COSTANZA PRINCIPE ANBETA TOROMANI AMILCAR MORET GONZALEZ ALESSANDRO MACARIO MASSIMO MORICONE - pianoforte ballerini coreografo
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SALA VERDI
2022 - 2023
COSTANZA PRINCIPE
pianoforte
ANBETA TOROMANI
AMILCAR MORET GONZALEZ
ALESSANDRO MACARIO
ballerini
MASSIMO MORICONE
coreografo
SERIE SMERALDO
MER PROGRAMMA
SERIE SMERALDO
16
NOV
“Préludes” – Ideazione e coreografia di Massimo Moricone
F. CHOPIN
(Żelazowa Wola 1810 – Parigi 1849)
da Vingt-quatre Préludes Op. 28
in memoria di Evgenij Polyakov (1943-1996)
Preludio n. 2 in la minore
Preludio n. 4 in mi minore
Preludio n. 21 in si bemolle maggiore
Preludio n. 15 in re bemolle maggiore
Preludio n. 6 in si minore
Preludio n. 7 in la minore
Preludio n. 13 in fa diesis maggiore 17’
danzatori: Anbeta Toromani, Amilcar Moret Gonzales, Alessandro Macario
pianoforte: Costanza Principe
C. DEBUSSY
(St.Germain-en-Laye 1862 - Parigi 1918)
Preludio dal I libro: La cathédrale engloutie 5’
Solo pianoforte: Costanza Principe
Prélude à l’après-midi d’un faune
(trascrizione per piano solo di Leonard Borwick) 12’
danzatori: Anbeta Toromani, Alessandro Macario
pianoforte: Costanza Principe
2
MER PROGRAMMA
SERIE SMERALDO
16
NOV
Intervallo
S. RACHMANINOV
(Novogorod 1873 – Beverly Hills 1943)
Preludio in do diesis minore Op. 3 n. 2 4’
danzatori: Alessandro Macario, Amilcar Moret Gonzalez
pianoforte Costanza Principe
R. SCHUMANN
(Zwickau 1810 – Bonn 1856)
Allegro Op. 8 in si minore 9’
Solo pianoforte: Costanza Principe
F. BUSONI
(Empoli 1866 – Berlino 1924)
Ciaccona dalla Partita n. 2 in re minore per 15’
violino, BWV 1004 di J.S.Bach
danzatori Anbeta Toromani, Alessandro Macario, Amilcar Moret Gonzalez
pianoforte Costanza Principe
3
ANBETA TOROMANI
Anbeta Toromani è nata a Tirana in Albania, dove ha frequentato l’Accademia
Nazionale di Danza. Conseguito il diploma si è perfezionata a Baku, in Azerbaijan.
Rientrata in Albania è immediatamente entrata a far parte del Corpo di Ballo
del Teatro dell’Opera di Tirana come Prima ballerina dove ha ricoperto, fin dal
suo ingresso in compagnia, i ruoli principali di balletti celebri quali “Giselle”, “Don
Chisciotte”, “Cenerentola”, “Paquita”, “Carmen”. Nella stagione 2002-2003
partecipa, arrivando in finale, alla trasmissione “Amici”, condotta da Maria De
Filippi, dove, grazie al suo straordinario talento, rimane svariati anni, come Prima
Ballerina e quindi come giudice, conquistando rapidamente l’ammirazione del
grande pubblico. Tra i riconoscimenti ottenuti in questi anni il Premio Gino Tani
per le arti dello spettacolo ed il Premio Danza&Danza. Anbeta Toromani è stata
invitata a danzare in diverse produzioni di opere e balletto, quali il “Macbeth”,
con la regia di Pier Luigi Pizzi e le coreografie di Gheorghe Iancu, “Carmen”, con le
coreografie di Gheorghe Iancu e la regia del Premio Oscar Dante Ferretti.
Dal 2012 al 2017 balla regolarmente per il Teatro San Carlo di Napoli, ricoprendo
i ruoli principali in “lo Schiaccianoci”, “ Mozart Requiem” coreografia di B. Eifman,
“Otello” coreografia di F. Monteverde, Giselle coreografia di L. Semenyaka,
Coppelia coreografia di R. Petit, “Romeo e Giulietta” coreografia di M. Lavrovsky.
Nel 2013 è ospite all’ Opera di Bratislava per “ Romeo e Giulietta” di Massimo
Moricone, balletto che ha avuto successo anche in Italia con repliche a Roma,
Udine, Rovigo e Gorizia. Dal 2016 ad oggi è ospite in diverse produzioni e serate
gala in tutta Italia.
ALESSANDRO MACARIO
Nato a Napoli, Alessandro Macario entra a far parte della scuola di ballo del
Teatro Di San Carlo a dieci anni e consegue il diploma sotto la guida di Anna
Razzi nel 1998. In pochi anni è arrivato a esibirsi alla Scala in numerosi balletti
quali Cenerentola di Nurejev; Don Quixote di Nurejev; Romeo e Giulietta di K.
Macmillan; Excelsior di U. Dell’Ara; Ondine di Ashton; Il Grande Gatsby di A.
Prokovsky; Amarcord di L. Cannito; La Strada di M. Pistoni; Giselle di P. Ruanne;
Schiaccianoci di Hynd; Lago dei Cigni di Nurejev, Etude di Harald Lander, Carmen
di Roland Petit, Il Figliuol Prodigo di Balanchine, Troy Game di Robert North, Giselle
di S. Guillem.
Con la compagnia del Teatro alla Scala ha partecipato alle tournee in: Turchia,
Polonia e Giappone, Stati Uniti ed Inghilterra. Ha vinto il premio Positano
conferitogli dal Prof. Alberto Testa.
Ha quindi ballato con il Balletto del Teatro Comunale di Firenze, il Teatro
di San Carlo di Napoli, il Teatro dell’Opera di Roma dove ha danzato
in diversi ruoli principali nelle produzioni di Romeo e Giulietta di J.
Cranko, Don Quixote di Nurejev, Gerusalemme di Luc Bouy, Sacra della
Primavera, Shèhèrazade di Michel Fokine.
Negli ultimi anni danza regolarmente con Anbeta Toromani, sua compagna anche
nella vita, ed insieme vengono invitati a danzare in numerose produzioni e gala, in
Italia e all’estero.
4© Kaupo Kikkas
AMILCAR MORET GONZALEZ
Amilcar Moret Gonzalez è nato a L’Havana (Cuba). Si è diplomato al “National
Ballet School of Cuba” studiando con insegnanti del calibro di Mirta Hermida,
Magaly Suarez, Laura Alonso, Ofelia Gonzalez e Pablo Moret.
È stato primo ballerino presso il “Bavarian State Ballet”, “Les Ballets de Monte-
Carlo”, “Zurich Ballet” e “The Hamburg Ballet”. Ha danzato in qualità di Solista
in “Vier Temperamente” (George Balanchine), “Grosse Fuge” (Hans Van Manen),
“Giselle” (Mats Ek), “The Unsung” (Josè Limòn), “Bella Figura” (Jiri Kylian). Inoltre
ha preso parte a balletti di repertorio, tra i quali, “Lady of the Camellias” (John
Neumeier), “Don Quixote” (Marius Petipa/Ray Barra).
Tra i suoi premi si annoverano la medaglia d’oro al “Concours International de
la Dance” (Parigi 1996) e la medaglia di bronzo all’”Helsinki International Ballet
& Choreography Competition” (1995). Ha inoltre danzato in ruoli principali in
Brasile, Stati Uniti e Messico in opere come “Coppélia”, “La fille mal gardée”, “Lo
Schiaccianoci” e “Le Corsaire”.
Ha lavorato come ballerino professionista e insegnante di danza classica nella
trasmissione televisiva “Amici di Maria De Filippi”.
Attualmente è primo ballerino del Ballet Kiel.
MASSIMO MORICONE
coreografo
Danzatore e coreografo italiano, fonda nel 1983 la Compagnia Teatro Koros
collaborando negli anni, con istituzioni prestigiose come La Scala di Milano, Sagra
Musicale Umbra, Fondo Pasolini, Biennale di Venezia, Dance Triennale Tokyo,
Piccolo Teatro di Milano, Festival de Paris. Ha presentato il suo lavoro in Belgio,
Francia, Grecia, Messico, Cuba, India, Giappone e Spagna.
Nel 1984 vince il Primo Premio al Concours International de Choreographie de
Nyon e riceve da Serge Lifar il Prix de l’Université de la Danse de Paris.
E’ stato coreografo ospite al Teatro alla Scala, Arena di Verona, Opera di Roma, San
Carlo di Napoli, Balletto di Toscana, Aterballetto, MaggioDanza, Northern Ballet,
Deutsche Oper Berlin, Ballet Nacional de Cuba, Scottish Ballet, Royal New Zealand
Ballet, Slovak National Ballet.
Dal 1989 ha una collaborazione costante con la Scuola di Danza dell’Opera
di Roma come Professore di Danza Contemporanea e coreografo e con eguali
mansioni dal 2005 viene regolarmente invitato al Instituo Superior de Danza Alicia
Alonso - Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Ha creato coreografie per Carlos
Acosta, Federico Bonelli, Jose’ Manuel Carreno, Alina Cojocaru, Lynne Charles,
Vladimir Derevianko, Elisabetta Terabust, Luciana Savignano.
6© Kaupo Kikkas
COSTANZA PRINCIPE
pianoforte
Dal suo debutto in pubblico all’età di sette anni, la pianista Costanza
Principe si è esibita come solista e in formazione cameristica in Italia,
Francia, Regno Unito, Sud America, Polonia e Armenia.
Vincitrice di premi in concorsi pianistici nazionali e internazionali,
tra cui il Lilian Davies Prize della Royal Academy of Music a Londra, il
secondo premio al Beethoven Society of Europe Intercollegiate Senior
Competition, al Concours International de Piano a Lagny-sur-Marne e al
Concorso Internazionale “Premio Pecar” di Gorizia, della borsa di studio
“Giulio Forziati” e del prestigioso riconoscimento “Giuseppe Verdi – La
Musica per la Vita” dell’associazione ASSAMI, ha debuttato nel 2008
con l’orchestra eseguendo tre concerti di Mozart sotto la direzione di
Aldo Ceccato. Ha suonato come solista con orchestre tra cui l’Orchestra
dei Pomeriggi Musicali, l’Orchestra Filarmonica Marchigiana, l’Orquesta
Sinfonica Provincial de Santa Fe, l’Orchestra del Teatro Coccia di Novara,
la Royal Academy Symphony Orchestra, l’Orchestra Sinfonica Siciliana,
la Filarmonica Toscanini oltre a suonare in numerosi recital nelle più
importanti stagioni di musica da camera.
Nata in Italia nel 1993, Costanza ha iniziato lo studio del pianoforte
all’età di sei anni e si è diplomata presso il Conservatorio Giuseppe Verdi
di Milano sotto la guida di Vincenzo Balzani nel 2010 con il massimo dei
voti, la lode e la menzione. Nel 2015 ha conseguito a pieni voti il Bachelor
of Music presso la Royal Academy of Music di Londra, dove ha studiato dal
2011 con Christopher Elton. Vincitrice di tre borse di studio dal Martin
Musical Scholarship Fund- Philharmonia Orchestra (2013, 2014 e 2015),
ha conseguito il Master of Music presso la stessa scuola. Nel 2020 si
diploma con il massimo dei voti presso l’Accademia Nazionale di Santa
Cecilia dove ha studiato dal 2017 con Benedetto Lupo.
Il suo disco di debutto, interamente dedicato a musiche di Robert
Schumann, è uscito ad aprile 2022 per l’etichetta Piano Classics.
8© Kaupo Kikkas
NOTE AL PROGRAMMA
Il connubio fra musica e danza è intrinseco alla natura dell’essere umano
e si perde nella notte dei tempi. Un momento cruciale nell’interazione fra
queste due arti è il teatro greco antico: musica e danza, in connessione con
la poesia, costituiscono una sorta di unità lirica inscindibile (il termine stesso
mousikè rimanda all’insieme delle arti presiedute dalle Muse). Tale fusione
viene intaccata nella Roma cristiana dalla convinzione che la danza induca
in tentazione: la dimensione dionisiaca, esaltata dalla grecità, diventa un
pericolo. Il ballo alimenta desideri carnali, viene bandito dalla dimensione
pubblica attraverso una serie di editti e definito da Sant’Agostino “un cerchio
al cui centro c’è il diavolo”. Questo punto di vista permane nel Medioevo,
addirittura irrigidendosi con la proibizione generale della danza da parte
di Carlo Magno nell’800. A livello popolare, però, il ballo non può essere
completamente represso e viene accettato dalla Chiesa come un male
necessario.
Soltanto con il Rinascimento la danza riacquista dignità, diventando anche
fondamento per l’emancipazione della musica strumentale - si pensi alla
nascita della Suite. È però solo nell’Ottocento, con il ballet d’action, che
musica e danza tornano a fondersi in un’opera d’arte totale: in alcuni casi
la musica diventa addirittura “serva” della danza, in altri si realizza un’ideale
pariteticità fra le due dimensioni (si pensi ai balletti di Čajkovskij o, nel
Novecento, a quelli di Stravinsky). La proposta, nella nostra contemporaneità,
di “concerti danzati” come quello di stasera è un ulteriore importante passo
nella ricongiunzione di due arti troppo spesso separate in passato per ragioni
moralistiche.
Aprendo il recital (e le danze) di stasera con Frédéric Chopin, Costanza
Principe individua un compositore nel quale la dimensione coreutica, benché
sublimata in fatto squisitamente musicale, è cruciale: si pensi alla congerie
di valzer, mazurche, polacche che costituiscono una parte rilevante della
produzione pianistica chopiniana, nonché al Boléro e alla Tarantella.
Come insegna la storia della danza del Novecento, i coreografi si sono
progressivamente distaccati dalla consuetudine di utilizzare danze vere e
proprie per le loro creazioni: nel caso di Chopin, il primo lavoro emblematico
in tal senso è Les Sylphides di Michel Fokine, in cui compaiono anche Notturni
e Preludi, orchestrati da Glazunov; altro esempio importante è The Concert
di Jerome Robbins, che utilizza non solo alcune danze di Chopin, ma anche
diversi Preludi (n. 4, 7, 16, 18), la terza Ballata e la Berceuse, giocando
spesso con il romanticismo chopiniano e i cliché ballettistici in chiave ironica
e postmoderna; oppure La dame aux camélias di John Neumeier, in cui i
concerti per pianoforte e orchestra e la terza Sonata op. 58 hanno un ruolo
cruciale. Neumeier ritorna poi su Chopin con Nocturnes, in cui le pagine
chopiniane che danno il titolo allo spettacolo definiscono una narrazione.
Benché la musica di Chopin non sia mai, al contrario di quella di Liszt, “musica
a programma”, ricordiamo qui una frase determinante del compositore franco-
polacco: “Niente di più detestabile di una musica senza retropensieri”. Per tale
motivo, non sembra affatto peregrino dare corpo, attraverso un’arte che si
muove fra narrazione e astrazione come la danza, a un immaginario latente
10SALA VERDI
2022-2023
(seppur non esplicito) della musica di Chopin. Anche il fatto di proporre
soltanto alcuni dei Préludes op. 28, invece dell’integrale, è filologicamente
corretto: benché ispirati nel numero (ventiquattro) al Wohltemperierte
Klavier di Bach (come del resto altre raccolte di Clementi, Hummel,
Klengel, Kalkbrenner, Kessler), questi Preludi non nacquero per essere
necessariamente eseguiti integralmente - una prassi subentrata solo nel corso
del Novecento (ma ricordiamo ad esempio che Svjatoslav Richter ne eseguiva
spesso soltanto una selezione, ricombinando l’ordine in modo diverso rispetto
all’originale). Nonostante l’intima organicità che abita la raccolta, la definizione
più suggestiva di queste pagine rimane quella di Robert Schumann: “Sono
schizzi, frammenti iniziali di studi o - se vogliamo - ruderi, penne d’aquila,
selvaggiamente disposte alla rinfusa. Ma la scrittura delicata e perlacea indica
in ciascuno di essi: lo scrisse Fryderyk Chopin. Lo si riconosce dalle pause e
dal respiro impetuoso. Egli è e rimarrà il più ardito e il più fiero spirito poetico
dell’epoca”.
Fra i Preludi presenti nell’impaginato di stasera, alcuni rimandano a danze (il
n. 7, quasi una mazurka), mentre altri sembrano ispirati al clima dei notturni
(il 13 e il 15). Il n. 4, particolarmente amato per il suo accorato patetismo, fu
eseguito insieme al n. 6 (Assai lento) durante i funerali di Chopin il 30 ottobre
1849, nella chiesa della Maddalena a Parigi.
Claude Debussy, a differenza di Chopin, scrisse balletti veri e propri: Jeux
(ispirato al gioco del tennis), La boîte à jouxjoux e Khamma. La correlazione
fra Debussy e la danza è tuttavia legata nell’immaginario collettivo
all’interpretazione coreutica che il leggendario ballerino e coreografo Vaslaw
Nijinsky diede nel 1912 del Prélude à l’après-midi d’un faune, nato come
lavoro sinfonico nel 1894 e basato su un’egloga di Stéphane Mallarmé. Con
un cast di otto danzatori (un fauno, la ninfa principale e sei altre ninfe), il
balletto all’epoca provocò uno choc negli spettatori: non tanto per l’esplicito
erotismo del soggetto, quanto per lo stile coreografico austero e angolare,
basato sui movimenti geometrici e arcaicizzanti concepiti da Nijinsky. Le ninfe,
che si muovono in linee parallele attraverso il palcoscenico, con i piedi flessi,
i fianchi e la testa di profilo, assomigliano a un antico fregio, una similitudine
intensificata anche dalle lunghe pause che interrompono il movimento. Nella
coreografia non ci sono passi ispirati ai consueti virtuosismi del balletto
ottocentesco.
Nei Préludes di Debussy, al contrario di quelli di Chopin, il riferimento extra-
musicale è esplicitato, ma soltanto alla fine di ogni brano: secondo Alfred
Cortot, Chopin desiderava “che il piacere del lettore fosse di indovinare il
sentimento che è reso musicalmente e che dalla verifica di un sentimento
giusto potesse nascere una sorta di intima effusione”. La Cathédrale
Engloutie, Preludio ispirato al mito della città bretone di Ys sommersa dalle
acque, inizia con una sorta di stasi onirica caratterizzata da suoni di campane
per svilupparsi in un movimento che delinea il riaffiorare della Cattedrale
all’alba “avvolta nella nebbia dolcemente sonora”, come indica il musicista.
11SALA VERDI
GEN-GIU 2022
Ritroviamo il senso debussiano di un “gonfiarsi” della sonorità per evocare
qualcosa di misterioso e grandioso al tempo stesso, nonché le sonorità
ispirate alle campane tipiche del mondo russo ortodosso, nel celeberrimo
Preludio op. 3 n. 2 in do diesis minore di Sergej Rachmaninov, caratterizzato
da una massiccia scrittura accordale che nella sezione centrale si fa più agile
e inquieta. L’inquietudine e il pathos della dynamis caratterizzano anche
l’Allegro op. 8 di Schumann, che nonostante il numero d’opus è un’opera
prima a tutti gli effetti, creazione di un ventunenne che cerca di conciliare
in un primo movimento di Sonata (mai completata) un proprio impulso
romantico rivoluzionario, contraddistinto da una sorta di visionaria “estetica
del frammento”, con gli studi severi di contrappunto.
È negli anni di Weimar che Bach scrisse probabilmente le Sonate e Partite
per violino solo. Secondo la musicologa Helga Thoene, esse furono composte
dal Kapellmeister durante il periodo in cui fu incarcerato dal duca locale
per aver accettato un nuovo posto a Köthen: il titolo Sei Solo rimanderebbe
alla solitudine del prigioniero. Con queste opere, Bach, che suonava assai
bene il violino, trascese i pur mirabili lavori di Pisendel e Biber: esse non
rappresentano soltanto un compendio delle possibilità virtuosistiche del
violino barocco, ma anche un ciclo unitario in cui si intrecciano riferimenti
teologici e apertura a nuove “galanterie”.
La fama della Partita n. 2 in re minore è dovuta principalmente alla Ciaccona,
chiave di volta della raccolta: si tratta di una serie di trentaquattro variazioni
su una progressione armonica di otto misure. Bach sublima l’originale senso
di danza della Chaconne francese: la sua stilizzazione diviene caleidoscopio
di affetti e colori. Si tratta di un capolavoro di organizzazione dinamica, in cui
le transizioni da una variazione all’altra lasciano senza fiato. Ferruccio Busoni,
in base a criteri opposti all’arrangiamento per mano sinistra sola di Brahms,
ne diede una versione pianistica divenuta iconica. L’empolese affermò di aver
trattato “l’effetto sonoro in senso organistico. Questo procedimento, molto
contestato, trova la sua giustificazione anzitutto nel contenuto,[…] in secondo
luogo nell’esempio proposto da Bach con la sua trascrizione per organo della
sua Fuga in sol minore per violino”.
Luca Ciammarughi
Pianista, scrittore, conduttore radiofonico.
12I bis del concerto del 19 ottobre I bis del concerto del 26 ottobre: Il pianista Ramin Bahrami con I Solisti Aquilani La pianista Ying Li ha eseguito: R.Schumann, hanno eseguito : J.S. Bach, dal Concerto n.3 in da Phantasiestücke: “Des Abends”; J.S.Bach, re magg. per pianoforte e orchestra BWV 1054: dalla Suite Francese n.5 BWV 816: Allemande Adagio e piano sempre.
I PROSSIMI CONCERTI
0RE 20:30 0RE 17:00 - SERIE ZAFFIRO POMERIDIANA
AUDITORIUM LATTUADA SALA VERDI DEL CONSERVATORIO
LUN SEBASTIANO BENZING
pianoforte MER RUDOLF BUCHBINDER
pianoforte
21 23
NOV NOV
La Meglio Gioventù “Schubert e Beethoven: universi paralleli”
C. Franck, A.Scriabin, S.Prokofiev F. Schubert, L. van Beethoven
0RE 20:45 - SERIE RUBINO 0RE 20:30
SALA VERDI DEL CONSERVATORIO AUDITORIUM LATTUADA
MER RUDOLF BUCHBINDER
pianoforte LUN TRIO RIGAMONTI
23 28
NOV NOV
“Eredità Beethoven” La Meglio Gioventù
L. van Beethoven F. J. Haydn, C. Franck, M. Ravel
0RE 20:45 0RE 20:45 - SERIE SMERALDO
SALA VERDI DEL CONSERVATORIO SALA VERDI DEL CONSERVATORIO
GLORIA CAMPANER
SAB pianoforte MER BEATRICE RANA
pianoforte
03 IVANNA SPERANZA
soprano 14
DIC EMMA ARIZZA
violino DIC
Concerto per Antonio “Chopin e Beethoven : le grandi sonate”
F. Chopin, A. Dvořák, F. P. Tosti, J. S. Bach/T. A.Skriabin, F.Chopin, L. van Beethoven
Nikolaeva, L. Arditi, A. Bazzini, P. Luna, G. Giménez.
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