,
including The Menil Collection in Houston (2004), the Carnegie Museum of
Art in Pittsburgh (2006), the Baltimore Museum of Art (2007), the Hammer
Museum in Los Angeles (2010) and the Met Breuer in New York (2017).
30 31what’s new?
francesco lo savio
2020
Roma, 1935 – 1963
Attivo sulla scena artistica romana tra la fine degli anni Cinquanta e i
primi Sessanta, Francesco Lo Savio è considerato tra le personalità più
controverse dell’avanguardia postinformale italiana. Dopo gli studi al
liceo artistico di Roma, per un breve periodo frequenta la Facoltà di
Architettura, operando fin dagli esordi come pittore oltre che designer.
Nell’arco della sua breve ma intensa carriera, ha nutrito un particolare
interesse per l’architettura modernista europea. Luce, forma e spazio,
temi architettonici per eccellenza, sono centrali nella sua riflessione,
non priva di risvolti sociali e ideologici. “L’idea d’impegnare uno
spazio tridimensionale per realizzare un’esperienza biunivoca, interna
come problema dell’espressione formale, esterna come problema del
rapporto sociale, condiziona lo sviluppo del mio lavoro sotto un aspetto
di discontinuità visiva, sia nella scelta dei mezzi che nel risultato di
forma”, ha affermato l’artista. L’opera in mostra, “Metallo nero opaco
uniforme” (1960), appartiene alla serie dei Metalli (1960-61), strutture
nere e opache costituite dalla sovrapposizione di piani, dove la luce
assume un ruolo fondamentale potenziando la relazione attivata con lo
spazio espositivo. Il suo lavoro ha ottenuto numerosi riconoscimenti solo
dopo la sua scomparsa. Da ricordare la prima retrospettiva al Palazzo
delle Esposizioni di Roma (1965), la partecipazione a Documenta Kassel
(1968) e alla Biennale di Venezia (1972), le personali al Padiglione di Arte
contemporanea di Milano (1979), al Museo Pecci di Prato (2004) e al Mart
di Rovereto (2018).
francesco lo savio
metallo nero opaco uniforme, 1960
Active in Rome between the late 1950s and early 1960s, Francesco Lo
metallo nero Savio is considered one of the most controversial figures of the Italian
black metal post-informal avant-garde. After attending art college in Rome, he briefly
20 × 50 × 9,5 cm
frequented the Faculty of Architecture, working as a painter as well
as a designer from the very outset. During his brief but intense career,
he showed particular interest in European modernist architecture. The
quintessential architectural themes of light, form and space are central
to his work, which also has social and ideological implications. “The idea
of using a three-dimensional space to produce a biunivocal experience,
internally as a problem of formal expression, externally as a problem of
social relation, conditions the development of my work in terms of its visual
discontinuity, both in the choice of media and in the resulting form,” the
artist stated. The work on display here, “Metallo nero opaco uniforme”
(1960), belongs to the Metalli series (1960–61), consisting of opaque black
structures formed by overlapping planes, where light plays a fundamental
role, reinforcing the relationship initiated with the display space. It was
not until after his death that his work was widely acclaimed. Memorable
exhibitions include his first retrospective at the Palazzo delle Esposizioni
in Rome (1965), his works displayed at the 1968 Documenta Kassel and the
1972 Venice Biennale, and the solo exhibitions at the Padiglione di Arte
Contemporanea in Milan (1979), Museo Pecci in Prato (2004) and the Mart
in Rovereto (2018).
32 33what’s new?
filippo tommaso
marinetti
2020
Alessandria d’Egitto, 1876 – Bellagio, Como, 1944
Fondatore del movimento futurista, Filippo Tommaso Marinetti pubblica
il 20 febbraio 1909 sul giornale parigino “Le Figaro” il Manifesto
del Futurismo, con cui intende opporsi al “passatismo” della cultura
accademica simbolista su cui si era formato negli anni precedenti a
Parigi. Il Futurismo grida a gran voce la necessità di diffondere a tutti i
campi dell’arte i caratteri tecnologici e innovativi della società industriale.
Forza e violenza d’azione sono ostentati come valori fondanti di una
nuova società basata sul progresso, sulla potenza della macchina e
sull’energia “eroica” del mondo moderno. Tra i futuristi, Marinetti si
afferma internazionalmente come letterato e innovatore del linguaggio
con la teoria del “paroliberismo”, definita e perfezionata in tre successivi
manifesti: il Manifesto tecnico della letteratura futurista (1912), Distruzione
della sintassi - Immaginazione senza fili - Parole in libertà (1913) e Lo
splendore geometrico e meccanico e la sensibilità numerica (1914). La
distruzione della struttura linguistica delle “parole in libertà” assume una
dimensione figurativa nelle “tavole parolibere”, poesie grafiche di cui in
mostra un significativo esempio dal titolo “Irredentismo” (1914). Marinetti
mette in opera, nella sua scrittura di guerra, i nuovi stilemi futuristi
attraverso i quali veicola il celebre slogan “guerra sola igiene del mondo”.
filippo tommaso marinetti
irredentismo, 1914 Filippo Tommaso Marinetti, the founder of the Futurist movement,
inchiostro, pastello e collage su carta
ink, pastel and collage on paper
published the Manifesto of Futurism in the French newspaper Le Figaro
21,8 × 27,8 cm on 20 February 1909. Its intention was to oppose the “pastism” of the
Symbolist academic culture in which Marinetti had received his artistic
training in Paris during the preceding years. Futurism screamed the need
to extend the technological and innovative features of industrial society
to all fields of art. Power and violence were flaunted as the core values of
a new society based on progress, the power of machines, and the “heroic”
energy of the modern world. Marinetti achieved international renown
among the Futurists as a literary figure and innovator of language for
his “words in freedom” theory, which he defined and perfected in three
subsequent manifestos: the Technical Manifesto of Futurist Literature
(1912), Destruction of Syntax – Imagination without strings – Words-
in-Freedom (1913), and Geometric and Mechanical Splendour and
the Numerical Sensibility (1914). The destruction of the linguistic structure
of “words in freedom” assumes a figurative dimension in the “words-in-
freedom tables”, graphical poems like “Irredentismo” (1914) on display
here. In his war writing, Marinetti used the new Futurist stylistic elements
to convey the famous slogan “war, the world’s only hygiene”.
34 35what’s new?
fausto melotti
2020
Rovereto 1901 – Milano 1986
Fausto Melotti è fra i massimi esponenti della cultura artistica italiana del
XX secolo. Dopo aver conseguito la laurea in ingegneria elettrotecnica
presso il Politecnico di Milano, Melotti decide di dedicare la sua vita alla
scultura. Formatosi nell’ambiente milanese vivacizzato dall’attività della
Galleria del Milione e dal gruppo degli astrattisti lombardi, è interprete di
una scultura antinaturalistica pervasa da toni evocativi, lirici e musicali.
La sua opera si sviluppa in due momenti: a una prima fase, ascrivibile
all’astrattismo geometrico, fa seguito, dopo una pausa espositiva di
numerosi anni, un secondo periodo dove l’artista, attraverso un personale
codice simbolico, realizza opere dotate di una potente dimensione poetica.
Interessato ad una costruzione equilibrata dello spazio, concilia il rigore
ritmico e compositivo della forma con un’armonica musicalità. La scultura
“Lager” (1972), qui esposta, è in questo senso opera rappresentativa:
fausto melotti costituita da una struttura metallica filiforme in ottone, appare svuotata
lager, 1972 di ogni peso materico per assumere una connotazione spirituale, pur
ottone
brass
trattando un argomento doloroso come le atrocità dello sterminio nazista.
71 × 37 × 31 cm Ha esposto in numerose edizioni della Triennale di Milano (1933, 1936,
1940, 1947, 1951, 1954 e 1957) e della Biennale di Venezia (1948, 1950, 1952
e 1966), che gli hanno conferito rispettivamente il Gran Premio della
Triennale nel 1951 e il Leone d’Oro alla memoria nel 1986, anno della sua
scomparsa. Sue opere sono presenti nelle principali collezioni permanenti
dei musei di tutto il mondo.
Fausto Melotti is one of the seminal figures in twentieth-century Italian
artistic culture. After having obtained a degree in electronic engineering
from the Polytechnic University of Milan, Melotti decided to devote his life
to sculpture. Following his artistic training in Milanese circles stimulated
by the activities of the Galleria del Milione and the group of Lombard
abstractionists, Melotti developed an anti-naturalist kind of sculpture
that is pervaded by evocative, lyrical and musical tones. His work
developed over two phases: the first phase was influenced by geometric
abstractionism; then after many years without exhibiting, came a second
phase in which he created intensely poetic works in his own very personal
symbolic code. Interested in a balanced construction of space Melotti
combines a rhythmic and compositional rigour of form with harmony and
musicality. The sculpture entitled “Lager” (1972) on display here is a good
example of this. Constituted by a thread-like brass structure, it appears
emptied of all material weight and takes on a spiritual connotation,
despite representing such a distressing subject as the atrocities of the
Nazi extermination camps. He exhibited in numerous editions of the Milan
Triennial (1933, 1936, 1940, 1947, 1951, 1954, 1957) and Venice Bienniale
(1948, 1950, 1952, 1966) the former awarding him the Gran Premio della
Triennale in 1951 and the latter the Leone d’Oro to his memory in 1986,
the year of his death. Melotti’s works are present in leading permanent
collections in museums throughout the world.
36 37what’s new?
ana mendieta
2020
L’Avana, Cuba, 1948 – New York, 1985
Pioniera della performance e del video, della body art, della fotografia
e della scultura, Ana Mendieta è tra le più celebri artiste cubane.
Nata a L’Avana, viene portata negli Stati Uniti all’età di tredici anni:
lo sradicamento forzato e il continuo pellegrinaggio da un campo di
rifugiati ad un orfanotrofio o presso famiglie adottive fa crescere in lei un
forte senso di non-appartenenza che si ritrova all’interno di tutta la sua
produzione. L’artista individua nel proprio corpo il mezzo di espressione
privilegiato per ristabilire il legame fisico oltre che spirituale con la natura
e i quattro elementi. In mostra un esemplare dei suoi “Silueta Works”
(1976-78), sui quali ha iniziato a lavorare nel 1973 durante un viaggio a
ana mendieta Oaxaca, in Messico. Mendieta ricopre il suo corpo con una vasta gamma
silueta works in lowa, 1976-78
stampa c-print su foglio agfa
di materiali, tra cui rocce, sangue, bastoncini e stoffa, per poi scattare una
chromogenic print, on agfa paper fotografia del suo stesso corpo sepolto o dell’impronta che ha lasciato
50,8 × 40,6 cm dietro di sè, suggerendo la fragilità dell’essere umano in relazione alle
forze della natura. Nel 1987 il Museum of Contemporary Art di New York
ha ospitato la prima mostra sull’artista, nel 2004 l’Hirshhorn Museum
and Sculpture Garden di Washington DC ha organizzato un’importante
retrospettiva itinerante. Nel 2009 le è stato assegnato il Lifetime
Achievement Award dalla Cintas Foundation. Le sue opere sono presenti
in importanti istituzioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra queste
il Guggenheim Museum di New York, l’Art Institute di Chicago e il Centre
Pompidou di Parigi.
A pioneer of performance and video art, body art, photography and
sculpture, Ana Mendieta is among the most renowned Cuban artists.
She was born in Havana but was taken to the United States at the age
of 13. This forced uprooting and the subsequent string of refugee camps,
orphanages and foster families that she was moved between caused her
to develop a strong sense of not belonging, which can be found in all her
work. The artist chose her body as her preferred medium of expression
to re-establish the physical and spiritual connection with nature and the
four elements. On display here is one of her “Silueta Works” (1976–78), on
which she worked during a trip to Oaxaca, in Mexico, in 1973. Mendieta
covered herself with a wide range of materials, including rocks, blood,
sticks and fabric, and subsequently photographed her buried body or the
print that it left, evoking the fragility of human beings in relation to the
forces of nature. In 1987, the first exhibition of her work was held at the
Museum of Contemporary Art in New York, and in 2004 the Hirshhorn
Museum and Sculpture Garden in Washington DC staged an important
touring retrospective. In 2009, she was posthumously assigned the
Cintas Foundation Lifetime Achievement Award. Her works are present in
important public and private collections worldwide, including those of the
Guggenheim Museum in New York, the Art Institute of Chicago and the
Pompidou Centre in Paris.
38 39what’s new?
zoran mušič
2020
Gorizia, Slovenia, 1909 – Venezia, 2005
Il pittore e artista grafico Zoran Mušič compie i suoi studi all’Accademia
di Belle Arti di Zagabria, intraprendendo numerosi viaggi per l’Europa,
prima di stabilirsi definitivamente a Venezia nel 1944. Quello stesso anno
viene arrestato dalla Gestapo e deportato nel campo di concentramento
di Dachau. Lo strazio e gli orrori della prigionia, registrati in una tragica
serie di disegni e schizzi elaborati in segreto, rimarranno per sempre
impressi nella sua memoria. Liberato dalle truppe americane nel 1945,
al ritorno nel capoluogo veneto si riavvicina alla pittura, focalizzando la
sua attenzione sul paesaggio veneziano. Nei primi annni Settanta, con il
ciclo Noi non siamo gli ultimi, tramite il quale ottiene un sempre maggior
zoran mušič
autoportrait, 1970 successo in ambito internazionale, riaffiorano le sofferte immagini dei
olio su tela disegni di Dachau. Questi nuovi dipinti, che testimoniano le dolorose
oil on canvas atrocità dello sterminio nazista, sono abitati da inquietanti presenze
37,5 × 28,5 cm
umane alienate e disorientate, che si trasformano con il passare degli
anni in ritratti e autoritratti, di cui un esempio è qui esposto, “Autoportrait”
(1970). Ha partecipato a numerose edizioni della Biennale di Venezia (1948,
1950, 1956, 1960, 1976, 1982 e 1984). Tra le maggiori occasioni espositive,
ricordiamo le personali al Musée d’art moderne de la ville de Paris (1972),
al Museo Correr di Venezia (1985), al Centre Pompidou di Parigi (1988),
all’Accademia di Francia a Roma (1992) e al Grand Palais di Parigi (1995).
Zoran Mušič was a painter and graphic artist who studied at the Academy
of Fine Arts in Zagreb. He travelled widely in Europe, before settling
in Venice in 1944. The same year, he was arrested by the Gestapo and
deported to the Dachau concentration camp. The anguish and horrors of
his imprisonment, recorded in a tragic series of secretly made drawings
and sketches, would always remain impressed on his memory. Following
his liberation by American troops in 1945, he returned to Venice and
resumed painting, focusing on the city’s landscape. In the early 1970s, the
painful images of the Dachau drawings surfaced in the cycle entitled We
Are Not the Last, which earned him growing international renown. These
new paintings bearing witness to the distressing atrocities of the Nazi
extermination programme are populated by disturbing alienated and
disorientated human presences that, over the years, were transformed
into portraits and self-portraits, like “Autoportrait” (1970) displayed here.
Mušic took part in many editions of the Venice Biennale (1948, 1950, 1956,
1960, 1976, 1982 and 1984). The most important exhibitions of his work
include solo shows at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1972),
the Museo Correr in Venice (1985), the Pompidou Centre in Paris, the French
Academy in Rome (1992) and the Grand Palais in Paris (1995).
40 41what’s new?
henrik olesen
2020
Esbjerg, Danimarca, 1967
Protagonista internazionale della ricerca artistica a orientamento sociale,
Henrik Olesen esplora le strutture su cui si fondano il potere e i sistemi
di informazione, portando alla luce le logiche intrinseche che stanno
alla base del controllo politico. Tematiche centrali della sua rigorosa
indagine sono l’identità e il peso che le norme familiari, sociali e culturali
esercitano nella costruzione dell’identità stessa. Le sue opere mettono
spesso in discussione i modelli comportamentali imposti da una comunità
ideologicamente eterosessuale, pronta ad adottare misure repressive
nei confronti della diversità di genere. L’artista attinge dunque a un
vasto repertorio di materiali di riciclo che possiedono una loro intrinseca
henrik olesen
a.t., 2019 dimensione narrativa come libri, fotografie, manifesti, documenti pubblici
stampa inkjet su carta unitamente a oggetti della quotidianità come scatole di legno e tavoli,
inkjet print on paper per affrontare argomenti di ambito storico, giuridico, politico, filosofico,
141 × 99,5 cm
scientifico. Le due fotografie in mostra intitolate “A.T.” (2019) raccontano
la tragica vicenda del matematico inglese Alan Turing (1912-1954),
considerato il padre dell’informatica moderna, costretto dalle autorità
britanniche a sottoporsi a trattamento con ormoni femminili a causa
della sua omosessualità. Il suo lavoro e i suoi progetti sono stati esposti in
istituzioni come il Malmö Konsthall (2010), il Kunstmuseum di Basilea (2011),
il MoMA di New York (2011) e il Museo Nacional Reina Sofia (2019). Ha
partecipato alla Biennale di Istanbul (2011), alla Biennale di Venezia (2013),
a Manifesta (2014) e alla Biennale di San Paolo (2016).
A leading international figure in artistic research probing social themes,
Henrik Olesen explores the structures underlying power and information
systems, bringing to light the intrinsic logic on which political control is
based. Identity and the influence that family, social and cultural norms
exert on the construction of identity itself are central themes of his rigorous
investigation. His works often challenge the behavioural models imposed
by an ideologically heterosexual community, ready to adopt repressive
measures against gender diversity. Olesen tackles historical, juridical,
political, philosophical and scientific issues by drawing on a huge array
of recycled materials with their own intrinsic narrative dimension, such as
books, photographs, posters and public documents, along with everyday
objects like wooden boxes and tables. The two photographs on display
here entitled “A.T.” (2019) tell the tragic story of English mathematician Alan
Turing (1912-1954), considered the father of modern computer science, who
was forced by the British authorities to undergo treatment with female
hormones for his homosexuality. Olesen’s work and projects have been
exhibited at venues including the Malmö Konsthall (2010), the Kunstmuseum
Basel (2011), MoMA New York (2011) and the Museo Reina Sofia in Madrid
(2019). He has taken part in the Istanbul Biennial (2011), the Venice Biennale
(2013), Manifesta (2014) and the São Paulo Biennial (2016).
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