Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna Orchestra europea - Orchestra Filarmonica di Bologna
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Filarmonica
del Teatro Comunale
di Bologna
Orchestra europea
magazine
n.19 febbraio 2020
Via de’ Fusari 6c - Bologna 051 235211 - www.sacrocuoreprofumi.it
EDITORIALE
Il 16 dicembre (o il 17, non v’è certezza sul scontato quello che si sa di lui, delle sue opere, della sofferenza e le prove cui è stato sottoposto dalla
giorno...) del 1770 nacque Ludwig van Beethoven. sua influenza. sorte, è riuscito a indicare a tutti noi una via di
I festeggiamenti per la sua nascita sono così stati, salvezza, etica ed estetica, che non va ricercata nella
di fatto, anticipati di un anno, essendo partiti a Personalmente, credo che sia da evidenziare il valore sua vita ma nella sua musica. Se si ascolta il terzo
fine 2019. Evidentemente, non si è fatto tesoro soteriologico della musica di Beethoven, intesa cioè movimento della Sonata per pianoforte op.109,
delle polemiche sul famoso capodanno 2000 – come una vera dottrina della salvezza. E provo per esempio, nelle sei variazioni del tema si muove
apertura di un nuovo millennio che in realtà sarebbe a spiegarmi. Tuttora, nell’immaginario collettivo, tutto l’animo umano, si concentra un distillato di
incominciato l’anno seguente – e l’effetto simbolico domina la figura del compositore ribelle, integro, consapevolezza che va oltre la malinconia, o la
della cifra vince sulla data corretta in cui iniziare le dedito totalmente alla sua arte: in poche parole, stessa serenità. Se si comprende questo movimento,
celebrazioni. E allora, non saremo certo noi a fare l’immagine romantica del genio. C’è, tuttavia, un capiamo che Beethoven è giunto a “sapere”, così
i pedanti, per cui eccoci a officiare diligentemente altro Beethoven: talvolta vanitoso, talaltra arrogante che anche noi, forse, possiamo riuscire ad avvicinarci
l’anno beethoveniano con un ciclo di ben diciotto nella consapevolezza del proprio genio, in cerca di a quella Verità (parolona fuori moda, oggigiorno, e
concerti – grazie alla benvenuta nuova stagione approvazione (e denaro) dalla migliore aristocrazia che forse richiederebbe un qualche recupero, dopo
sinfonica congiunta tra Orchestra Filarmonica del viennese, intriso d’illuminismo ma anche pronto a la sbornia del post-moderno...), ascoltando l’intima
Teatro Comunale e Orchestra della Fondazione rendere omaggio principi e sovrani in occasione del essenza di quella musica. Grazie a Beethoven, se
Teatro Comunale – tutto incentrato sulle opere del Congresso di Vienna, nel 1815. Ne risulta, emendata non proprio la salvezza, certo una buona dose di
Grande Festeggiato. dallo strato romantico, una figura molto più umana, quieta consapevolezza, la possiamo raggiungere.
vittima, come tutti, di contraddizioni e debolezze. Non è poca cosa e merita qualche festeggiamento.
A cosa servono, ci si poterebbe chiedere, gli
anniversari, le celebrazioni, in questo caso? Va bene Se, però, consideriamo questa parte della sua natura
per qualche compositore ingiustamente negletto che non ne fa un diverso da ciascuno di noi, e le sue
che si può sperare di recuperare a nuova notorietà, sofferenze fisiche – dalla sordità agli altri problemi
ma questa specifica nascita ha davvero ancora negli ultimi dieci anni della sua vita – e ascoltiamo
bisogno di essere ricordata? Noi riteniamo di sì: la sua musica, specie le ultime sonate per pianoforte Guido Giannuzzi
Beethoven è stato un genio indiscusso, non solo in o gli ultimi quartetti, ecco che emerge, in Beethoven, Direttore Responsabile
ambito musicale, e questo è ormai assodato. Questa l’aspetto che ho definito soteriologico. Quello, “Filarmonica Magazine”
certezza, tuttavia, comporta il rischio di dare per cioè, di una figura gigantesca che, attraverso la guido.giannuzzi@filarmonicabologna.it
LE VIE DEI CANTI
a cura di Guido Giannuzzi
Il vaso conferisce una forma al vuoto e la musica al silenzio.
Georges Braque
Filarmonica Magazine SOMMARIO
n. 19 mese febbraio anno 2020
Aut. Tribunale di Bologna Editoriale | 03 Una fine e un inizio.
N. 7937 del 5 marzo 2009
Le vie dei canti | 03 Il 1770 e l’altro anniversario. | 09
Editore
Associazione Filarmonica Beethoven, teatralità di Fidelio | 05 Musica sulle braci | 12
del Teatro Comunale di Bologna
Porrettana 148/3 – Bologna
(prima parte) Ugalberto de Angelis..... | 15
Redazione
Sede operativa
c/o Teatro Auditorium Manzoni
via De’Monari 1/2, 40121 Bologna UN RINGRAZIAMENTO PARTICOLARE A
Direttore responsabile e redazione
Guido Giannuzzi
guido.giannuzzi@filarmonicabologna.it
Hanno collaborato
Salvatore Dell’Atti
Paolo Locatelli
Tommaso Luison
Giorgio Pestelli
Foto di copertina
© Marco Caselli Nirmal
Progetto grafico
Punto e Virgola, Bologna
Filarmonica
del Teatro Comunale
di Bologna
Orchestra europea
www.filarmonicabologna.it
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BEETHOVEN, TEATRALITÀ DI FIDELIO
di Giorgio Pestelli*
È sorprendente quanto sia stato lungo il tempo le due tradizionali capitali della “patria del i quali scelsero il Fidelio per una serata a loro
impiegato dal Fidelio di Beethoven a rompere il melodramma”; e questa assenza non può più beneficio. È questa la terza versione del Fidelio
muro d’indifferenza dei teatri lirici italiani e a essere spiegata con l’estraneità a un genere (senza aggiunta di sottotitoli) presentata al
entrare nel loro repertorio. Per tutto l’Ottocento o con un pregiudizio nazionale, ma con un Teatro di Porta Carinzia il 23 maggio 1814
il Fidelio era stato rappresentato in Italia pregiudizio di natura critica: quello della sotto la direzione dell’autore, il quale oltre a
solo due volte, a Milano nel 1883 e a Roma “non teatralità” del Fidelio, del disagio che scrivere di sana pianta nuove parti riutilizzò
nel 1886: età in cui, da circa un ventennio, il massimo composito- re strumentale della alcuni numeri eliminati nel 1806. Anche il
la conoscenza delle opere strumentali di storia avrebbe provato di fronte agli impacci libretto di Joseph Sonnleithner subì qualche
Beethoven si era già ampiamente diffusa nella delle convenzioni teatrali e all’impiego della ritocco ad opera di Georg Friedrich Treitschke
società musicale italiana, fondandone anzi voce umana come mezzo espressivo. che introdusse alcuni spunti dedotti da Goethe
l’immagine come il vertice della musica di ogni e Schiller sul tema della libertà; durante il
tempo; forse è da mettere in conto l’avversione A dire il vero, sulle prime, nemmeno in patria delirio di Florestan in carcere, con l’immagine
dell’Ottocento vocale italiano per forme ibride l’opera ebbe vita facile: una prima versione di Leonore-angelo che lo guida verso una
quali l’opéra-comique o il Singspiel, come appunto in tre atti con il titolo Fidelio oder Die eheliche liberazione tutta ideale, è evidente l’influenza
il caso del Fidelio, nelle quali la vicenda è solo Liebe (“Fidelio o l’amor coniugale”) fu della conclusione di Egmont; e alcuni versi
in parte cantata, e in parte recitata come nel rappresentata il 20 novembre 1805 al Teatro dell’Ode alla Gioia di Schiller sono echeggiati
teatro di prosa. Ma sorprende di più il quadro an der Wien, una settimana dopo l’invasione nella morale conclusiva cantata dal Ministro
che si presenta in Italia nella prima metà francese di Vienna, rimanendo in cartellone (la cui “suite” in tedesco diventa Volk, popolo:
del Novecento: nessun Fidelio fino al 1927, per tre sere; subito Beethoven s’impegnò in tuttavia formato più da sudditi fedeli che
primo centenario della morte di Beethoven, una seconda versione riveduta, e sopra tutto da sanculotti). Finalmente l’opera s’impone
quando a celebrare l’anniversario La Scala di accorciata in due atti: che andò in scena nello così all’attenzione del pubblico e dei teatri
Milano e il Regio di Torino mettono l’opera in stesso teatro il 29 marzo 1806, per due sere tedeschi, ricevendo poi un definitivo impulso
cartellone; a Firenze appare la prima volta nel soltanto, con il titolo Leonore oder Der Triumph nella stagione viennese del 1822, quando
1930, a Genova nel 1937; senza proseguire der ehe- lichen Liebe (“Leonore o il trionfo nella parte di Leonore canterà una giovinetta
un minuto resoconto, va almeno rilevato che dell’amor coniugale”). Passano otto anni e di grande temperamento drammatico
fino al secondo dopoguerra il Fidelio non l’idea di riportare l’opera alla luce si deve a e destinata a una luminosa carriera, la
viene mai rappresentato a Bologna, la prima tre cantanti del Teatro di Porta Carinzia (fra Wilhelmine Schröder-Devrient.
città wagneriana d’Italia, né a Trieste, città i quali Johann Michael Vogl, il grande amico Per fugare il pregiudizio di uno scarso
austriaca fino al 1918, né a Vene- zia e Napoli, di Schubert, che cantava la parte di Pizarro), mordente spettacolare del Fidelio è necessario
Jean-Baptiste Isabey (1767-1855) – Il Congresso di Vienna, 1815
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momento nessun altro genere operistico gli
poteva garantire con altrettanta aderenza e
immediatezza.
Gli antecedenti del Fidelio stanno quindi nella
comédie larmoyante e nella tragedia borghese,
generi “intermediari” come li chiamava Diderot,
precisi nelle coordinate storiche e geografiche,
protesi verso pathos e sentimento, ma non
meno attenti al mezzo carattere, alla realtà
quotidiana e alla varietà sociale: nel campo
musicale sarà sopra tutto l’opéra- comique che
nella sua agile struttura alternata di sezioni
par- late e cantate, di prosa, musica e poesia,
si farà specchio fedele di quel gusto. I libretti
di Michel-Jean Sedaine per Monsigny, Philidor
e Grétry si incaricheranno, con ammirevole
duttilità, di portare nuovi argomenti e
intrecci in quel teatro musicale considerato
fino a quel momento minore e leggero. Alle
spalle dei libretti di Sedaine si sente infatti
l’ondata sentimentale, intrisa di lacrime e di
gesti edificanti, del teatro di Louis-Sébastien
Mercier, i cui soggetti a partire dagli anni 1770
continueranno a proliferare nel teatro d’opera
fino agli anni Trenta dell’Ottocento: sulla via
del Fidelio un antecedente da non dimenticare,
anche perché ben noto a Beethoven, è certo il
secondo Atto di Richard Coeur de Lion (1784)
di Grétry: il grande re è nell’oscura profondità
di una prigione, e l’orchestra con “sforzati”,
salti modulativi e sbalzi dinamici, aumenta
il senso di paura e abbandono; Riccardo non
spera più e invoca la morte; ma a questo
punto, dalla strada o da qualche altro punto
esterno, sente cantare qualcosa, il moti- vo
N.C. Wyeth (1882-1945) – Beethoven e la natura, 1919
della canzone di Blondel, il paggio fedele,
“Une fiè̀vre brûlante un jour me terrassait”
distinguere la sua teatralità da quella della sapeva di classicità greca; ora, il suo genio (tema sul quale Beethoven ha scritto una serie
commedia musicale d’azione di Mozart e seppe liberarsi di colpo dal classicismo del di Variazioni per pianoforte: sollevate verso la
Da Ponte, per non dire da quella dell’opera Fuoco di Vesta per impossessarsi della classicità fine da un respiro ben superiore allo spirito del
italiana dell’Ottocento; è una teatralità profonda insita nello scheletro drammatico salotto): è in tale quadro di sentimenti, che
che ha avuto meno fortuna storica, meno del Fidelio: consistente in quell’avvicendarsi, fanno un salto in avanti per apparire in primo
conseguenze, ma che quando si affacciò giusta la Poetica aristotelica, di “pietà” e piano, che bisogna collocare il corso dell’opera
sulle scene europee era autorevole e piena di “terrore” con finale “purificazione” dei rivoluzionaria nata in Francia e poi diffusasi in
attrattive: si trattava di quel filone di teatro patimenti rappresentati; tutte cose che in quel varie forme in Europa.
musicale realistico e avventuroso che era nato
e maturato a Parigi, in particolare per merito
di Luigi Cherubini, nel decennio rivoluzionario
1790-1800. La forza d’urto di questo genere
nuovo si vede bene ricordando che nel corso
del 1803, su richiesta di Emanuel Schikaneder,
il famoso impresario amico di Mozart, nonché
primo Papageno della storia, Beethoven stava
già lavorando, anche se con poca convinzione,
a un’opera teatrale di soggetto classico,
Il fuoco di Vesta; l’impreveduta scoperta
delle “brillanti e seducenti opere francesi”,
come le definiva Beethoven in una lettera
a Rochlitz del 1804, fu come un colpo di
fulmine e altrettanto immediato l’interesse
per l’emozionante storia di Leonore: che
appunto in quel terreno era germogliata,
da un “fatto vero” accaduto al tempo della
Rivoluzione, registrato nelle Memorie di Jean
Nicolas Bouillé e dallo stesso adattato a
libretto per le note di Pierre Gaveau (Léonore
ou L’Amour conjugale, Parigi 1798). Beethoven,
si sa, guardava con passione a tutto quanto Wilhelm Furtwangler (1886-1954), uno dei più grandi interpreti di Fidelio
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Vienna, il Kohlmarkt ai primi dell’Ottocento. Sulla destra l’editore di Beethoven, Artaria
Uno degli elementi più tipici di questa italiano, gareggia con la staticità delle arti ma ora anche la donna assume un ruolo
nuova teatralità è la tendenza al tableau, al plastiche, perché il suo scopo è quello di attivo, e proprio Bouillé, nelle sue Memorie di
quadro vivente, come momento culminante staccare, fissare nel tempo una situazione magistrato in Turenna all’epoca del Terrore,
e moralmente pregnante dell’azione: basta esemplare a scopo educativo e morale. Altro testimonia di aver trovato nell’abnegazione
sfogliare le didascalie dei libretti per trovare punto in cui valutare l’apparire di un nuovo di donne di ogni età e rango esempi luminosi
minute indicazioni che tendono a costituire ordine di sentimenti è il mutamento del ruolo di sacrificio e coraggio: di queste donne forti
esempi plasticamente emergenti sul fluire della donna, la nuova considerazione di cui che sacrificano le trecce e all’occorrenza
dell’azione; talvolta sono indicati i gesti è fatta segno negli intrecci. In un contesto impugnano le armi per salvare la vita a
stessi, i raggruppamenti dei personaggi con di pericolo della vita, tempesta sulla casa, compagni o mariti, la Leonore di Beethoven
una precisione degna della coeva pittura separazione di famiglie, l’amore si rafforza è il prototipo e l’emblema vivente nel teatro
edificante di Jean-Baptiste Greuze: proprio come “amore coniugale”, ed è in questa musicale. Si può dunque capire perché,
nel Fidelio si veda il “quadro di famiglia” nel luce che va vista la posizione polemica di scomparso da anni Mozart, con Haydn lontano
dialogo che precede il Terzetto del primo Atto, Beethoven verso la componente libertina dai teatri e l’anziano Salieri che scrive musica
con Fidelio che «prende fra le sue una mano di delle opere italiane di Mozart, il suo rifiuto sacra, l’“opera francese”, che innalzava il fatto
Rocco», Marzelline che prende «l’altra mano del soggetto del Don Giovanni, profanatore di cronaca a pagina eroica, che si concludeva
portandosela al cuore» e Rocco che «guarda di una musica di per sé venerata. La donna con un elettrizzante finale positivo in extremis,
entrambi commosso». Ora, il correlativo ancien-régime “covava” le sue passioni, come dovesse diventare, almeno fino alla comparsa
musicale del tableau, il così detto ensemble, è diceva Diderot, costretta nei limiti della vita di Rossini, un polo di attrazione irresistibile.
qualcosa che, a differenza del “concertato” domestica e nel ruolo subordinato all’uomo; Prima parte
*Il saggio, apparso nel libretto di sala (edizioni Pendragon) del Fidelio rappresentato presso il Teatro Comunale di Bologna
nel novembre 2019, viene pubblicato per gentile concessione dell’Autore e della Fondazione Teatro Comunale di Bologna.
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Roberto Crippa, Vol de la matiere, 1962
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UNA FINE E UN INIZIO.
IL 1770 E L’ALTRO ANNIVERSARIO.
di Tommaso Luison
vent’anni è a Padova per studiare alla Facoltà
di Giurisprudenza, già valente spadaccino
e pronto a sposare in segreto Elisabetta
Premazore, giovane fanciulla di rango sociale
inferiore al suo. Questo episodio, secondo la
tradizione, avrebbe suscitato l’ira del Vescovo
di Padova, protettore della fanciulla, e della
famiglia del Nostro, costringendolo a una
fuga avventurosa dalla città (o dalla sposa
novella?) per raggiungere Assisi in abiti
da pellegrino. Qui, accolto tra le mura del
grande convento francescano, Tartini inizia
a perfezionarsi e per due anni si dedica allo
studio matto e disperatissimo del violino
e della composizione. Le prime esperienze
di lavoro sono nelle orchestre dei Teatri di
Ancona e Fano, e poi a Venezia, dove abita
per qualche anno con la moglie, recuperata
dopo l’iniziale abbandono. Nel 1721 Tartini
viene assunto, senza concorso e per chiara
fama, come Primo Violino e Capo di Concerto
a Padova, nella Cappella Musicale della
Basilica di Sant’Antonio (Basilica del Santo,
per i padovani) e qui resterà, a parte un lungo
Basilica del Santo a Padova, acquarello su carta di Anonimo del XVII secolo soggiorno a Praga tra il 1723 e il 1726, fino alla
fine della sua carriera. Una fedeltà alla maglia
«Morì universalmente rimpianto dai patavini ricco di eventi celebrativi, convegni e piuttosto anomala, se paragonata alle carriere
che avevano goduto a lungo della sua arte ed pubblicazioni. Un grande astro si spegne e di altri virtuosi dell’epoca, come Locatelli,
erano stati edificati dalla sua pietà e dalle sue un altro nasce. La tentazione di dipingere Vivaldi e Geminiani, sempre in viaggio e alla
buone opere. [...] Il suo valore di compositore un ideale passaggio di consegne tra i ricerca di successi nazionali e internazionali.
e di virtuoso è troppo noto perchè io debba due musicisti come rappresentanti di due Tartini sembra trovare nel contesto di una
qui tesserne le lodi: dirò soltanto che come epoche è forte. Nell’immaginario collettivo, città di provincia l’opportunità di sviluppare
compositore fu uno dei pochi geni originali necessariamente semplificato, Tartini chiude altri aspetti della propria carriera musicale, in
di questo secolo e che soltanto in se stesso un’epoca, il Barocco e pone le basi per il futuro particolare la didattica e l’approfondimento
trovò la fonte della propria ispirazione. La Classicismo, di cui Beethoven rappresenta teorico. Fonda nel 1728 la sua Scuola di Violino,
sua melodia era ricca di fuoco e di fantasia, uno dei massimi interpreti, superandolo nella che attira studenti da ogni parte d’Europa e
e la sua armonia, per quanto sapiente, era fase finale della sua vita. Questa visione che viene riconosciuta come la più importante
semplice e pura. Padova, 30 luglio – 2 agosto progressiva e schematica tuttavia non rende nel suo genere nel panorama internazionale
1770.» giustizia all’unicità e particolarità di entrambi, settecentesco, tanto da valerle il titolo di
Così Charles Burney, pioniere della storiografia infatti Tartini non può definirsi veramente Scuola delle Nazioni. La speculazione teorica è
musicale, racconta Giuseppe Tartini in alcune barocco e Beethoven non può definirsi l’altro aspetto che caratterizza il suo percorso
pagine del suo diario di viaggio sui mesi altrimenti che ... Beethoven . Certamente il
trascorsi in Italia nel 1770. L’autore considera violinista e la sua opera sono oggi meno noti
una particolare sventura non aver potuto al pubblico rispetto al genio di Bonn, ma da
incontrare personalmente il celebre violinista, qualche anno vi è una ripresa d’interesse,
morto il 26 febbraio del 1770 all’età di grazie a numerose iniziative promosse da
settantasette anni, pochi mesi prima del suo Università di Padova, Conservatorio Tartini
Grand Tour nel Belpaese. L’anziano violinista di Trieste, Comune di Pirano e altri soggetti
aveva smesso di esibirsi pubblicamente istituzionali e associativi. Nel 2020 l’uscita
da qualche anno e trascorreva le giornate dei primi volumi dell’Edizione Nazionale delle
insegnando, dedicandosi alla speculazione Opere di Tartini, per l’editore Bärenreiter, sarà
teorica e alla composizione. Vedovo e di ulteriore impulso ad una riscoperta critica
senza figli, era assistito nell’ultimo anno di del suo ampio repertorio.
vita dall’amico fraterno Antonio Vandini, Di padre fiorentino e madre piranese, Tartini
violoncellista bolognese, che con lui aveva nasce a Pirano d’Istria nel 1692, territorio
condiviso mezzo secolo di vita e musica nella all’epoca sotto il controllo della Serenissima.
Cappella Musicale della Basilica del Santo Quarto di nove tra fratelli e sorelle, a lui
(Antonio) Padova. toccherebbe in sorte la carriera ecclesiastica,
Giuseppe Tartini condivide con l’immenso ma il suo carattere, il suo talento, e una forte
(e un po’ ingombrante) Ludwig un 250° inclinazione all’indipendenza mal si conciliano Monumento a Giuseppe Tartini a Pirano, sua
anniversario (1770-2020) che si preannuncia con questa prospettiva di vita. A meno di città natale
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professionale e esistenziale e che nasce dalla infiammato dal genio della composizione. per sempre la musica se fosse stato in grado
scoperta/rivelazione del fenomeno acustico Sognò una notte, nel 1713, di aver fatto un di fare a meno dei mezzi di sussistenza che
del Terzo Suono, nel 1713. Una ricerca che patto, e che il diavolo era al suo servizio; tutto gli procurava». A parte l’ultima concreta
porta il compositore ad approfondire con gli riusciva secondo suo piacere, le sue volontà considerazione sul mestiere di musico e il vil
fatica (e spesso con errore) la matematica e erano sempre prevenute e i desideri sorpassati denaro, il racconto è indubbiamente ricco di
la geometria, e a pubblicare due trattati molto dai servizi del suo nuovo domestico; infine si poesia e dopo aver stimolato la fantasia dei
contestati dal mondo culturale dell’epoca. immaginò di dargli il suo violino per vedere se Romantici nell’Ottocento mantiene ancora
Così chiarisce Sergio Durante: «La sete di fosse capace di suonargli delle belle melodie: oggi un fascino noir.
sapere, congiunta a una ambizione smisurata ma quale fu mai il suo stupore nell’ascoltare Gli studi storiografici più recenti tendono a
(e parallela a una esagerata professione di una sonata così singolare e bella, eseguita mettere in dubbio l’autenticità del racconto,
modestia, che la conferma), doveva portarlo con superiorità e intelligenza tale, quale non così come molti altri aspetti avventurosi della
a mettersi in gioco nell’agone dei dotti del aveva mai sentito e nemmeno immaginato biografia tartiniana, dal matrimonio segreto
tempo, da Leonardo Eulero a Jean Jacques in vita sua che potesse reggere il confronto? (forse non così segreto...), alla sua giovinezza
Rousseau, concependo niente meno che Provò una tale sorpresa, rapimento e piacere ribelle e scapestrata. L’intento di una
un sistema universale col quale intendeva da perdere il fiato: fu risvegliato da quella ricostruzione storica accurata è fondamentale
dare conto della continuità tra fenomeni violenta sensazione; prese immediatamente per una più attenta comprensione di questo
fisico-acustici e loro rappresentazioni il suo violino, sperando di ripetere una parte straordinario musicista e intellettuale, ma
numeriche o geometriche. Di più, un sistema di quello che aveva ascoltato, ma invano; il in fin dei conti anche la narrazione mitica
che facesse intravedere [...] la particolare pezzo che compose al momento è in verità della sua vita, ormai entrata nella tradizione,
capacità dell’arte dei suoni di rappresentare il più bello che abbia mai fatto, e lo chiama rimane parte del Tartini dopo Tartini.
il vero, un vero fisico e metafisico insieme». ancora la sonata del diavolo; ma era così E allora ben venga che Dylan Dog, nel celebre
Tartini non si accontenta della sua fama inferiore a quella ascoltata che avrebbe fumetto L’alba dei morti viventi (1986),
di virtuoso, didatta e compositore, ma si fatto a pezzi il suo violino e abbandonato suoni al clarinetto il Trillo del Diavolo.
confronta con gli intellettuali dell’epoca e
partecipa dell’Illuminismo Europeo, attraverso
contatti epistolari e diretti, nell’ambito delle
Accademie. Tra coloro che sanno ascoltare e
apprezzare gli studi di Tartini vi è il bolognese
Padre Giovanni Battista Martini, musicista ed
erudito francescano, figura di riferimento nel
panorama culturale settecentesco. Con Padre
Martini il violinista Piranese intrattiene un
solido e duraturo scambio epistolare dal quale
si evince una stima reciproca e una amicizia
sincera. Gli argomenti delle lettere, delle
quali è prossima una pubblicazione integrale,
passano dalle dissertazioni di carattere
teorico ad argomenti più quotidiani come la
spedizione di pregiato tabacco padovano,
cioccolata e rosolio. È un dato singolare o
forse una pura coincidenza che anche un
altro carissimo amico di Tartini sia bolognese.
Il violoncellista Antonio Vandini, del quale si
è accennato sopra, si era trasferito a Padova
prendendo servizio presso la Basilica del
Santo come Primo Violoncello a pochi mesi
di distanza da Giuseppe Tartini. Il sodalizio
musicale tra i due durerà quasi cinquant’anni,
nell’ambito dell’orchestra del Santo e anche in
contesti privati, come le Accademie.
L’opera musicale di Tartini è quasi interamente
strumentale, a parte alcuni brani vocali di
carattere sacro o devozionale. Lo strumento
principe dei concerti e delle sonate è il violino,
ma vi sono alcuni interessanti concerti per
violoncello e per flauto, oltre a sonate a tre
e a quattro parti per archi. Nonostante un
corpus di circa 350 composizioni, il nome
di Tartini è sopravvissuto nell’immaginario
collettivo attraverso un’unica celebre sonata,
detta il Trillo del Diavolo, che è entrata nel
repertorio dei violinisti forse più per la mitica
origine diabolica che per caratteristiche
strettamente musicali. La vicenda è narrata
dall’astronomo Joseph Jérome de Lalande
nel suo diario di viaggio di ritorno dall’Italia,
nel 1765-66: « [ Tartini] mi ha raccontato un Il numero #1 di Dylan Dog dove il prtagonista suona il Trillo del Diavolo di Tartini
fatto che dimostra bene fino a che punto fosse (versione inglese), 1986
10mari
carraro
mari carraro | via farini 32c/d, 40124 bologna | tel. 051 23 96 99 | info@maricarraro.itMUSICA SULLE BRACI
di Paolo Locatelli*
«Incendi e guerre sono stati
il nemico numero uno dei
teatri. A Barcellona il Liceu
ha festeggiato vent’anni
dalla riapertura. Un viaggio
alla scoperta delle rinascite
eccellenti che hanno ridato
slancio alla musica».
Il Liceu di Barcellona durante i lavori di
ricostruzione dopo l’incendio del 1994
La speranza delude sempre, dice Turandot. di quella rinascita, in questa nuova stagione l’ha attraversato. Nel caso del Liceu gli stop
In realtà qualche eccezione c’è. Ad esempio 2019-20 si è scelto di ripartire proprio furono tre: due per incendio (1861 e 1994)
la speranza di rivedere in opera il Liceu di dall’estremo capolavoro di Puccini, un ritorno e, nel mezzo, un attentato terroristico per
Barcellona dopo il rogo del 1994 lasciò ben al passato per guardare al futuro con una mano di un anarchico il 7 novembre 1893, che
poco sulle spine, tant’è che in un lustro il nuova produzione da grandi investimenti, causò venti morti e quaranta feriti. Il conto
teatro era di nuovo aperto e funzionante, affidata al “furista” Franc Aleu, per quello che delle vittime poteva essere più drammatico:
pronto a riaccogliere il pubblico proprio con è il teatro d’opera più glorioso di Spagna. Non delle due bombe piazzate fortunatamente
Turandot. Da quel 1999 le molte cose sono se ne abbiano a male i madrileni, ma il Real ne esplose solo una, ma quello restò il più
cambiate. Nel mezzo c’è stata anche una crisi ha una storia operistica relativamente recente, sanguinoso attentato su suolo europeo fino
economica non facile, né per il teatro, né per mentre il Palau de les Arts Reina Sofía di agli anni Venti del Novecento. Il rogo più
il paese, né per la Catalogna, squassata dalle Valencia, dopo il fulgore dei primi (ricchissimi) recente, di origine accidentale, distrusse sala
sommosse dei filo-separatisti, soprattutto a anni con Maazel e Mehta, pare in cerca di una e palcoscenico, lasciando illesi i locali che
metà ottobre, dopo la condanna definitiva propria dimensione. Le peripezie catalane non guardano sulla Rambla, tra cui il meraviglioso
dei leader politici promotori del referendum sono un’eccezione in questo mondo, tutt’altro: salone degli specchi. La torre fece da camino,
sull’indipendenza del 2017. Per riallacciare quasi ogni teatro che abbia più di un secolo aspirando le fiamme verso il palcoscenico.
i ponti con la storia e ribadire l’importanza di storia alle spalle qualche momento buio SiSandie
decise Shaw
di ricostruire il teatro “com’era e
12incommensurabile bruttezza ma impagabile
comodità. Chissà che oggi i berlinesi appollaiati
sulle sedute laterali della chiccosissima opera
storica non lo rimpiangano un po’. Come
si accennava trattando i casi della Fenice,
del Liceu o, sull’altra sponda del fiume, del
Regio di Torino, spesso le ricostruzioni di
edifici storici pongono seri problemi riguardo
all’opportunità o meno di rispettare i progetti
originali, ricostruendo l’edificio tale e quale,
oppure di rinnovarne completamente il
carattere, adeguandolo ai tempi mutati. Per
il Regio, o per il Carlo Felice di Genova ad
esempio, si sono scelte strade nuove, in altri
casi si è replicato quanto distrutto da fiamme
o bombardamenti. Nel dopoguerra a Vienna
divampò un’aspra polemica sul ripristino o
meno dei palchetti della Staatsoper. Si optò per
il sistema antico, in luogo delle più moderne
e democratiche “file”, rispolverando, pur
con qualche minuscola modifica, il progetto
originale di August Sicard von Sicardsburg,
ritenuto esteticamente più compatibile con
gli altri spazi dell’edificio e con la memoria
del pubblico. Guardandosi indietro, il caso
forse più eccentrico di chiusura temporanea
riguardò l’opera reale svedese, le cui attività
Ricostruzione della Wiener Staatsoper dopo la Seconda guerra mondiale furono sospese tra il marzo e il novembre del
1792 dopo che il suo fondatore, il Re Gustavo
dov’era” – come si sarebbe detto e fatto di lì a Vienna ci mise dieci anni a risorgere – sostituita III, venne ferito a morte dal veterano Jacob
poco anche a Venezia e, con lo stesso slogan, nel frattempo dall’An der Wien – quella di Johan Anckarström durante il famoso ballo in
anche a Rimini col Teatro Galli, distrutto dalle Dresda molti di più e fu ripristinata, secondo il maschera. Il resto è storia (dell’opera).
bombe alleate nel 1943 e riaperto solo nel progetto antico, solamente negli anni Ottanta
2018 – ampliandone poi la parte invisibile: del secolo scorso. La riapertura della Wiener
il circondario venne espropriato per fare Staatsoper fu un fatto epocale, secondo Viktor
spazio a una torre scenica che dagli abissi Reimann “il più grande evento culturale in
di Barcellona sale per sessantaquattro metri, Austria dopo il 1945”. Era il 5 novembre del
oltre alle varie strutture di servizio, camerini 1955 e un nervosissimo Karl Böhm dirigeva un
inclusi. Parlando di teatri risorti dalle proprie cast di stelle nel Fidelio di Beethoven. Intorno
ceneri, il Liceu non costituisce un unicum. allo stabile alcune migliaia di persone in
Dalla Fenice di Venezia che bruciò e rinacque piedi sotto alla pioggia ascoltavano la recita,
due volte, entrambe come falso d’autore trasmessa in diretta dagli altoparlanti. Tra i
(l’attuale e precedente aspetto rococò è primi teatri a cadere sotto i colpi del conflitto
un’impostura ottocentesca, a imitare uno ci fu l’opera di Varsavia che nel 1939 venne
stile passato), fino al Petruzzelli di Bari, che cannoneggiato dai tedeschi. Ne sopravvissero
dal 1991 dovette attendere quasi vent’anni la facciata e alcune rovine su cui gli stessi
per rimostrarsi al pubblico. O ancora il Regio tedeschi avrebbero fucilato gli insorti durante
di Torino, anch’esso risorto dalle fiamme ma la rivolta del 1944. Oggi una lapide all’ingresso
ignaro del proprio aspetto antico. Anni di principale ne ricorda l’eroismo. Ci sono poi i
chiusura, per altri decenni, ma ancor nulla teatri che chiudono le serrande per qualche
rispetto all’attesa sterminata che dovettero operazione di restauro o restyling, che alle volte
patire i riminesi prima di riavere un teatro. Non marciano spediti secondo la tabella, altre
a caso, poco prima che Cecilia Bartoli riaprisse s’impantanano per motivi più o meno oscuri.
il Galli con Cenerentola, il sindaco di Rimini ha Se alla Scala i lavori targati Mario Botta per
voluto portare sul palcoscenico un signore l’edificazione della torre scenica portarono via
di settantacinque anni, emblema vivente di solo un paio d’anni, dal 2002 al 2004, per altro
quanto la città fosse rimasta orfana del suo ben dirottati sull’Arcimboldi (triste parabola,
teatro. Destino analogo toccò all’Opera de La passato in poco tempo da Verdi a Zelig), altrove
Valletta, che l’aviazione nazista bombardò le cose sono andate in modo diverso. Quando
nel 1942 e che rimase in ruderi fino agli anni il Massimo di Palermo venne chiuso nel 1974 i
2000, quando si diede vita al progetto di lavori sarebbero dovuti durare un paio d’anni:
risanamento di Renzo Piano che la mutò in un lo riaprirono Claudio Abbado e i suoi Berliner
teatro all’aperto. In tempo di guerra tuttavia le solo nel 1997. Dieci anni di pausa se li è presi
vittime più illustri e numerose si ebbero nella invece la Staatsoper Unter den Linden di
Mitteleuropa, dove quasi nessuna tra le grandi Berlino, nel frattempo degnamente sostituita
città sfuggì ai bombardamenti. L’Opera di dall’ottimo Schillertheater, un “cinemone” di Alexander Roslin (1718-1793)
Gustavo III di Svezia.
* l’articolo è uscito sul numero 246 della rivista Classic Voice Museo Nazionale, Stoccolma
13UGALBERTO DE ANGELIS:
RITRATTO DI UN COMPOSITORE FIORENTINO
di Salvatore Dell’Atti
Da quando Fedele D’Amico, in occasione di un seguendo un «faticoso cammino artistico artistica. Come guida, oltre ai maestri del
concerto nell’ambito della XXVIII Settimana sempre più solitario […] ma segnato dalla Conservatorio “Luigi Cherubini” di Firenze, si
Senese, scrisse di Ugalberto de Angelis fede incrollabile nella musica». lasciò indottrinare da Roberto Lupi, grazie al
«Arrossisco nel confessare d’aver ignorato il Nato a Milano nel 1932, Firenze l’ha accolto quale si avvicinò alle teorie antroposofiche di
nome stesso di questo compositore che vive a e “iniziato” all’arte della composizione Rudolf Steiner, e da Luigi Dallapiccola. Se dal
Firenze», sono passati ben quarantasette anni, facendone ben presto uno dei musicisti più primo assorbì una concezione più spirituale
ma ancora oggi molte persone potrebbero originali della sua generazione. La versatilità dell’arte e un vivo interesse per la musica
esprimersi con le stesse parole del famoso nella musica è stata la sua cifra: Ugalberto antica tra Ars Nova e Rinascimento, dal
musicologo e critico musicale romano. Da è stato cornista nell’Orchestra del Maggio compositore istriano ricevette un’impostazione
più voci, infatti, arrivano testimonianze di Musicale Fiorentino, insegnante al Centro Lirico più rigorosa passando per il mondo classico e
una natura riservata e incline alla modestia, del Teatro Comunale di Firenze, collaboratore approdando alla Seconda Scuola di Vienna,
«schivo come la sua musica così profonda, del Corriere del Teatro di Milano, consulente più in particolare a Berg. Pur diversi, Lupi e
pudica e assolutamente aristocratica». musicale alla Rai. A diciassette anni disse alla Dallapiccola costituirono per Ugalberto una
Preferiva studiare e vivere la sua esperienza madre: «Guarda che io farò il compositore», sorta di procedimento dialettico (la Aufhebung
artistica dietro le quinte e non sotto i riflettori, dichiarando così la sua vera vocazione di Hegel), che doveva sublimarli nella sua
poetica.
Il primo Goetheanum di Rudolf Steiner
a Dornach, Svizzera. 1908-1913
Ugalberto De Angelis (1932 - 1982)
15Nella Firenze del suo tempo De Angelis si
considerava un “solitario” e decise di non
aderire a nessuna corrente, compresa la
Schola Fiorentina che si formò tra gli Anni ’40
e ’50 grazie a sei compositori come Bruno
Bartolozzi, Arrigo Benvenuti, Reginald Smith
Brindle, Sylvano Bussotti, Alvaro Company e
Carlo Prosperi. Ugalberto, pur interessandosi a
ciò che succedeva intorno, preferì camminare
da solo alla ricerca di un’arte senza tempo.
«Io scrivo per i morti [per] quelli che sono
considerati morti dalla società contemporanea.
In questo senso la mia è veramente musica
funebre».
Così si espresse, lasciando intendere quanto la
sua musica andasse oltre le tendenze del suo
tempo e gli stessi ‘morti’ non rappresentassero
altro che quanti non condividevano le
medesime. In questo senso uscì vittorioso
dalla sfida che lanciava, tanto che le parole
a suo tempo usate da Leonardo Pinzauti
risultano ancora attuali: «oggi, il tempo gli
ha dato ragione […] perché continua ad
apparire un musicista dei nostri giorni, mentre
altri che credevano di esser più “moderni”
di lui appaiono ormai invecchiati». Chiara la
corrispondenza con le note del programma
di sala redatte da D’Amico per i Tre Canti:
«valgono assai meglio che innumerevoli
partiture di tanti suoi coetanei, le quali
circolano senza ostacoli e di cui si parla e si
scrive». La sua è stata una modernità assoluta
in quanto attingeva a modelli compositivi
archetipici e alle tematiche della mitologia
classica (Tre liriche greche op. 15, 1959 per
soprano coro e orchestra; Epitaffio op. 16,
1959, per orchestra; Melos op. 46, 1976). Ecco
che “la poetica della memoria” altro non è
che il desiderio di “proiettarsi nell’eterno”, da Pollicino di H.W. Henze al Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano, 1976
direttore Jan Latham-Koening
parte di un “pellegrino” che ricorda il Wanderer
del Romanticismo nella sua trasformazione
interiore. di essere Novecento senza sofisticherie del maestro, può trasformarsi in un anelito,
Purtroppo non ho conosciuto Ugalberto, o sperimentalismi a oltranza, ma attento un desiderio di poter ancora continuare a
ma ho sentito diversi musicisti fiorentini tra piuttosto ad assegnare alla musica una sua comporre «per altre dimensioni umane». In
la fine degli Anni ’70 e gli inizi degli Anni imprescindibile funzione comunicativa» questo contesto, la sua opera diventa anche
’80 parlare spesso di lui. Ciò che ancora mi (Nicolodi). musica in memoriam per i tanti suoi interpreti
colpisce è il fatto che ogni volta egli veniva Tra gli ultimi lavori ricordiamo il Quartetto n. 1 e amici come Dino Ciani, Fulvio Vernizzi,
nominato come Ugalberto, alla stessa stregua “Delle memorie per archi, eseguito il 3 agosto Massimo de Bernart, David Bellugi, Andrea
di Dante, Leonardo o Raffaello, e che tutti del 1980 al Cantiere Internazionale d’Arte di Tacchi e tanti altri che hanno avuto il privilegio
avevano un gran rispetto per la sua musica Montepulciano su invito di Hans Werner Henze, di camminare insieme con lui.
e la sua persona. Erano anni in cui il mondo e la Sequenza dei tre Re (10 marzo 1982) dedicata Ad accompagnarci in questo viaggio, dopo
della musica contemporanea gli tributava a Marco Bonechi come si evince dall’acrostico una raccolta di saggi curata nel 1992 da
una maggior considerazione e molti musicisti e dal suo retrogrado: «Ri-suonando…Molti Giovanni Vitali e una tesi di laurea di Daniele
fiorentini divennero suoi interpreti. Il citato Auguri Rituali Con…Omaggio…Oppure Con Garelli, è, all’interno della Collana Biblioteca
Melos per flauto dolce contralto e chitarra, Ritorno Alla Memoria…» che verrà eseguito, dell’Istituto “Clemente Terni”, il volume
composto il 15 febbraio del 1976, ebbe la post mortem il 2 dicembre del 1993, dallo L’Errante. Cammino di un musicista: Ugalberto
prima esecuzione al Festival de Paris il 4 stesso dedicatario, nella Sala del Buonumore de Angelis (1932 -1982) a cura di Maurizio
settembre del 1977, interpreti il flautista David del Conservatorio fiorentino ( Giuseppe Rossi Gagliardi e Michele Sarti (Firenze, LoGisma,
Bellugi (dedicatario) e il chitarrista Flavio ricorda che «è l’ultima opera di de Angelis 2017) editore. I saggi spaziano dalla biografia
Cucchi: era una «composizione di una solarità e concentra in poche pagine tutto il lirismo all’analisi, dalla poetica alla catalogazione, e
degna di Ravel» ( Pinzauti). Again, dedicato accorato e doloroso del compianto maestro comprendono testimonianze di colleghi, amici
ai Solisti di Fiesole, fu eseguito dallo stesso fiorentino»). e varie personalità che hanno avuto modo
ensemble sotto la guida di Giovanni Tanzini, Il suo cammino purtroppo s’interrompe nel di conoscerlo tra cui Luciano Alberti, Bruno
il 10 luglio 1978 all’interno della XXXI Estate 1982 mentre compone la Passione secondo Bartoletti, Luciano Berio, Riccardo e Cristina
Fiesolana e il 7 febbraio 1987 presso la Chiesa Uomini per ogni Uomo, un oratorio drammatico Muti. Si segnala, inoltre, in appendice, la
di S. Stefano a Firenze con L’ORT (Orchestra per soli, coro e orchestra, «testamento presenza di alcune fotografie altrettanto utili
della Toscana) sotto la direzione di Massimo spirituale rimasto incompiuto», espressione per avvicinare il lettore al cammino umano e
de Bernart. Il suo era «un modo personale della sofferenza tout court che, nella visione artistico del musicista.
16STAGIONE SINFONICA
2020
ASHER FISCH direttore FRÉDÉRIC CHASLIN direttore PIETARI INKINEN direttore JULIAN RACHLIN
ALBERTO MALAZZI Maestro del Coro MARCO RIZZI violino Ottorino Respighi direttore e solista
SIOBHAN STAGG soprano Ludwig van Beethoven Igor Stravinsky Ludwig van Beethoven
STEFANIE IRÁNYI mezzosoprano Johannes Brahms Ludwig van Beethoven Wolfgang Amadeus Mozart
ANTONIO POLI tenore Orchestra del Teatro Comunale di Bologna Orchestra del Teatro Comunale di Bologna Ludwig van Beethoven
FELIX SPEER basso SABATO 08 FEBBRAIO 20.30 MERCOLEDÌ 12 FEBBRAIO 20.30 Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna
Ludwig van Beethoven
LUNEDÌ 17 FEBBRAIO 20.30
Orchestra e Coro
del Teatro Comunale di Bologna
MARTEDÌ 04 FEBBRAIO 20.30
JURAJ VALČUHA direttore YOEL LEVI direttore HIROFUMI YOSHIDA direttore ASHER FISCH direttore e solista
ALEXANDER GAVRYLYUK pianoforte ALEXANDRA DOVGAN JESSICA PRATT soprano ALBERTO MALAZZI
Ludwig van Beethoven pianoforte Gaetano Donizetti Maestro del Coro
Edvard Grieg Felix Mendelssohn-Bartholdy Vincenzo Bellini Ludwig van Beethoven
Pëtr Il’ič Čajkovskij Ludwig van Beethoven Ludwig van Beethoven Orchestra e Coro
Orchestra del Teatro Comunale di Bologna Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna del Teatro Comunale di Bologna
DOMENICA 01 MARZO 17.30 LUNEDÌ 30 MARZO 20.30 DOMENICA 26 APRILE 17.30 MERCOLEDÌ 29 APRILE 20.30
CHEAP | diversa-mente.com
ASHER FISCH direttore ALEXANDER LONQUICH CORINNA NIEMEYER direttore HENRIK NÁNÁSI direttore
FRANCESCO PIEMONTESI pianoforte direttore e solista LUCA BURATTO pianoforte SERGEJ ALEKSANDROVIČ
Ludwig van Beethoven ILYA GRINGOLTS violino Ludwig van Beethoven KRYLOV violino
Anton Bruckner NAREK HAKHNAZARYAN Orchestra del Teatro Comunale di Bologna Richard Strauss
Orchestra del Teatro Comunale di Bologna violoncello SABATO 6 GIUGNO 20.30 Sergej Prokof’ev
VENERDÌ 22 MAGGIO 20.30 Ludwig van Beethoven Béla Bartók
Johannes Brahms Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna
Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna LUNEDÌ 22 GIUGNO 20.30
LUNEDÌ 25 MAGGIO 20.30
STEFANO BOLLANI direttore e solista ROBERTO ABBADO direttore PINCHAS STEINBERG direttore OKSANA LYNIV direttore
Wolfgang Amadeus Mozart ALEXANDER MELNIKOV FEDERICO COLLI pianoforte STEFAN MILENKOVICH violino
Stefano Bollani pianoforte Toshio Hosokawa Ludwig van Beethoven
Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna Ludwig van Beethoven Ludwig van Beethoven Max Bruch
LUNEDÌ 19 OTTOBRE 20.30 Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna Orchestra del Teatro Comunale di Bologna Robert Schumann
LUNEDÌ 16 NOVEMBRE 20.30 DOMENICA 22 NOVEMBRE 17.30 Orchestra del Teatro Comunale di Bologna
VENERDÌ 27 NOVEMBRE 20.30
JAMES CONLON direttore
Ludwig van Beethoven
RYAN MCADAMS direttore
KIAN SOLTANI violoncello AUDITORIUM MANZONI
Dmítrij Dmítrievič Šostakóvič Robert Schumann
Ludwig van Beethoven Johannes Brahms
Orchestra del Teatro Comunale di Bologna
MERCOLEDÌ 2 DICEMBRE 20.30
Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna
LUNEDÌ 21 DICEMBRE 20.30 www.tcbo.it
Main partner ORCHESTRA, CORO E TECNICI DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA
FILARMONICA DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA
Direzione
Generale
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