A COLLECTION IN PROGRESS - Nature Is What We See 29.03- 16.06.2019 2018/19 - Collezione Giancarlo e Danna Olgiati
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Nature Is What We See 29.03– 16.06.2019 A COLLECTION IN PROGRESS 2018/19 Collezione Giancarlo e Danna Olgiati
Nature Is What We See Harold Ancart Vincenzo Agnetti Tauba Auberbach Nairy Baghramian Roberto Cuoghi Enrico David Micheal Dean Jean Dubuffet Günther Förg Roni Horn Jannis Kounellis Leoncillo Markus Lüpertz Mario Merz Pino Pascali Giuseppe Penone Alessandro Piangiamore Michelangelo Pistoletto Seth Price Markus Raetz Ugo Rondinone Sterling Ruby Remo Salvadori Salvatore Scarpitta Garth Weiser Christopher Wool
Nature Is What We See
Harold Ancart
Bruxelles, 1980
Untitled
2014
olio e penna su carta / oil and pen on paper
130 x 88 cm
• Untitled
2018
pastelli ad olio e matita su tela /
oil pastels and pencil on canvas Artista belga, vive e lavora a
205,7 x 287 x 5,7 cm New York. Realizza opere su
carta, disegni murali, scul-
ture e installazioni con una
costante attenzione alla componente spaziale e ambientale. Dichiara a proposito:
“Mi piace concepire le esposizioni non tanto come una successione di oggetti da
osservare, ma come tensioni generate tra le diverse zone di vuoto”. I suoi dipinti e
disegni sono caratterizzati da un’immediata delicatezza ottenuta tramite l’acco-
stamento di materiali effimeri ed evanescenti come inchiostro, polvere di carbone,
fuliggine e tracce scure lasciate dalle fiamme. Nel gennaio del 2018 ha iniziato a
dipingere iceberg, in risposta alle estreme condizioni climatiche invernali che hanno
interessato New York in quel periodo; la grande tela Untitled esposta in mostra è
frutto di questa produzione. Nell’ altra opera del 2014 qui esposta, pochi segni mini-
mali in completa assenza di rappresentazione e profondità, suggeriscono forme
floreali e paesaggi, in una dimensione sospesa tra figurativo e astratto. Harold
Ancart ha esposto alla Emily Harvey Foundation a Venezia (2011), a Abtei Brauweiler
in Germania (2012), ad Art Basel Unlimited (2014) e alla Menil Collection di Houston
(2016); ha partecipato inoltre alla Biennale di Taipei (2014).
The Belgian artist is based in New York. He creates his works on paper, mural designs,
sculptures and installations with a constant attention to space and the surrounding
environment. He has stated: “I like to think of exhibitions not as a series of objects
to look at, but as tensions generated by different zones of emptiness”. His paint-
ings and drawings are characterized by an immediate delicacy which he obtains by
bringing together ephemeral and evanescent materials like ink, charcoal powder,
soot and the dark traces left by flames. In the work “Untitled” (2014) on display here,
spare minimal signs completely without representation and depth, suggest floral
forms and landscapes that seem to be suspended between the figurative and the
abstract. Harold Ancart has recently exhibited at the Abtei Brauweiler in Germany
(2012) and Art Basel Unlimited (2014) as well as in the Taipei Biennial (2014).Nature Is What We See
Vincenzo Agnetti
Milano, 1926–81
• Photo - Graffia
1980-81
carta fotografica esposta e graffiata /
Exposed and scratched photographic paper
50 x 40 cm
Vincenzo Agnetti nasce a Milano nel 1926, si diploma a Brera e poi segue la scuola del
Piccolo Teatro. Ancora giovanissimo inizia le prime esperienze artistiche nel campo
della pittura informale e della poesia, di cui non è rimasta traccia. Dalla fine degli
anni ’50 agli inizi degli anni ’60 data la frequentazione di pochi amici tra cui Enrico
Castellani e Piero Manzoni, con cui condivide ideali, progetti, aspirazioni artistiche
e con cui collabora all’attività della Galleria Azimut. La sua arte è unacontinuari-
flessioneriguardoilrapportolinguaggio-rappresentazione: che siano supportate da
bacheliti, feltri, carte, tele, lavori fotografici, sculture o performance, le operazioni
concettuali di Agnetti hanno sempre alle spalle esperienze di vita. L’opera esposta in
mostra fa parte della serie Photo-Graffie che l’artista realizza dal 1979 al 1981. Si tratta
di pellicole fotografiche esposte alla luce, trattate e graffiate al fine di “recuperare”
il disegno o meglio l’elemento figurativo e talora pittorico dell’immagine. Con l’espo-
sizione alla luce della pellicola fotografica, il conseguente annerimento diviene una
azione di azzeramento e nello stesso tempo di totale compressione dell’immagine.
Dalla fine e dall’annientamento dell’immagine, così come da una fotografia che non
presenta altro che il nero, è tuttavia possibile agire con graffi e con colori. Tra le sue
mostre personali ricordiamo quelle a Palazzo dei Diamanti a Ferrara (1967), al Museo
di Israele a Gerusalemme (1977) e al PAC di Milano (1980).
Vincenzo Agnetti was born in Milan in 1926. He graduated from the Brera Academy
and subsequently attended drama school at the Piccolo Teatro. He took his first
artistic steps in the field of Informalism and poetry at a very young age, although
no trace of them remains. Between the late 1950s and the early ’60s, he frequented
a small circle of friends, including Enrico Castellani and Piero Manzoni, with whom
he shared ideals, projects and artistic aspirations, and with whom he worked on the
ventures of the Galleria Azimut. His art is an unbroken flow of reflection and re-ex-
amination of the relationship between language and representation. Regardless of
medium – Bakelite, felt, paper, canvas, photographs, sculptures or performances –
Agnetti’s conceptual works are always underpinned by life experiences. The work
on display here belongs to the Photo-Graffie series that the artist made between
1979 and 1981. It is composed of photographic films exposed to light, treated and
scratched in order to “recover” the design, or rather the figurative and sometimes
pictorial element of the image. With the exposure of the film to the light, the conse-
quent blackening becomes an act of deletion and at the same time total compres-
sion of the image. From the end and from the annihilation of the image, as from a
completely black photograph, it is nonetheless possible to work with scratches and
colours. His solo shows include exhibitions at the Palazzo dei Diamanti in Ferrara
(1967), the Israel Museum in Jerusalem (1977) and the PAC in Milan (1980).Nature Is What We See
Tauba Auerbach
San Francisco, 1981
• Grain - Meander Gate II
2018
acrilico su tela / acrylic on canvas
228,6 x 121,9 cm
Giovane artista americana opera con la fotografia, la grafica e soprattutto la pittura
mettendo in discussione i limiti delle nostre strutture logiche (linguistiche, mate-
matiche e spaziali) attraverso una forma d’astrazione multi-dimensionale e poetica.
Le sue rigorose composizioni indagano le consuete modalità di percezione visiva,
evidenziando ambiguità e scarti di senso; il rapporto tra superficie piana e tridimen-
sionalità viene messo in scacco attraverso un gioco di illusioni percettive. La sua
ricerca integra perfettamente tradizione concettuale, grafica e astrazione traendo
ispirazione dalla matematica e dalla fisica. Tauba Auerbach ha partecipato ad espo-
sizioni al Whitney Museum (2010 e 2013), al PSI/MoMA (2010 e 2014) e al MoMA (2012)
di New York, oltre che al Centre Pompidou di Parigi (2013). Tra le recenti personali si
ricordano quelle presso il Wiels Contemporary Art Center di Brussels (2013), l’Institute
of Contemporary Arts di Londra (2014), l’Astrup Fearnley Museum di Oslo (2015) e la
galleria Indipendenza di Roma (2015). Recentemente è stato realizzato un intervento
presso la Vienna State Opera (2016-17).
This young American artist works with photography, graphics and above all painting,
probing the limits of human logical structures (linguistic, mathematical and spatial)
through a poetic, multidimensional form of abstraction. Her rigorous compositions
explore conventional modes of visual perception, uncovering ambiguities and dis-
carded meanings; the relationship between flat surfaces and three dimensionality
is challenged through a game of perceptional illusions. Her work is a perfect inte-
gration of conceptual tradition, graphics and abstraction and is inspired by mathe-
matics and physics. Tauba Auerbach has participated in exhibitions at the Whitney
Museum (2010 and 2013), at the PSI/MoMA (2010 and 2014) and at the MoMA (2012)
in New York as well as at the Pompidou Centre in Paris (2013). Her recent personals
include an exhibition at the Wiels Contemporary Art Centre in Brussels (2013), the
Institute of Contemporary Arts in London (2014), the Astrup Fearnley Musuem in Olso
(2015) and the Galleria Indipendenza in Rome (2015). An intervention was recently
conducted at the Vienna State Opera (2016-17).Nature Is What We See
Nairy Baghramian
Isfahan (Iran), 1971
• Eule (Owl)
2007
legno dipinto, resina epossidica /
painted wood, epoxy resin
85 x 37 x 40 cm
Nairy Baghramian è un’artista di origine iraniana che vive e lavora a Berlino.
Interessata alla statuaria tradizionale, riflette sulle differenze tra ornamento e fun-
zione, fra industriale e artigianale, tra merce e oggetto artistico. Nelle sue sculture -
realizzate in una grande varietà di materiali, tra cui ferro, silicone, resina e pelle – il
corpo umano viene spesso scomposto in parti e ricostruito secondo le logiche
dell’interior design, creando una sorta di reinterpretazione del Minimalismo attra-
verso l’uso di arti umani. I suoi lavori fanno spesso riferimento al tema dell’instabilità:
le sue opere fragili e poetiche sono spesso in procinto di collassare e di rompersi,
come nel caso di Eule (Owl) del 2007, esposta in mostra, dove il calco in resina di un
sedere è appoggiato in equilibrio pecario su un perno di fissato su uno sgabello. Tra
le sue recenti esposizioni personali ricordiamo quella alla Kunsthalle di Basilea (2006),
alla Contemporary Art Gallery di Vancouver (2012), allo Sculpture Center di Long
Island City a New York (2013), al Museo Serralyes a Porto (2014), al Museo Tamayo a
Città del Messico (2015), a Palazzo Grassi a Venezia (2016) e al Palais des Beaux-Arts di
Parigi (2018).
Nairy Baghramian is an Iranian artist who lives and works in Berlin. She is interested
in traditional statuary and her work reflects on the differences between ornament
and function, industrial and artisanal, goods and artistic objects. In her sculptures,
made from a wide variety of materials, including metal, silicone, resin and leather,
the human body is often broken down into parts and reconstructed according to
the logic of interior design, creating a sort of reinterpretation of Minimalism using
human limbs. Her works frequently refer to the theme of instability: her fragile,
poetic creations are often on the point of collapsing and breaking, as in the case
of Eule (Owl) (2007), on display here, where the resin cast of a bottom precariously
balances on a pin fastened to a stool. She has had solo exhibitions at the Kunsthalle
in Basel (2006), the Contemporary Art Gallery in Vancouver (2012), SculptureCenter
in Long Island City, NYC (2013), the Serralves Museum in Porto, the Museo Tamayo in
Mexico City (2015), Palazzo Grassi in Venice (2016) and the Palais des Beaux-Arts in
Paris (2018).Nature Is What We See
Roberto Cuoghi
Modena, 1973
• SS (LXXXIXP)C
2018
ceramica con base di marmo /
ceramic with marble base
34 x 46 x 20,5 cm
Roberto Cuoghi è un artista multimediale che lavora con pittura, scultura, anima-
zione digitale, disegno e suono. Il suo lavoro ruota attorno alle idee di metamorfosi
e ibridismo, temi inestricabilmente legati alla sua vita personale. Incuriosito dalla
sperimentazione, nella pratica artistica, utilizza spesso il corpo per interpretare
trasformazioni degli altri e di sé, come nella sua nota scelta di vita che l’ha portato,
all’età di 24 anni ad alterare fisicamente il suo aspetto per diventare suo padre, un
uomo di sessant’anni. Negli ultimi anni dedica la propria attenzione a una serie di
sculture di varie dimensioni nelle quali la sua ricerca ossessiva sulle proprietà dei
materiali dà forma a escrescenze e neoplasmi che ricordano giganteschi termitai
o barriere coralline sottoposte a incontrollati fenomeni di mutamento. In questi
casi il processo di metamorfosi sembra agire quasi a livello cellulare, risultando in
superfici che paiono alterare forme organiche e incrostazioni minerali. Un esempio
di questa ricerca è SS (LXXXIXP)C del 2018, esposta in mostra, dove la ceramica
assume forme e patine che rimandano al mondo marino, dando vita a un essere che
ricorda un granchio, ma è altro. Tra le molte mostre personali dedicategli ricordiamo
quelle all’Institute of Contemporary Art di Londra (2008) all’Hammer Museum di Los
Angeles (2011) al New Museum di New York (2014) e la mostra itinerante del 2017 al
Centre d’Art Contemporain di Ginevra, al Museo MADRE di Napoli e al Kölnischer
Kunstverein di Colonia.
Roberto Cuoghi is a multimedia artist who works with painting, sculpture, digital
animation, drawing and sound. His production revolves around the concepts of
metamorphosis and hybridism: themes that are inextricably tied up with his per-
sonal life. Intrigued by experimentation, he often uses his body in his art to inter-
pret transformations of others and self, as in his famous life choice that led him to
physically alter his appearance at the age of 24 to become his father, a man of 60.
In recent years he has focused on a series of sculptures of various dimensions in
which his obsessive study of the properties of materials has given rise to growths
and neoplasms reminiscent of gigantic termite mounds or coral reefs subjected to
uncontrolled phenomena of mutation. In these cases, the metamorphosis process
appears to take place on an almost cellular level, resulting in surfaces that seem
to alter organic forms and mineral encrustations. An example is the 2018 work SS
(LXXXIXP)C, on display here, in which the ceramic material takes on shapes and
patinas that hint at the marine world, giving life to a creature that is reminiscent
of a crab, but is something else. His many solo exhibitions include those at the
Institute of Contemporary Art in London (2008), the Hammer Museum in Los Angeles
(2011), the New Museum in New York (2014) and the 2017 travelling exhibition at
the Centre d’Art Contemporain in Geneva, the Museo MADRE in Naples and the
Kölnischer Kunstverein in Cologne.Nature Is What We See
Enrico David
Ancona, 1966
• The American Elle Earthworm
1999
lana su tela tinta / wool on dyed canvas
240 x 210 cm
Untitled
2011
lana infeltrita / felted wool
120 x 120 cm Dalla pittura alla scul-
tura, all’installazione,
Untitled
dal collage al disegno e
2011
scultura di materiali vari su supporto in ferro / alla gouache, sino alla stessa
mixed media sculpture on a metal stand scrittura, tutta la pratica arti-
82 x 11 cm stica di Enrico David ha mani-
festato fin dal principio una
singolare tensione verso
l’improbabile e l’inatteso. Nonostante sia uno dei tre artisti chiamati a rappresentare
l’Italia alla prossima Biennale di Venezia, ha sviluppato la sua parabola lontano dal
suo paese d’origine, scegliendo di vivere e lavorare a Londra. Il suo eclettico voca-
bolario persegue un continuo “dare forma all’instabilità dei sentimenti e alla loro
impermanenza”, come ha più volte dichiarato. L’immaginario di David attinge dall’ar-
tigianato, dall’arte popolare e dal design del XIX secolo, così come dalla pubblicità,
dalla moda e dalla storia dell’arte. Nei suoi lavori l’impermanenza dell’immagine è
uno stato di passaggio tra scomparsa e ri-apparizione della forma. La corporeità è
sempre presente, anche quando appare negata nella sua finitezza formale e le figure
collassano, come il fragile personaggio collocato sul supporto di ferro di Untitled del
2011, in mostra. Artista di fama internazionale, ha esposto in alcuni dei musei più pre-
stigiosi al mondo, tra le sue mostre personali ricordiamo quelle presso la Tate Britain
di Londra (2005), lo Stedelijk Museum di Amsterdam (2007), il CLA Hammer Museum di
Los Angeles (2013) e il Museum of Contemporary Art di Chicago (2018).
From painting to sculpture, installation, collage, drawing and gouache, and even
writing, Enrico David’s entire artistic production has always strived uniquely towards
the improbable and the unexpected. Despite the fact that he is one of the three
artists assigned to represent Italy at the upcoming Venice Biennale, he has traced
his trajectory away from his homeland, choosing instead to live and work in London.
His eclectic vocabulary unremittingly endeavours to “give shape to the instability of
feelings and their impermanence”, as he has declared on several occasions. David’s
imagery draws on the crafts, folk art and design of the 19th century, along with
advertising, fashion and art history. In his works, the impermanence of the image
is a transitional state between the disappearance and re-appearance of the form.
Corporeity is always present, even when it appears to be denied in its formal finite-
ness and the figures collapse, like the fragile character on a metal stand portrayed in
Untitled (2011), on display here. An internationally renowned artist, David has exhib-
ited in some of the world’s most prestigious museums, including the Tate Britain in
London (2005), the Stedelijk Museum in Amsterdam (2007), the CLA Hammer Museum
in Los Angeles (2013) and the Museum of Contemporary Art in Chicago (2018).Nature Is What We See
Michael Dean
Newcastle Upon Tyne (Inghilterra / England), 1977
• Cope (working title)
2011
cemento / concrete
77 x 200 x 13 cm
Nel suo lavoro Michael Dean adotta differenti mezzi espressivi, la scultura, la scrit-
tura, la performance e la fotografia, spesso sviluppati e uniti all’interno di instal-
lazioni basate su testi. Fulcro principale della sua ricerca è un’analisi visiva del
linguaggio che deriva dalla tradizione della parola scritta. Molteplici configurazioni
materiali si presentano come oggetti fisici dominati da un’apparente leggerezza
che demistifica il peso e la natura grezza dei materiali utilizzati, quali il cemento e
l’acciaio. Le forme che realizza, simili a stele in cemento, condensano i due elementi
caratteristici della sua opera, scrittura e performance, e mostrano come la pesante
materia del cemento possa diventare leggera, simile a un origami, come nel caso di
Cope (working title) esposta in mostra. Molte linee geometriche di questi elementi
nascondono infatti un alfabeto criptico le cui lettere sono la forma dell’opera. Oltre
ad essere stato selezionato tra i finalisti del Turner Prize 2016 presso la TATE Britain di
Londra, ha esposto in mostre collettive in importanti musei tra cui il Palais de Tokyo
di Parigi (2013) e la Kunsthall di Bergen (2014). Tra le sue mostre personali ricordiamo
quella presso l’Henry Moore Institute di Leeds (2012) e il Nasher Sculpture Center di
Dallas (2016).
Michael Dean uses different expressive media in his work: sculpture, writing, perfor-
mance and photography, which are often developed and combined in text-based
installations. The main focus of his study is the visual analysis of the language
derived from the tradition of the written word. Mixed-media configurations are
presented as physical objects dominated by an apparent lightness that demysti-
fies the weight and unsophisticated nature of the materials used, such as concrete
and steel. The forms that Dean creates, resembling concrete stelae, condense the
two characteristic elements of his work – writing and performance – and show how
the heavy medium of concrete can become light, similar to origami, in the case of
Cope (working title) featured in the exhibition. Indeed, many of the geometric lines
of these elements hide a cryptic alphabet, whose letters are the form of the work.
In addition to having been one of the finalists for the 2016 Turner Prize at the Tate
Britain in London, his work has been featured in collective exhibitions at leading
museums, including the Palais de Tokyo in Paris (2013) and the Kunsthall in Bergen
(2014). Solo exhibitions of his work have been held at the Henry Moore Institute in
Leeds (2012) and the Nasher Sculpture Center in Dallas (2016).Nature Is What We See
Jean Dubuffet
Le Havre (Francia / France), 1901 – Paris, 1985
• Masque de terre
1960
tecnica mista su tavola / mixed media on panel
50,5 x 60,5 cm
Il giovane Dubuffet si iscrive, a diciotto anni, all’Académie Julian a Parigi, ma la sua
ostilità nei confronti della cultura ufficiale e della tradizione accademica lo porta ad
abbandonare presto gli studi per frequentare l’ambiente artistico parigino. Inizierà
a dipingere solo nel 1942 dopo esperienze come disegnatore industriale e presso
l’azienda agricola di famiglia. La concezione dell’arte di Dubuffet si scosta dai canoni
stabiliti, egli identifica infatti la creazione con la spontaneità, l’impulso emotivo
prescinde dunque dalla resa estetica e formale. Lo affascina l’arte primitiva perché
estranea ad ogni imposizione culturale, è attratto quindi dal disegno infantile e dei
malati mentali in quanto espressioni che eludono ogni forma di consapevolezza e
di conoscenza. Intorno a questi presupposti dà vita, nel 1947, al gruppo dell’Art Brut
insieme a André Breton, Jean Paulhan e Michel Tapié. Sul piano pittorico, le sue prove
di esordio, negli anni Quaranta, rivelano un’impronta fortemente materica, vicina
all’Informale; progressivamente assume sempre maggiore pregnanza la scelta dei
materiali utilizzati, quali gesso, ghiaia, catrame, calce, mastice, solitamente di origine
naturale e di uso quotidiano. L’opera esposta, Masque de terre (1960), si caratterizza
per la completa assenza di figurazione in favore dell’espressività della materia grezza
e terrosa, a confermare, secondo le parole di Dubuffet che: “l’arte è soprattutto
visione e la visione, molte volte, non ha nulla in comune con l’intelligenza né con la
logica delle idee”. Tra le recenti mostre personali si ricordano quelle presso il MoMA
di New York (2014), la Fondation Beyeler di Basilea (2016), l’Hammer Museum di Los
Angeles (2017).
When Dubuffet was eighteen years old he enrolled at the Académie Julian in Paris.
His hostility towards the mainstream culture and academic tradition led to his
abandoning his studies early on, however, so that he could instead be a part of the
Paris art scene. He did not begin painting until 1942 after gaining experience as an
industrial designer as well as on the family farm. Dubuffet’s conception of art is
far-removed from pre-established canons, he identifies creativity with spontaneity,
emotional impulse exists regardless of aesthetic and formal output. He is fasci-
nated by primitive art because it is extraneous to all cultural impositions, and he is
therefore attracted to the drawings of children and the mentally ill, as these are art
expressions that elude all forms of awareness and knowledge. On the basis of these
presuppositions, in 1947 Dubuffet founded the group known as Art Brut, along with
André Breton, Jean Paulhan, and Michel Tapié. From a pictorial point of view, his early
works, from the forties, reveal a strongly material side that is close to the Informel;
his choice of materials becomes increasingly important, involving the use of gesso,
gravel, tar, lime, putty, usually natural in colour and of everyday use. The work show-
cased here, Masque de terre (1960), is characterized by the complete absence of
figuration in favour of the expressiveness of the natural, soil-based material. Indeed,
according to Dubuffet: “art is above all vision, and vision, many times, has nothing in
common with either intelligence, or with the logic of ideas”. Among the recent solo
shows were those held at the MoMA in New York (2014), Fondation Beyeler in Basel
(2016), Hammer Museum in Los Angeles (2017).Nature Is What We See
Günther Förg
Füssen (Germania / Germany), 1952
Untitled
1999
acrilico su carta di alloro / acrylic on laurel paper
65 x 75,5
• Untitled
2007
acrilico su tela / acrylic on canvas
200 x 190 cm La ricerca di Günther Förg si
avvale dell’utilizzo indifferen-
ziato di diversi mezzi espres-
sivi - dalla scultura al bassorilievo, dalla fotografia alla pittura - al fine di costruire
una dialogo con lo spazio circostante. I suoi dipinti geometrici, astratti e fortemente
colorati, rivelano forti influenze architettoniche; sensibili i reciproci scambi con il
Minimal americano. Avvalendosi delle potenzialità espressive del colore, come nel
caso della grande tela del 2007 presentata in questo allestimento, le sue opere
evocano l’idea di una complessità spaziale che lascia trasparire tutte le sue qualità
espressive, coinvolgendo emotivamente ed empaticamente il fruitore. Nella carta
Untitled del 1999 esposta in mostra, l’indagine dello spazio si manifesta nell’utilizzo
di una griglia dipinta con pennellate veloci e vibranti che, oltre a rimandare alla tra-
dizione della pittura astratta dei primi del Novecento, sembra dettare le regole di
un sistema compositivo stabilito a priori. Con la volontà di forzare questo “sistema”,
Förg conferisce a dipinti, solo apparentemente semplici, un’evidente ricchezza
espressiva attraverso il sapiente utilizzo del colore e la gestualità di una pennellata
che trascende la superficie del dipinto. Ha esposto in importanti istituzioni in tutto
il mondo, tra le sue mostre personali ricordiamo quelle al Kunstverein di Amburgo
(1996), al Kunstverein e al Kunstmuseum di Oldenburg (1999), alla Kunstalle di Bremen
(2006), Beyeler di Basilea (2009),Museum Brandhorst di Monaco (2014).
Günther Förg’s work draws on the indiscriminate use of various expressive media –
from sculpture and low relief to photography and painting – with the aim of con-
structing a dialogue with the surrounding space. His geometric, abstract and
brightly coloured paintings show strong architectural influences and recipro-
cal exchanges with American Minimalism. Harnessing the expressive potential of
colour, as in the case of the large 2007 canvas on display here, his works evoke the
notion of a spatial complexity that allows all of its expressive qualities to transpire,
thus drawing in the viewer emotionally and empathetically. In Untitled (1999), his
investigation of space is manifested in the use of a grid painted with rapid, vibrant
brushstrokes, which is not only a reference to the abstract painting of the early 20th
century, but also seems to dictate the rules of a compositional system established
a priori. With the intention of forcing this “system”, Förg confers an evident expres-
sive richness on his only seemingly simple paintings through the masterly use of
colour and the gestural expressiveness of brushstrokes that transcend the surface
of the painting. He has displayed his work in important museums all over the world,
with solo exhibitions at the Kunstverein in Hamburg (1996), the Kunstverein and
Kunstmuseum in Oldenburg (1999), the Kunstalle in Bremen (2006), Beyeler in Basel
(2009) and the Brandhorst Museum in Munich (2014).Nature Is What We See
Roni Horn
New York, 1955
• When Dickinson Shut her Eyes: No.562
Conjecturing a Climate
1993
8 fusioni in plastica color nero e alluminio
8 elementi: 5 x 5 dimensioni variabili da 127 a 140 cm
Edizione 2/3
8 black plastic and aluminium casts
8 pieces: 5 x 5 variable dimensions from 127 to 140 cm
Edition 2/3 Artista e scrittrice, Roni Horn
esplora la natura mutevole
Still Water (The river Thames, for Example)
dell’arte attraverso scul-
1997-1999
3 stampe litografiche offset su carta ture, fotografie, opere su
76,8 × 105,4 cm ciascuna carta e libri. Le sue prime
3 offset lithographs on paper prove, generalmente collo-
76,8 × 105,4 cm each cate a pavimento, indagano
i materiali nella loro essenza
materiale e valenza percet-
tiva: densità, malleabilità,
lucentezza e opacità. Dal 1982 svolge un’intensa attività grafica: utilizza acquerelli,
pigmenti in polvere fissati mediante vernici e gouache, l’elemento comune è sempre
il collage, inteso come ritaglio e ricollocazione indiziaria delle cose. L’opera in mostra,
“When Dickinson Shut her Eyes: No.562”, appartiene alla serie di sculture realizzate
negli anni novanta che si presentano sotto forma di lastre, cubi e travi di alluminio
sui cui sono iscritti, in resina epossidica o in plastica, parole e versi poetici scanditi
linearmente sul lato superiore dei solidi come fossero in proiezione tridimensionale.
Per i suoi lavori più recenti l’artista trae ispirazione dall’acqua, forse suggestionata
dai ripetuti soggiorni in Islanda. Dal dialogo fra fotografia e scrittura scaturisce
l’opera “Still Water”, in mostra, un trittico fotografico che ritrae particolari del fiume
Tamigi. In calce alle immagini compaiono alcune scritte in carattere molto ridotto: si
tratta di storie e racconti, citazioni letterarie alternate a invenzioni dell’artista. Ogni
elemento del trittico è un primo piano fotografico delle mutevoli acque del fiume, il
cui mistero l’artista cerca di decifrare attraverso i testi che le accompagnano. Roni
Horn ha esposto in tutti i grandi musei internazionali, si ricordano in particolare le
personali al Whitney Museum di New York e alla Tate Modern di Londra, entrambe del
2009. Nel 2015 ha tenuto una personale alla Fondazione Beyeler di Basilea.
Artist and writer Roni Horn explores the mutating nature of art through sculpture,
photography, works on paper, and books. Her early works, generally located on the
floor, analyze materials in their material essence and perceptive value: density, mal-
leability, brightness, and opaqueness. Since 1982 she has devoted a great deal of
her time to graphics, using watercolour, pigments in powder which she then fixes
with paint and gouache. The common element is always the collage, which involves
cutting out and relocating objects. The work in this exhibition, “When Dickinson Shut
her Eyes: no. 562” is one of a series of sculptures created in the 1990s in the form
of slabs, cubes, bars of aluminium along whose edges words and verses have been
inscribed in epoxy resin or plastic as if they were three dimensional projections. In
her most recent work the artist has drawn inspiration from water possibly suggested
by her many visits to Iceland. The dialogue between photography and writing has
generated the work “Still Water” on display in this exhibition, a photographic triptych
that portrays details of the river Thames. Below the images several writings appear
in very small characters: these are stories and tales, literary quotes alternating
with the artist’s own inventions. Each of the triptych’s elements is a photographic
close up of the changing waters of the river, whose mystery the artist attempts to
decipher through the accompanying texts. Roni Horn has shown her work in all the
major museums around the world; in particular, two solo shows were held at the
Whitney Museum in New York, and at the Tate Modern in London in 2009. In 2015, the
Fondation Beyeler in Basel staged a solo exhibition of her work.Nature Is What We See
Jannis Kounellis
Atene, 1936 – Roma, 2017
Senza titolo
1993
pannello di legno con sei lastre di ferro parzialmente
intinte in pittura nera / wooden panel with six metal
plates partly dipped in black paint
215 x 195 cm
• Senza titolo
1988 Artista di origine greca si è
metallo, vetro, travi di ferro, carbone / trasferito a Roma nel 1956 per
metal, glass, iron beams, coal
frequentare l’Accademia. Il
100 x 70 x 8 cm
suo debutto nel 1960 si tiene
alla galleria La Tartaruga con
la serie pittorica degli “Alfabeti”, costituita da lettere, numeri, frecce e altri simboli
dipinti a tempera nera su tela bianca. Dalla metà degli anni Sessanta inizia ad utiliz-
zare materiali naturali, inerti oppure organici, come legno, cera, piombo, terra, fiori,
sacchi di iuta contenenti carbone, semi di caffè, scelta che lo accomuna agli artisti
dell’Arte Povera. Nell’ambito della riflessione sul rapporto arte e natura ha anche
utilizzato animali vivi come metafora dell’energia vitale. Negli anni ha continuato ad
arricchire il suo vocabolario formale di elementi carichi di suggestioni antropologi-
che e mitologiche: frammenti di calchi, pietre, tracce di fuliggine e sassi. L’opera in
mostra rappresenta un momento fondamentale dell’evoluzione della sua poetica:
l’azzeramento del linguaggio espressivo tipico della dimensione concettuale affer-
matasi negli anni Sessanta. Tra le numerose personali ricordiamo quelle tenute alla
Whitechapel Gallery di Londra (1982 e 2002), alla GNAM di Roma (2002), al MADRE
di Napoli (2006) e alla Neue Nationalgalerie di Berlino (2008). Ha esposto nel 2014 al
RISO Museo d’arte contemporanea di Palermo insieme a Giovanni Anselmo e al MAM
di Saint-Étienne. Ha partecipato alla Biennale di Venezia, Padiglione Italia, nel 2015 e
nello stesso anno è stata presentata una grande retrospettiva alla galleria Christian
Stein di Milano. Recentemente gli è stata dedicata un’importante mostra personale
presso la Monnaie de Paris (2016).
Originally from Greece, Kounellis moved to Rome in 1956 to attend the Academy
there. He made his debut at the gallery La Tartaruga with a series of paintings enti-
tled “Alfabeti” composed of letters, numbers, arrows and other symbols stenciled in
black tempera on white canvas. From the mid 1960s he began to use natural materi-
als, inert or organic, such as wood, wax, lead, earth, flowers, burlap sacks filled with
coal, coffee beans – a choice of materials he shared with artists of the Arte Povera
movement. In his reflections on the relationship between art and nature he has
also used live animals as a metaphor for vital energy. Over the years he has contin-
ued to enrich his formal vocabulary with mythological or anthropological elements:
fragments of moulds, stones, traces of soot, rocks. The work in this exhibition rep-
resents a fundamental moment in the evolution of Kounellis’ poetics; the annulment
of expressive language typical of the concepts coming out of the 1960s. Among
Kounelis’ numerous personal shows were those held at the Whitechapel Gallery in
London (1982 and 2002) and the GNAM in Rome (2002), the MADRE in Naples (2006)
and Berlin’s Neue Nationalgalerie (2008). In 2014 he exhibited at the RISO Museo
d’arte contemporanea in Palermo together with Giovanni Anselmo and at the MAM
of Saint-Étienne. He participated in the Venice Biennial, Padiglione Italia, in 2015
and in the same year a large retrospective was devoted to him at the Christian Stein
Gallery in Milan. The artist recently had a solo show at the Monnaie in Paris (2016).Nature Is What We See
Leoncillo
Spoleto, 1915 – Rome, 1968
• Senza titolo
1960
gres e smalti /toneware and enamels
80 x 35 x 10 cm
Leoncillo Leonardi cresce in un clima familiare molto fertile dal punto di vista arti-
stico. Due dei suoi nonni sono artigiani, condizione che lo rende avvezzo al lavoro
manuale sin da bambino. Si forma all’Istituto d’arte di Perugia e alla Accademia di
Belle Arti di Roma compiendo le prime esperienze nella cerchia della Scuola Romana
accanto a Scipione e Mario Mafai. Nel 1942 insegna ceramica all’Istituto d’arte di
Roma. Contemporaneamente, gli eventi bellici e politici lo portano a schierarsi: da
antifascista, milita in diverse organizzazioni partigiane e poi si iscrive al Pci.In questi
anni, passa dalle figure classiche come arpie ed ermafroditi in ceramica, caratteriz-
zate da un cromatismo espressionista, all’incarnazione della sofferenza umana. Nei
secondi anni ’50 inaugura una nuova stagione per la sua arte, fatta di una materia
magmatica e corrugata, che lo conduce sino ai limiti dell’informale; è in questo il
periodo in cui lavora ad opere di gres, lontane dal realismo degli anni precedenti, che
esegue tagli e fratture, dando estrema importanza all’ “archeologia della materia”.
Uno splendido esempio di questa fase produttiva è l’opera Senza titolo del 1960
esposta in mostra, dove è possibile vedere una figura umana modellata nella materia.
Tra le esposizioni a cui prese parte ricordiamo la Triennale di Milano (1940) e la
Biennale di Venezia (1948, 1950, 1954,1968).
Leoncillo Leonardi grew up in a very fertile artistic environment. Two of his grand-
parents were artisans, who accustomed him to manual work from an early age. He
trained at the Istituto d’Arte in Perugia and the Accademia di Belle Arti in Rome,
taking his first steps as an artist within the circle of the Scuola Romana alongside
Scipione and Mario Mafai. In 1942, he taught ceramics at the Istituto d’Arte in Rome.
At the same time, the war and the political situation led him to take a stand against
fascism, and he became an active member of several partisan organizations before
joining the Italian Communist Party. During this period, his work showed a shift
from classical figures, such as ceramic harpies and hermaphrodites, characterized
by Expressionist colours, to the incarnation of human suffering. The second half of
the 1950s marked the beginning of a new season for his art, made from magmatic,
corrugated material, which took him to the boundaries of Informalism. It was during
this period in which he was working on stoneware, far removed from the realism of
the previous years, that he made cuts and fractures, attributing great importance to
the “archaeology of the material”. A splendid example of this phase of his production
is represented by Untitled (1950), on display here, where a human figure can be seen
modelled in the material. He participated in many exhibitions, including the Milan
Triennale (1940) and the Venice Biennale (1948, 1950, 1954, 1968).Nature Is What We See
Markus Lüpertz
Liberec (Repubblica Ceca / Czech Republic), 1941
• Ulysses II
2011
tecnica mista su tela in cornice d’artista /
mixed media on canvas in artist’s frame
130 x 162 cm
Nato a Liberec, nella Repubblica Ceca, Markus Lüpertz è pittore, scultore, nonché
poeta e scrittore tedesco di fama internazionale. A sette anni fugge con la famiglia
a Rheydt (Germania Ovest) e a quindici abbandona l’attività di pittore di etichette di
vino per gli studi di grafica presso la Krefeld Werkkunstschule. Nel 1962 si stabilisce
a Berlino e inventa la pittura “ditirambica”, proponendosi di trovare un equivalente
contemporaneo del ditirambo classico. Rievocando Dionisio e Bacco in una serie di
immagini eroiche e tragiche, concilia la mitologia con la volontà di superare lo spirito
del tempo attraverso una personalissima via artistica. La sua ricerca continua per
tutti gli anni Settanta nel solco della tradizione con opere che trattano i grandi temi
del dopoguerra tedesco, primo fra tutti quello dell’identità nazionale. Così, mentre
molti dei suoi contemporanei si orientano verso il postmoderno e il dibattito sociale,
Lüpertz si concentra sulla narrazione in ambito pittorico, e sullo statuto della pittura
stessa. Negli anni Duemila rivisita, con uno stile vagamente espressionista, grandi
figure classiche della storia e della mitologia come la cacciata di Adamo ed Eva, l’Ar-
cadia o Ulisse, a cui dedica un intero ciclo; nel dipinto in mostra “Ulysses II” (2011)
l’eroe assume le fattezze di una statua classica abbandonata, i suoi occhi si svuo-
tano inespressivi immersi in una misteriosa meditazione. L’Ulisse dell’artista tedesco
evoca, nella sua nuda frontalità, una dimensione esistenziale sobria e rassegnata
in contrasto con la connotazione eroica originaria. Markus Lüpertz ha esposto in
numerosi musei e rassegne, tra cui le Kunsthalle di Berna (1977) e di Colonia (1979), la
Biennale di San Paolo (1983), la Städtische Galerie im Lenbachhaus di Monaco (1986), il
Museo Reina Sofía di Madrid (1991), il MoMA di New York (1996) e il British Museum di
Londra (2014).
Born in Liberec, in the Czech Republic, Markus Lüpertz is a German painter, sculp-
tor, as well as a poet and writer of international fame. At the age of seven he and his
family escaped to Rheydt (West Germany), and when he was fifteen he quit his job
as a painter of wine labels to study graphic art at the Krefeld Werkkunstschule. In
1962 he settled in Berlin and invented “dithyrambic” painting, the idea being to find a
contemporary equivalent of the classical dithyramb. By harkening back to Dionysus
and Bacchus in a series of heroic and tragic images, Lüpertz combined mythology
and the aspiration to transcend the spirit of the times via a wholly personal artistic
trajectory. Throughout the 1970s, the artist’s research continued along traditional
lines, producing works featuring the major themes of the German post-war period,
first among which that of a national identity. Hence, while many of his contempo-
raries were turning towards postmodern and social art, Lüpertz focused on using
painting to tell stories, as well as on the statute of painting itself. In the 2000s the
artist has revisited, in a somewhat Expressionist style, the great classical figures of
history and mythology, such as the Banishment of Adam and Eve, Arcadia, Ulysses,
to whom he has dedicated a whole cycle; in the painting exhibited here, “Ulysses II”
2011, the hero assumes the features of an abandoned classical statue, his eyes are
hollow and inexpressive, and he is immersed in mysterious meditation. Characterized
by frontal nudity the German artist’s Ulysses evokes a sober and resigned existential
dimension as compared with the original heroic connotation. Markus Lüpertz has
shown his work in numerous museums and events, including the Kunsthalle in Bern
(1977) and Cologne (1979), the Bienal de São Paulo (1983), the Städtische Galerie im
Lenbachhaus in Munich (1986), the Reina Sofía Museum in Madrid (1991), the MoMA in
New York (1996), and the British Museum in London (2014).Nature Is What We See
Mario Merz
Milano, 1925 – Torino, 2003
• Senza titolo
1976-77
tecnica mista su tela di sacco, neon /
mixed media on sacking, neon
204 x 417 cm
Fra i maggiori esponenti dell’Arte Povera, Mario Merz, artista italiano di origini sviz-
zere, crea strutture nello spazio fatte di pure energie generative, sia organiche sia
inorganiche. I primi quindici anni della ricerca artistica di Merz, svoltasi quasi per
intero nell’ambito del disegno e della pittura, lo conducono a individuare alcuni
soggetti, come la serie delle foglie, che è solito riprodurre in primo piano sull’intera
superficie del dipinto ampliandoli fino a definirne le strutture interne di crescita
e pulsazione. La spirale, la sequenza numerica di Fibonacci in neon e l’igloo carat-
terizzano l’intero suo percorso artistico. In particolare l’igloo, costituito da diversi
materiali naturali (fascine, pietre, cera, ecc.), è la cifra caratterizzante della ricerca
di Merz: modello archetipico di abitazione, evoca lo spazio di protezione per eccel-
lenza, il luogo primigenio in cui la natura si fa casa. Tra le numerose esposizioni a
cui Merz ha preso parte ricordiamo in particolare l’indimenticabile personale al
Guggenheim di New York nel 1989: uno spazio che, per la sua architettura circo-
lare, si prestava perfettamente ad ospitare l’opera di Merz e gli igloo in particolare.
È stato insignito della Laurea honoris causa dal Dams di Bologna nel 2001 e del
Praemium Imperiale dalla Japan Art Association nel 2003, pochi mesi prima dell’im-
provvisa scomparsa. Recentemente l’Hangar Bicocca di Milano ha dedicato un’im-
portante mostra ai suoi Igloo.
One of the most important figures of the Arte Povera movement, Mario Merz, an
Italian artist of Swiss origins, created structures in space from pure generative
energy – either organic or inorganic. The first fifteen years of Merz’s career were
given over almost entirely to drawing and painting and it was during this time that
he identified several subjects like the series of leaves which he generally puts into
the foreground of the painting expanding them until their internal structures of
organic growth can be discerned. The spiral, the Fibonacci sequence lit in neon
lights and the igloo characterize his artistic itinerary. Especially, the igloo made out
of various natural materials (bundles of wood, stones, wax, etc.) is emblematic of
Merz’s quest: the archetypical dwelling, the igloo represents an ideal of protected
space in which nature transforms into shelter. Among Merz’s numerous shows, of
particular note was his unforgettable solo at the Guggenheim in New York in 1989:
a space whose circular design was perfectly suited to house Merz’s work, espe-
cially the igloo. Merz was awarded an honorary Laurea by the Dams in Bologna in
2001 and the Praemium Imperiale by the Japan Art Association in 2003, few months
before his sudden death. HangarBicocca in Milan recently staged an important
exhibition of his Igloos.Nature Is What We See
Pino Pascali
Bari, 1935 – Roma, 1968
• Baco da setola
1968
scovoli di nylon su supporti di ferro /
nylon brushes on metal supports
35 x 130 x 20 cm
La carriere artistica di Pino Pascali è breve e folgorante. Diplomato all’Accademia
di Belle Arti di Roma nel 1959, comincia subito a farsi notare come scenografo ese-
guendo bozzetti e disegni per “Carosello” e altre trasmissioni tv, oltre che disegni e
plastici di velieri, treni, corazze. Nel 1965 tiene la sua prima personale a Roma nella
prestigiosa galleria “La Tartaruga”. In soli tre anni si impone all’attenzione dei maggior
critici d’arte italiani e di galleristi d’avanguardia. Nell’estate del 1968, pochi mesi
prima della sua tragica scomparsa, partecipa su invito con una sala personale alla
XXXIV Biennale di Venezia. Scultore, scenografo, performer, Pascali coniuga in modo
geniale e creativo forme primarie e mitiche della cultura e della natura mediterranee
con le forme infantili del Gioco e dell’Avventura (animali della preistoria, dello zoo
e del mare, giocattoli di guerra, il mondo di Tarzan e della giungla, bruchi e bachi,
travestimenti, Pulcinella). In mostra viene presentato un esemplare della serie dei
Bachi da setola, sculture a forma di grandi bruchi realizzati con spazzoloni in acrilico
sostenuti da una struttura in ferro. Storicizzando la natura attraverso l’utilizzo di
materiali sintetici, industriali, materiali di consumo tipici degli Anni Sessanta, l’opera
di Pascali è una tensione continua tra il reale e l’immaginario, tra realtà e finzione.
Dopo la sua morte, molti musei nel mondo gli hanno dedicato una personale, tra
questi ricordiamo la GNAM di Roma (1969), il Centre Pompidou di Parigi (1981), il
Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris (1991), il Reina Sofia di Madrid (2001).
Pino Pascali’s artistic career was short and brilliant. After graduating from the
Accademia di Belle Arti in Rome in 1959, he immediately got himself noticed as a set
designer, creating sketches and drawings for Carosello and other television pro-
grammes, as well as drawings and models of sailing ships, trains and armour. His first
solo exhibition was held at the prestigious La Tartaruga gallery in Rome in 1965. In the
space of just three years he attracted the attention of Italy’s leading art critics and
avant-garde gallery owners. In the summer of 1968, a few months before his tragic
death, he participated in the 34th Venice Biennale, with a personal room. Sculptor,
set designer and performer, Pascali ingeniously and creatively combined primary
and mythical forms of Mediterranean culture and nature with the childish forms of
play and adventure (prehistoric, zoo and sea animals, war toys, the world of Tarzan
and the jungle, caterpillars and worms, costumes, Pulcinella. The exhibition features
a piece from the Bachi da setola series of sculptures of large caterpillars made from
acrylic brushes supported by a metal structure. Historicizing nature through the
use of synthetic, industrial materials – typical consumables of the 1960s – Pascali’s
work is a constant striving between the real and the imaginary, between reality and
fiction. Since his death, many museums worldwide have staged solo exhibitions of
his work, including the GNAM in Rome (1969), the Centre Pompidou in Paris (1981), the
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1991) and the Reina Sofia in Madrid (2001).Nature Is What We See
Giuseppe Penone
Garessio, Cuneo (Italia / Italy), 1947
• Verde del bosco
1986
frottage di foglie e colore vegetale su tela /
leaves frottage and vegetal colour on canvas
155 x 263 cm
Fin dagli esordi la ricerca di Penone, ascrivibile al gruppo dell’Arte Povera, rielabora
le forme generate dalla natura attraverso la pratica scultorea e la performance.
L’artista ripercorre consapevolmente i gesti ancestrali con cui l’uomo ha trasfor-
mato l’ambiente per adattarlo alle proprie necessità. Varia e molteplice nelle forme,
l’opera di Penone è basata su alcune intuizioni fondamentali, lungamente meditate:
le analogie fra micro e macrocosmo, il paesaggio come unione di volontà umana
e leggi naturali, il gesto del singolo come ricapitolazione delle tappe fondamen-
tali della civiltà umana. Il suo stesso corpo funge da modello e unità di misura nel
confrontarsi con le diverse manifestazioni e processi della natura. Per quanto la
scultura occupi una posizione centrale nell’intera sua opera, la profonda riflessione
sull’universo vegetale investe al contempo il campo pittorico, come testimonia
il dipinto in mostra Verde del bosco (1986). Tra le molteplici attività espositive si
segnala il prestigioso invito del 2013 alla Reggia di Versailles: Penone è stato il primo
artista contemporaneo italiano ad assurgere a tale onore. Ha esposto alla Biennale
di Venezia (2007) e a Documenta 13 Kassel (2012), ed è stato vincitore del Praemium
Imperiale dalla Japan Art Association nel 2014. Dello stesso anno si ricordano le
personali al Forte di Belvedere – Giardini di Boboli di Firenze, al Beirut Art Center
e al Musée de Grenoble. Nel 2016 ha esposto al Musée Cantonal des Beaux-Arts di
Lausanne, al Rijksmuseum di Amsterdam, alla Reggia di Venaria Reale a Torino e al
MART di Rovereto, mentre nel 2017 al Palazzo della Civiltà Italiana di Roma.
From the very outset, Penone, associated with the Arte Povera movement, has
re-elaborated natural forms in his sculpture and performance. The artist con-
sciously returns to the ancestral gestures humans use to transform the environ-
ment and adapt it to their needs, and his work assumes a multiplicity of forms. It is
based on a few core intuitions that he has pondered over for a long time: the analo-
gies between micro- and macrocosm, landscape as the product of a union between
the human will and the laws of nature, the gestures of the individual as a synthesis
encapsulating all the fundamental stages of human civilization. His own body often
serves as a model and unit of measure to juxtapose against the different manifesta-
tions and processes of nature. However much sculpture occupies a central position
in this artist’s oeuvre, a profound reflection on the plant universe invests the picto-
rial field at the same time, as witnessed by the painting on view here entitled Verde
del bosco (1986). Among Penone’s many exhibitions, especially memorable is his
prestigious invitation in 2013 to the Palace of Versailles: Penone was the first Italian
artist to receive this honour. Penone has exhibited at the Venice Biennale (2007) and
Documenta 13 Kassel (2012). In 2014 he won the Praemium Imperiale of the Japan Art
Association. Since then he has had solo shows at the Forte di Belvedere – Giardini
di Boboli in Florence, Beirut Art Center, and Musée de Grenoble. In 2016, the artist
showed his work at the Musée Cantonal des Beaux-Arts in Lausanne, Rijksmuseum
of Amsterdam, Reggia di Venaria Reale in Turin, and MART in Rovereto, while in 2017
he exhibited at the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome.Nature Is What We See
Alessandro Piangiamore
Enna, 1976
• Ieri Ikebana 070820162
2016
cemento, fiori, ferro / concrete, flowers, metal
100 x 141 x 2,5 cm
Attratto dalla pittura, Alessandro Piangiamore si definisce scultore perchè lavora
con la materia, il cemento ma anche le cere, sempre materiali con una storia. Le cere
sono residui di candele provenienti da chiese e da altri luoghi, mentre nel cemento
affiorano calchi e impronte di fiori. L’artista racconta che è dal quotidiano che trae
i suoi stimoli, da una componente effimera che lo attrae e che lo porta a trovare
fiori recisi o gettati che poi imprime in lastre composte da materiali da costruzione.
L’opera esposta in mostra Ieri Ikebana 070820162 del 2016 è un esempio di questa
pratica dove, citando l’artista stesso, “l’aspetto importante verte su una sorta di
‘non scelta’ dell’elemento di base“. Per la realizzazione di questi lavori Piangiamore
dispone le sue composizioni floreali in casseforme rettangolari e poi vi cola sopra
il cemento. Il risultato, visibile soltanto il giorno successivo, quando il cemento si
è asciugato e i fiori possono essere tolti (grattati via, soffiati, seccati, combusti a
fuoco), è vario e non controllabile fino in fondo dall’artista.Vincitore del Premio Cairo
(2015), ha esposto in mostre personali presso diversi musei internazionali tra cui
Magazzino Italian Art a New York (2019), la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea
di Bergamo (2011) e il Palais de Tokyo di Parigi (2014) .
Attracted by painting, Alessandro Piangiamore defines himself a sculptor because
he works with material – concrete, but also waxes – always materials with a history.
The waxes are residues of candles from churches and other places, while casts
and prints of flowers emerge from the concrete. The artist explains that he draws
his inspiration from everyday life, from an ephemeral component that attracts him
and leads him to find cut or discarded flowers, which he then impresses in slabs
made from construction materials. The work displayed here, Ieri Ikebana 070820162
(2016), is an example of this practice in which, the artist claims, “the important
aspect hinges on a sort of ‘non-choice’ of the basic element”. Piangiamore creates
these works by arranging his floral compositions in rectangular shuttering and then
pours concrete on top of them. The result, which is not visible until the following
day, when the concrete has dried and the flowers can be removed (scratched away,
blown away, dried, burnt off), is variable and not entirely controllable by the artist.
He won the Premio Cairo in 2016 and has had solo exhibitions at various interna-
tional museums, including Magazzino Italian Art in New York (2019), the Galleria d’Arte
Moderna e Contemporanea in Bergamo (2011) and the Palais de Tokyo in Paris (2014).Nature Is What We See
Michelangelo Pistoletto
Biella (Italia / Italy), 1933
• Chassis
1962-1964
fotografia su acciaio inox lucidato a specchio /
photograph on mirror finished stainless steel
200 x 100 cm
Con i “Quadri specchianti”, realizzati a partire dal 1962, Pistoletto, protagonista
dell’Arte Povera, attua un processo di smaterializzazione della pittura attraverso
l’utilizzo della superficie a specchio, introducendo radicali riflessioni sul rapporto tra
realtà e rappresentazione e sull’esistenza di una dimensione spazio-temporale che
scaturisce direttamente dall’interazione del pubblico con l’opera. L’artista applica
delle figure – ricavate da fotografie e dipinte a grandezza naturale su carta velina –
su lastre di acciaio inossidabile lucidate a specchio. Attraverso questo procedimento
annulla qualsiasi traccia del gesto pittorico e giunge alla fusione tra la figura “rap-
presentata”, fissa, immutabile, e il riflesso dello spazio reale, dell’osservatore e del
suo stesso ritratto nello specchio. In mostra Chassis del 1962-1964, un significativo
e raro esempio dell’iniziale tentativo dell’artista di applicare l’immagine fotografica
direttamente sulla lastra di acciaio, soluzione che sarà dapprima sostituita dalla
tecnica del riporto fotografico su velina e, a partire dal 1971, da un processo serigra-
fico di riproduzione. Pistoletto espone dal 1960 con regolarità in tutti i musei e nelle
gallerie più importanti. Tra le mostre recenti vanno menzionate quella itinerante del
2010-2011 (Philadelphia Museum of Art e MAXXI di Roma) e l’esposizione al Louvre di
Parigi (2013). Nel 2014 è stata insignito del prestigioso riconoscimento giapponese
Praemium Imperiale. Tra le numerose esposizioni personali più recenti ricordiamo
quelle tenutesi presso il Palais des Nations di Ginevra (2014), il Museo Nacional
de Bellas Artes di L’Avana (2016), la Leila Heller Gallery di Dubai (2016) e la Galleria
Christian Stein di Milano (2017).
With his “Mirror Paintings” that he began making in 1962, Pistoletto, a leading figure
in the Arte Povera movement, sought to dematerialize painting by using the surface
of a mirror. These works are the opportunity for a profound meditation on the rela-
tionship between reality and representation and on the existence of a time-space
dimension that arises directly from the public’s interaction with the work. The artist
applies figures—taken from photographs and painted life-size on tissue paper—to
sheets of mirror finished steel. This process eliminates any trace of personal gesture
and results in a fusion between the “represented” figure which is fixed, immutable
and the reflection of the surrounding space that includes the observer who sees his
own portrait in the mirror. On view here is Chassis, 1962-1964, a significant and rare
example of the initial attempt, on the part of the artist, to apply the photographic
image directly to the steel sheet, a solution that would eventually be replaced by
tracing the photograph on tissue paper and later, from 1971 onwards, by the using a
silkscreen of the photographic image. Since 1960, Pistoletto has regularly shown his
work in the most important galleries and museums. Among his most recent shows
of note are the travelling exhibition of 2010-2011 (Philadelphia Museum of Art and
MAXXI in Rome) and the show at the Louvre in Paris (2013). In 2014 he was awarded
Japan’s prestigious Praemium Imperiale. Among many others, recent solo shows
of the artist’s work were held at the Palais des Nations in Geneva (2014), Museo
Nacional de Bellas Artes in Havana (2016), Leila Heller Gallery in Dubai (2016), and
Galleria Christian Stein in Milan (2017).Puoi anche leggere
